المخرجة فيولا" أخرجت أي فيلم تحوّل إلى نجاح جماهيري؟

لا شيء يضاهي تذكّر أداء قوي يترك أثرًا طويلًا في النفس، ومشكلةً هذا ينطبق تمامًا على فوز فيولا بجائزة الأوسكار. فازت فيولا ديفيس بجائزة أوسكار أفضل ممثلة في دور مساعد عن فيلم 'Fences' في حفل جوائز الأوسكار لعام 2017 (الذي كرّم أفلام 2016). أداؤها كرَوز ماكسون في هذا العمل، والمأخوذ عن مسرحية أوغست ويلسون، كان مليئًا بالنداء العاطفي والصدق، وهو ما جعل ترشيحها السابق يتحول إلى فوز مستحق حين تحولت المسرحية إلى فيلم أخرجه وأدى دوره فيه دينزل واشنطن. هذا الفوز أكمل لها ما يُطلق عليه «التاج الثلاثي للتمثيل» بعدما نالت جوائز في المسرح والتلفزيون أيضًا، وهذا يشرح لماذا يُنظر إليها كواحدة من أقوى الممثلات في جيلها. في النهاية، الفوز بـ'Fences' لم يكن مجرد جائزة بل تكريم لمسيرة من العمل الجاد والعمق الإنساني في التمثيل.

أتذكر جيدًا تلك اللحظة في السينما عندما ظهر العنوان وبدأت أستوعب أن الجزء الثالث يختلف تمامًا عن سابقَيه. المخرج الذي قاد 'الزيارة الجزء الثالث' هو غاري شيرمان (Gary Sherman)، وصدر الفيلم عام 1988 كتكملة لسلسلة الأشباح الشهيرة. في الواقع، السلسلة بدأت بمخرج آخر في الجزء الأول ثم تغيّر المخرجون في الأجزاء اللاحقة، وغاري شيرمان تولى مهمة إضفاء نكهة مختلفة على الجزء الثالث. أستطيع أن أقول إنّي شعرت بأن شيرمان أعطى الفيلم طاقة أكثر اعتمادية على الأجواء الحضرية، حيث انتقلت القصة إلى ناطحة سحاب في شيكاغو عوضًا عن الضواحي المطروحة في الجزء الأول. هذا الاختلاف في الإخراج ظهر في التصوير وفي الإحساس العام؛ لم يعد الأمر مجرد رعب منزلي بل رعب محاط بالزحام والمباني المرتفعة. بينما لا أصرح بأن هذا الجزء أفضل من سابقيه، أجد أن لمسة غاري شيرمان جعلت 'الزيارة الجزء الثالث' تجربة مميزة بطريقتها. أحب مقارنتها مع الأجزاء الأخرى لأرى كيف يتغير الأسلوب حين يتغير المخرج، وهذا الفيلم مثال جيد على ذلك.

لا أنسى مدى الصدمة والإعجاب اللذين شعرت بهما عند مشاهدة 'The Square'—فيلم أُطلق عام 2013 وترك أثرًا عميقًا في ذهني. المخرجة صاحبة الأصول المصرية قدمت عملًا وثائقيًا لا يكتفي بسرد الأحداث، بل يغوص في نبض الشارع والحراك الشعبي بطريقة جعلت الفيلم يتجاوز الحدود المحلية إلى جمهور دولي واسع. 'The Square' حصل على تغطية إعلامية مكثفة وافتُتح في مهرجانات كبيرة، ثم ترشح لاحقًا لجوائز عالمية كبيرة، ما جعل سنة 2013 سنة بارزة لظهور مخرجين مصريين بصوتٍ قوي على الساحة العالمية. من وجهة نظري، نجاح هذا الفيلم كان لحظة مفصلية تُظهر كيف يمكن لصانعات مصريات أن يصنعن فرقًا في الطرح والانتشار. أحببت كيف أن التعامل مع الموضوع كان إنسانيًا جدًا، بعيدًا عن الدعايات السياسية الجافة؛ لذلك، لو سألت عن "أي سنة؟" فسأشير بلا تردد إلى 2013 كسنة قدمت فيها مخرجة مصرية فيلمًا ناجحًا أثر في المشاهدين على نطاق واسع.

أستمتع بتتبع نقاط التحول في الشخصيات، ومع فيولا هناك مشهد واضح أعتبره نقطة الانعطاف: لقاءها مع الأورسينو في المشهد الثاني من الفصل الرابع في 'Twelfth Night'. أشعر أن هذا المشهد يحكّم التغيير الداخلي؛ فقبل ذلك كانت فيولا تبدو مضبوطة بتخفيها كـ'سيساريو'، تعمل وتراقب وتستخدم الذكاء للبقاء. لكن في هذا الحوار تنفتح مشاعرها أكثر، وتظهر لحظات الضعف إلى جانب الحيلة. أنا أحب الطريقة التي يتراكم فيها الإقرار الصامت بالحب—ليست لحظة صاخبة، بل تأرجح دقيق بين الاعتراف والتكتم. بينما تخاطب الأورسينو عن الحب، أرى فيولا تتحول من مخفية متحكمة إلى إنسانة أكثر صدقًا مع رغباتها، وهذا التحول يبلور باقي الأحداث ويعدّ الأرضية للمواجهة النهائية. هذا المشهد بالنسبة لي ليس الانكشاف الكامل، بل الذروة العاطفية التي تغيّر رهانها الداخلي وتمنحها قدرة على الممازجة بين الخبث والرقة، وهو ما يجعل بقية المسرحية تتطور بشكل درامي ومقنع.

أكثر مشهد لازمنا في قلبي؟ بصراحة، مشهد الاعتراف في 'Call Me by Your Name' مع إيليو وهو قاعد قدام المدفأة. الجو كان هادئ جدًا، أوليفر سأله 'هل تعلم ماذا يفعل بي؟'، وإيليو، بدموعه الحارة، جاوبه 'لا أعرف شيئًا'. المشهد كله مبني على التراكم العاطفي، بلا موسيقى صاخبة ولا حوارات مبالغ فيها. بس نظراتهم المتعبة، والأسئلة المعلقة في الهواء، وطريقة تصوير المخرج لوكا غواداغنينو للحركات الصغيرة زي تحريك الأصابع على الطاولة أو التنفس المتقطع. كل هذا خلق توترًا ممزوجًا بالحنان، وكأن الاعتراف هنا ما كان مجرد كلمات، بل لحظة حقيقية عاشتها الروح قبل الجسد. أنا أحب كيف أن المخرج ترك مساحة للصمت بين الجمل، عشان نقدر نحس بثقل كل كلمة. المشهد خلاني أتأمل في قوة الاعترافات الصادقة اللي تأتي متأخرة أحيانًا، لكنها تظل عالقة في الذاكرة. غير كذا، لما فكرت فيه، تذكرت كيف أن الاعتراف دايمًا ينقسم بين الرغبة في الصدق والخوف من الرفض. في هذا الفيلم، كان مشهد المدفأة ملخص لكل اللي فات: الصيف، المشاعر المكبوتة، واللقاءات الخاطفة. الحقيقة أن المخرج ما استخدم أي تقنيات سينمائية معقدة، بل اعتمد على الصدق الخام بين الممثلين تيموثي شالاماي وأرمي هامر. حتى إضاءة الشموع كانت متقنة، تخلق ظلال هادئة تشبه الغموض في قلب إيليو. المشهد عندي ليس مجرد اعتراف، إنه درس في كيف نعترف بأحاسيسنا دون أن نعرف تمامًا ماذا نقول.

ما لفت انتباهي مؤخرًا هو أن أفلام الإثارة التي تصير حديث الجمهور عادة ما تكون من توقيع مخرجين معروفين بأسلوبهم البصري القوي وقدرتهم على خلق توتر مستمر. لو كانت الإشارة إلى فيلم عالمي أحدث ضجة، فهناك احتمال قوي أن المخرج هو شخص مثل ديفيد فينشر، المعروف بإخراج أفلام مثل 'Gone Girl' و'Zodiac' التي تجذب الجمهور بقصص متقنة وإيقاع متوتر. فينشر يملك قدرة نادرة على تحويل سيناريو إلى تجربة سينمائية مشحونة بالتفاصيل الصغيرة التي تصبح محل نقاش على المنتديات ومواقع النقد. من جهة أخرى، إذا كان الفيلم يحمل نبرة خيال علمي أو توتر نفسي مع توجهٍ فني واضح، فالأسماء مثل دينيس فيلينوف أو كريستوفر نولان قد تكون مطروحة. فيلينوف قدم أعمالًا مثل 'Prisoners' و'Sicario' التي تُثار حولها الكثير من التحليلات الفنية، بينما نولان في 'Tenet' لعب على مفاهيم زمنية معقدة دفعت الناس للغوص في نظريات ونقاشات طويلة. وفي حالة أن الديباجة تتضمن طابعًا اجتماعياً وثقافياً أثار جدلاً واسعًا، فانغ بونغ جون هو أو بارك تشان-ووك قد يكونان وراء الضجة، لأن أعمالهم مثل 'Parasite' أو 'Oldboy' تخلق موجات نقاش بسبب مضمونها. الخلاصة العملية: إذا أردت مؤشرات سريعة على المخرج، ابحث عن ملامح الفيلم — إن كان يميل إلى الجريمة والتحقيق، فاحتمال فينشر، إن كان هناك لعب بالزمن والمقاربة البصرية المعقدة فكر بنولان أو فيلينوف، وإن كان ثيمته اجتماعية مع لمسة سوداوية فكر في بونغ أو بارك. بالنهاية، دائمًا ما يسحرني كيف يصبح مخرج واحد ـ بصمته وأسلوبه ـ سببًا لكل هذا الجدل والنقاش.

أجد أن بعض الأفلام تمتلك جملة واحدة قادرة على تغيير طريقة تفكير الجمهور بأكمله، والجمل عن النجاح هي من أقوى هذه اللحظات السينمائية. من بين الأمثلة التي توقفت عندها كثيرًا واقتنعت بقوتها هي المقولة الشهيرة من فيلم 'Rocky Balboa' حيث يقول روكي في خطاب مؤثر: "It ain't about how hard you hit. It's about how hard you can get hit and keep moving forward." هذه العبارة لم تكن مجرد تحفيز لحظة تنتقل على الشاشة، بل أصبحت مبدأ يطبقه الكثيرون في حياتهم اليومية؛ النجاح هنا يُقاس بالقدرة على الوقوف بعد السقوط، وليس بعدم السقوط أصلاً. أتذكر أنني حين شاهدت المشهد شعرت باندفاع بسيط لا يهم إن خسرت معركتك الآن، المهم أن تستمر في القتال، وهذه الفكرة وصلت إلى جمهور واسع لأنها بسيطة وعميقة في آنٍ واحد. هناك فيلم آخر لا يمكن تجاهله عندما نتكلم عن مقولات عن النجاح وهو 'The Pursuit of Happyness'. مشهد الكلام بين الأب وابنه — حيث يقول الأب كلمات مثل: "Don't ever let somebody tell you, you can't do something" — ترك أثرًا كبيرًا في الجمهور لأن الرسالة مضمونة بالصمود والأمل، ولم تتحدث عن النجاح كمكافأة فحسب، بل كرؤية تُحافظ عليها وتحميها رغم الظروف. هذا النوع من المقاطع يجعل الناس يعيدون تقييم طموحاتهم، ويمنحهم الشجاعة لإعادة المحاولة أو لحماية أحلامهم من السخرية أو اليأس. لا بد أن أذكر أيضًا تأثير جملة من 'The Shawshank Redemption' مثل "Get busy living or get busy dying" — ترجمتها لدى البعض "عِش أو تموت" — وهي ليست مجرد دعوة للعمل، بل صدمة تحثك على اتخاذ موقف واضح تجاه حياتك. وكذلك في 'Dead Poets Society' نجد 'Carpe Diem' التي ترجمتها المدارس والمسرحيات والحوارات اليومية إلى "اقتنص اليوم"؛ هذه العبارة لم تبرز النجاح بالمعنى المادي فقط، بل بالمعنى الوجودي: النجاح أن تعيش حياتك بحسب قيمك، لا بحسب ما يُتوقع منك. كل هذه الأمثلة تُظهر أن الجمهور يتفاعل بقوة مع مقولات تجمع بين بساطة العبارة وعمق التجربة. بالنسبة لي، سر تأثير هذه المقاطع هو أنها تلتقط لحظة إنسانية حقيقية — مواجهة الخوف، الإصرار، والاختيار — وتحوّلها إلى كلمات يسهل ترديدها وتطبيقها. أنا أحب أن أشارك هذه الجمل مع الأصدقاء عند الحاجة إلى دفعة معنوية، وغالبًا ما ترى كيف تعيد ترتيب التفكير في دقائق. في النهاية، الأفلام لا تصنع النجاح، لكنها تقدم لنا مَفاتيح بسيطة تُعدّل منظورنا وتجعل أغلبنا يتعامل مع الفشل على أنه خطوة وليست نهاية، وهذا التأثير—حتى لو كان يبدأ بجملة واحدة—يستمر مع الجمهور لسنوات.