Cine Groucho

Pienso que la mejor puerta de entrada a Charles Grodin para muchos críticos es «Midnight Run». Ahí se combina su gran sentido del tempo cómico con una química sorprendente frente a Robert De Niro: Grodin es el tipo neurótico, frágil y absolutamente encantador que obliga a la comedia a funcionar en un registro más tenso y humano.

Como espectador mayor que disfruta del cine de los ochenta, veo por qué la prensa todavía lo cita: su capacidad para resistir el gag fácil y convertir escenas aparentemente rutinarias en pequeños duelos de improvisación es lo que hace que los comentaristas lo recomienden una y otra vez. Además, su arco emocional en la película muestra que, además de humor, sabía dar profundidad a sus personajes.

Si buscas una introducción crítica a su trabajo, empieza por «Midnight Run» y luego dale una oportunidad a «The Heartbreak Kid» para ver otra cara de su talento: el humor oscuro y el desamparo cómico que también le gustaba a la crítica. Para cerrar, creo que su versatilidad queda clara y merece explorarse más allá de los títulos populares.

Me encanta cómo Acción Plus se mete de lleno en el corazón del cine de acción: es como tener una convención eterna en el televisor. Su oferta principal, para mí, es la programación curada: maratones temáticos, bloques de películas por décadas y selecciones por director o subgénero que ayudan a redescubrir títulos que creías conocer. Eso incluye desde clásicos como «Duro de Matar» hasta bombas modernas como «John Wick», todo presentado con contexto y cariño.

Además valoro muchísimo los contenidos extras. Entrevistas con actores y especialistas, reportajes sobre efectos especiales y making-of que explican cómo se hizo cierta secuencia me mantienen pegado a la pantalla. También aprecio las versiones remasterizadas y la posibilidad de ver títulos con subtítulos o doblaje de calidad; para quienes disfrutamos analizar planos o coreografías, esos detalles marcan la diferencia. En definitiva, Acción Plus me da adrenalina, contexto y comunidad: una mezcla que hace que cada sesión sea más que ver una película, sea entenderla y disfrutarla con otros fans.

Me encanta prestar atención a cómo figuras públicas comentan películas, y con Alberto Garzón no es distinto: suelo ver sus críticas cortas y directas principalmente en sus perfiles en redes sociales, sobre todo en Twitter/X, donde deja reacciones inmediatas tras ver un estreno o durante festivales. Ahí es fácil captar su punto de vista político y cultural en apenas unas frases o hilos; funcionan como pildorazos para entender qué le ha llamado la atención de una película y por qué merece (o no) una mirada más profunda.

Además, cuando quiere desarrollar más las ideas suele optar por formatos largos: columnas de opinión y artículos en medios de prensa. En varias ocasiones he leído piezas suyas en cabeceras afines donde el análisis se expande, no solo a la película sino a su contexto social y económico. También aparece en entrevistas y debates en radio y televisión, donde complementa lo que ya dejó escrito o tuiteado.

En general lo encuentro interesante porque combina gusto personal por el cine con lectura crítica sobre cultura y poder, y si te interesa una crítica más elaborada, busco sus columnas; si quiero reacción rápida, miro sus redes. Personalmente me quedo con esa mezcla de inmediatez y reflexión que ofrece.

Me llama la atención cómo la crítica suele poner al cine groucho en conversación con otros estilos; muchas veces no lo analizan como algo aislado sino como un punto de cruce. He leído reseñas que lo comparan con el cine de autor por su voluntad formal y con la comedia popular por su tono irreverente, y otras que lo acercan al cine de guerrilla por su presupuesto y modos de producción. Ese tipo de comparaciones sirven para situar al cine groucho en una genealogía: qué toma de la tradición, qué recicla y qué rompe.

Con el paso del tiempo he notado que la comparación también depende del crítico: algunos lo leen desde la historia del cine y lo ponen al lado de corrientes como el neorrealismo o la nouvelle vague, buscando hilos estéticos; otros prefieren enfrentarlo a fenómenos contemporáneos, como el cine de plataformas o las series virales, midiendo su capacidad de adaptación al público actual. Personalmente disfruto cuando la crítica no solo etiqueta sino que explica qué elementos coinciden (fotografía, montaje, humor) y cuáles son únicos.

Al final, esa práctica de comparar me parece útil y a la vez peligrosa: útil porque nos ofrece marcos de referencia, peligroso porque puede encasillar una obra que es híbrida por naturaleza. Cuando leo una crítica espero que las comparaciones iluminen, no que apaguen la singularidad del cine groucho; y muchas veces, afortunadamente, eso ocurre.

Me resulta fascinante cómo «Ahora me ves» sigue dividiendo a los aficionados al cine.

Por un lado, mucha gente celebra la película por su ritmo trepidante y por el descaro visual: los engaños, las coreografías de magia convertidas en secuencias de robo y el montaje nervioso funcionan como un carrusel que no te deja pestañear. El reparto coral aporta carisma y cada personaje tiene su momento para lucirse, lo que satisface al espectador que viene a pasar un buen rato más que a diseccionar cada detalle.

Pero también hay críticas firmes sobre la profundidad: varios fans apuntan que los personajes son superficies brillantes sin peso emocional real, y que los giros finales se sienten a veces como soluciones truculentas más que como desenlaces merecidos. Aun así, yo disfruto de esa mezcla entre espectáculo y misterio; me deja con ganas de comentar cada truco y, aunque a veces el razonamiento flaquee, la película consigue lo que promete: entretener a gran velocidad y provocar debates después de salir del cine.

Hace poco fui al cine con la idea de ver algo ligero y terminé pensando en todas las cosas que actualmente se critican de las películas en cartelera.

Para empezar, una crítica recurrente es la ansiedad por las franquicias: muchas películas parecen diseñadas primero para vender juguetes, seis secuelas y una línea de camisetas, y después para contar una historia. Eso deja espacio reducido para riesgos narrativos; predomina la fórmula probada. También se señala mucho el exceso de efectos digitales: escenas que antes se construían con decorados o personajes tangibles ahora son ecos fríos de CGI que a veces desconectan emocionalmente. Otra queja común es el marketing que revela demasiado: trailers que te cuentan la mitad del giro, posters que regalan el final. He visto debates encendidos sobre la duración extrema de algunos estrenos, donde incluso la planificación del ritmo parece sacrificada en favor del espectáculo.

Técnicamente, se critica el sonido y la mezcla: la música o los efectos a veces se comen los diálogos, y en salas más pequeñas eso se nota aún más. La edición puede sentirse apresurada o, en el otro extremo, inflada; hay películas que podrían cortar 20 minutos sin perder nada y ganar claridad. En cuanto a representación, hay avances visibles pero también tokenismo: personajes de grupos diversos que existen más como comprobante moral que como arcos desarrollados. Y no puedo dejar de mencionar la fatiga de los remakes y reboots: la nostalgia vende, sí, pero a menudo al precio de la originalidad.

En lo positivo, las críticas también son justas cuando una película apuesta fuerte y lo logra: veo a la gente celebrar trabajos que combinan ambición visual con personajes memorables, como algunos títulos que rompen la fórmula. Al final, parte de la discusión en redes y críticas profesionales refleja una tensión entre cine como producto comercial y cine como arte. Yo, consumidor empedernido, disfruto tanto del blockbuster que me deja sin aliento como de la película pequeña que me hace pensar; lo que me molesta es cuando la industria prioriza la comodidad económica por encima de contar algo que realmente valga la pena.

Me encanta cuando una sala revive clásicos: yo he ido a sesiones especiales en Cine Glorias y puedo decir que sí, suelen programarlas con cierta regularidad.

He visto ciclos temáticos que abarcan desde cine negro hasta comedias clásicas, y en ocasiones proyectan copias restauradas en digital o incluso funciones en 35 mm cuando logran traer el material. Normalmente organizan estas sesiones como ciclos mensuales o como eventos puntuales vinculados a aniversarios, festivales locales o colaboraciones con asociaciones de cine.

En lo práctico, a mí me funciona mirar su programación semanal o seguir sus redes: ahí anuncian horarios, precios reducidos para socios y estudiantes, y si hay presentaciones con introducción o coloquio. Siempre disfruto de la atmósfera: público variado, gente mayor que recuerda la primera vez que vio «Casablanca» y jóvenes descubriéndola por primera vez, y eso hace que la experiencia valga cada entrada.

Me fascina la manera en que los críticos desmenuzan esos chispazos que aparecen en una película: los llaman desde «destellos» y «momentos de gracia» hasta «epifanías breves», y suelen tratarlos como pequeñas bombas de significado que cambian la lectura de una escena. Yo suelo fijarme en cómo hablan de la forma —la composición, el encuadre, la iluminación— como si fuera una frase musical: un golpe de contrabajo, una nota aguda en la banda sonora o un silencio cortante. Para un crítico sólido, un chispazo no es solo una imagen bonita; es una decisión técnica que hace resonar el tema. Por ejemplo, reseñistas que analizan «Amélie» señalan cómo un plano corto sobre un gesto insignificante puede convertirse en toda una declaración sobre la personalidad del personaje, y eso es justamente lo que llaman chispazo: la condensación de intención y emoción. En otra capa, los críticos describen estos momentos como puntos de contacto entre la película y el espectador: pequeñas puertas que abren empatía o revelan ironía. Me gusta cuando hablan de la actuación en términos de economía —un micro-gesto, una mirada que contiene una novela entera— porque ahí la técnica del actor se mezcla con la edición y la música para crear algo inesperado. También existe la discusión sobre si esos chispazos son producto de la planificación o de la serendipia: algunos críticos valoran más la intención artística demostrable —un plano que claramente fue diseñado para provocar esa chispa— mientras que otros celebran la improvisación que enriquece la obra. Finalmente, en mis lecturas críticas veo que los chispazos se convierten en pruebas de rewatchability: son los fragmentos que la gente cita en redes, los detalles que convierten a una película en objeto de culto. En mi experiencia personal, reconocer un chispazo es sentir que la película te guiña un ojo y te invita a volver para descubrir otros guiños ocultos; por eso, en el mejor de los casos, un chispazo no solo ilumina una escena sino que ilumina toda la película.

Me encanta cuando alguien pregunta quién sostiene y actualiza las guías de reseñas de cine en España, porque la respuesta no es monolítica y eso es parte de la magia. En mi experiencia navegando por blogs y foros, hay nombres muy reconocibles que llevan décadas marcando el pulso: críticos como Carlos Boyero o Javier Ocaña aparecen con frecuencia en reseñas que luego se integran en las guías de distintos medios. También hay voces contemporáneas —más jóvenes o especializadas— que actualizan listados en cabeceras digitales y plataformas de cine, y cada uno aporta un estilo propio, desde la ironía mordaz hasta el análisis técnico pormenorizado.

Si tuviera que resumir, diría que no existe un único "crítico oficial" que actualice todas las guías: lo normal es que sean equipos editoriales de sitios como «Fotogramas», «El País» o portales especializados quienes consolidan reseñas y mantienen actualizadas sus guías, pero esos contenidos sí llevan la firma o el criterio de críticos concretos. Para mí lo más útil es cruzar varias voces: seguir a un crítico veterano para contexto histórico, a uno joven para tendencias actuales y a las actualizaciones de las guías digitales para ver cómo se organizan y priorizan los títulos. Al final, disfruto ver cómo coincide (o choca) la opinión de la guía con lo que yo siento en la sala.