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Siempre me ha sorprendido cómo una pequeña sección puede convertirse en un lugar donde la vida cotidiana y la alta cultura se encuentran; la historia de «La Contra» en «La Vanguardia» es justo eso: un rincón que, con discreción y buen oficio, ha ido creando su propia leyenda dentro del periódico.

Nació como una apuesta editorial para ofrecer algo distinto a la información de primera plana: en lugar de crónicas o análisis fríos, «La Contra» cultivó entrevistas que buscan el matiz humano, la anécdota reveladora y la confesión inesperada. No fue tanto un invento radical como una evolución: la prensa necesitaba espacios donde dejar hablar a las personas sin la urgencia de la agenda informativa, y ese hueco se llenó con conversaciones que a menudo mezclan la biografía, la reflexión y el humor. El resultado fue una página con identidad propia, reconocible por su tono directo y por entrevistar a una mezcla amplia de figuras públicas y personajes menos esperados.

Con el paso del tiempo la sección se ha adaptado sin perder su esencia. Lo que antes era un encuentro en papel, con preguntas y respuestas que cabían en la fría columna impresa, se fue enriqueciendo con formatos más flexibles: perfiles más largos, piezas que parecen monólogos, y hoy en día la versión digital permite añadir materiales complementarios, audios o enlaces que amplían la experiencia. Aun así, la clave se mantiene: la entrevista no busca sólo informar, sino mostrar capas de la persona entrevistada, ese detalle íntimo que hace que el lector sienta que conoce algo más profundo que la noticia del día.

Lo que me encanta de «La Contra» es su capacidad para humanizar. He leído entrevistas en las que políticos, artistas, científicos o deportistas se muestran sorprendentes, y otras donde gente aparentemente anónima ofrece testimonios tan vivos que quedan grabados. Esa mezcla de nombres esperados y sorpresas es parte de su fuerza: provoca empatía, curiosidad y, a veces, polémica. Además, la sección suele reflejar cambios culturales: lo que se pregunta y cómo se responde dicen mucho del momento social y de los valores en discusión.

Al final, la historia de «La Contra» es la de una apuesta por la conversación pausada en un medio que corre a gran velocidad. Es un recordatorio de que las buenas entrevistas tienen ritmo propio, preguntas que arañan, y silencios que cuentan. Sigo encontrando en esas páginas pequeñas joyas que me devuelven la fe en el periodismo cercano y bien hecho, y siempre me quedo con ganas de la próxima conversación que me sorprenda.

Recuerdo el momento en que descubrí el cómic y cómo cambió mi forma de ver las distopías.

Yo siempre he sido de los que coleccionan ediciones viejas y, al abrir por primera vez una copia de «V de Vendetta», me llamó la atención la voz tan contundente del guion. La historia original la escribió Alan Moore, y el aspecto visual, esa atmósfera sombría y la icónica máscara, la diseñó David Lloyd. Juntos crearon la obra que luego se convertiría en referencia cultural.

Con el paso del tiempo aprendí que la historia apareció primero en una revista británica y que luego fue retomada y recopilada por editoriales más grandes. También me marcó la postura de Moore frente a las adaptaciones cinematográficas: se distanció del filme y rechazó los créditos y beneficios, lo cual dice mucho de cómo valora su obra. En lo personal, sigo prefiriendo la textura del cómic original: hay una crueldad y una poesía en la página que todavía me emociona.

Me quedé pegado a las páginas porque la historia se abre como una caja de relojería hasta que descubres que el verdadero enigma no es solo quién hizo el vell, sino qué es el vell en sí.

En «secret del vell» el misterio central revela que el vell no es un objeto inerte: es una especie de tejido vivo que conserva memorias y emociones de generaciones enteras. Al principio parece un artefacto mágico o una reliquia perdida, pero conforme avanza la trama vas viendo cómo las ciudades, las familias y los traumas quedan registrados en ese material, y quienes controlan el vell controlan la historia que todo el mundo recuerda.

Lo que me dejó pensando durante días fue el giro final, cuando se muestra que borrar o reescribir el vell altera identidades enteras. Me gustó cómo la autora mezcla lo íntimo con lo colectivo: un secreto que es a la vez personal y político, y que habla sobre memoria, poder y la responsabilidad de conservar la verdad. Me quedé con la sensación de que perder el vell sería como perder partes de nosotros mismos, y eso me dio escalofríos y ganas de releerlo de nuevo.

He estado siguiendo el ciclo informativo sobre Verdeliss con bastante atención y, sinceramente, la cobertura que veo es muy desigual.

Por un lado hay medios que tratan de armar una cronología: recogen comunicados oficiales, declaraciones públicas y, en algunos casos, documentos relacionados con el tema, y los presentan con contexto legal y social. Esos artículos suelen incluir entrevistas con expertos o referencias a normas sobre protección de menores, tratando de explicar qué se investiga y qué no. Por otro lado, están las piezas más sensacionalistas que solo reproducen fragmentos de redes sociales o titulares rimbombantes sin matices.

También noto que la conversación pública —comentarios en redes, hilos y vídeos— empuja a algunos redactores a cubrirlo de forma repetitiva. En mi opinión, conviene priorizar las piezas que contrastan fuentes y respetan la privacidad de quienes no son parte pública; así se obtiene una visión más responsable y menos ruidosa.

Hoy me vino a la cabeza Vero Pérez mientras revisaba una pila de fanzines de autor; su nombre siempre destaca por la coherencia entre estilo y voz.

Con treinta y pico me he fijado mucho en cómo su trazo mezcla rasgos del manga con detalles muy españoles: gestos cotidianos, humor seco y un uso del espacio que respira entre viñeta y viñeta. No es solo una dibujante que copia referentes japoneses, sino alguien que adapta la narrativa para hablar de pequeñas intimidades, relaciones y momentos que se sienten verdaderos aquí. Sus historias cortas suelen quedarse en la memoria por esa mezcla de ternura y sarcasmo.

También la he visto implicada en el circuito de fanzines y talleres; ahí se nota que le importa la comunidad, enseñar y aprender a la vez. En mi estantería hay una hoja suelta con un boceto suyo que me acompaña desde hace años y cada vez que la miro me recuerda que el manga puede ser local y universal al mismo tiempo. Me deja con ganas de dibujar más y compartirlo con colegas.

El tráiler me dejó una sensación punzante que no esperaba: mezcla de imágenes preciosas con hechos que no quieren ser cómodos. Empieza con planos largos, casi contemplativos, y de pronto corta a escenas frías donde se ven consecuencias, no explicaciones. Ese contraste—la belleza visual frente a la crudeza de los actos—es lo que me recordó que la verdad incómoda no necesita gritar; basta con mostrarse en los detalles: una habitación desordenada, un móvil con mensajes sin leer, la falta de contacto entre personajes que antes parecían cercanos.

A medida que avanza, la música se vuelve minimalista y los silencios pesan más que cualquier voz en off. Me gustó cómo el montaje no pretende resolver nada; en vez de eso, te obliga a acompañar la incomodidad, a mirar las miradas de los personajes y entender que hay una brecha entre lo que se dice y lo que ocurre. También hay imágenes documentales —recortes, titulares, fechas— que anclan la ficción a una realidad más amplia: la historia no es solo personal, es un reflejo de sistemas o decisiones que pocas veces aparecen en los primeros planos.

Salí del tráiler con ganas de debatirlo: me dejó atento a los detalles, con la sensación de que lo incómodo no es un giro dramático sino la normalidad que nadie quiere señalar. Me molestó y me engancho igual; creo que eso es lo que lo vuelve efectivo.

No puedo dejar de pensar en la última secuencia de «Vera». Después de tantos episodios donde la protagonista resuelve con paciencia y una intuición dura, el cierre eligió la sutileza en vez de un gran clímax, y eso me llegó fuerte. Creo que los guionistas buscaban coherencia con el tono de la serie: no todo se arregla con respuestas claras ni con persecuciones frenéticas; a veces la justicia es parcial, las heridas quedan y la vida continúa con cicatrices. Esa decisión deja espacio para la melancolía y para que la audiencia imagine qué viene después, en vez de imponer una conclusión pulida. También pienso en la adaptación y en el respeto a las novelas originales. Si la temporada final toma elementos de un libro concreto, el cierre puede estar pensado para reflejar la ambigüedad moral que Ann Cleeves suele explorar. Además, factores prácticos como la disponibilidad de actores o la intención de dar un cierre realista a la protagonista —sin convertirla en una heroína intocable— influyen. Hay escenas que funcionan más como fallos íntimos que como giros de guion, y eso hace que el final se sienta honesto, aunque a muchos nos deje deseando más respuestas. Personalmente, salí del episodio con una mezcla de satisfacción y tristeza: satisfecha porque la historia respetó su identidad, triste porque quería ver más de ciertos personajes secundarios. Me encanta cuando una serie se atreve a cerrar sin concesiones, incluso si eso significa que algunos cabos queden sueltos; hay belleza en el silencio que queda después del último plano, y ahí está la invitación a seguir reflexionando sobre lo que significa cerrar una vida policial en pantalla.

Qué fascinante es seguir la transformación de Vera a lo largo de «Vera», porque no es una evolución dramática en sentido hollywoodense, sino un trabajo de tallado paciente que revela más capas con cada temporada.

Al principio la veo como un torbellino: desaliñada, directa hasta rozar lo brusco, con una obsesión por los hechos que tapa heridas personales. Esa dureza funciona como armadura y como método; la Vera que se planta en una escena de crimen es implacable, y su instinto la lleva a desconcertar a sospechosos y colegas por igual. Sin embargo, con el paso de los episodios se reconoce un ablandamiento selectivo: no pierde su carácter, pero aprende a dejar que otros entren en su mundo. Eso la humaniza sin blandear su autoridad.

Lo que más me gusta es cómo la serie maneja su soledad y sus pérdidas; no hay soluciones mágicas, solo pequeñas concesiones: una conversación que no evita, un gesto de cuidado aceptado, un humor más compartido. En las últimas temporadas se vuelve más consciente de sus límites físicos y emocionales, y eso le da profundidad. Al final, Vera sigue siendo la detective implacable que conocimos, pero ahora hay una mujer que ha aprendido, despacio, que pedir ayuda no la hace menos capaz. Me deja con la sensación de que ha ganado en verdad, no en perfección, y eso la hace entrañable.

Me gusta imaginar las pequeñas semillas que hacen brotar una historia y cómo se mezclan de maneras inesperadas.

A menudo me vienen imágenes sueltas: una calle con luz de neón, una frase que escuché en un café, una canción que vuelve mi memoria al pasado. Para mí, Vero Pérez parece recoger esos fragmentos como quien reúne piedras curiosas en un bolsillo: memorias familiares, viajes cortos, conversaciones robadas y también lecturas que dejaron huella. Esas piezas se transforman cuando las reúne con empatía; no escribe para impresionar, sino para explorar lo humano, con personajes que sienten y dudan.

Además creo que le inspira la mezcla de géneros y medios —historias que podrían ser novela, cómic o guion—; se nota que juega con imágenes visuales y con ritmos musicales al escribir. Su proceso incluye pruebas, reescrituras y paciencia: esa combinación de atención a lo íntimo y a lo cotidiano es lo que realmente hace que una idea suya se convierta en algo vivo. Al final, me queda la sensación de que crea para entender y para compartir, y eso siempre me toca.

Me encanta desentrañar dónde se filmaron las series que sigo, y con «Vera» suele haber bastante confusión entre quienes preguntan si se rodó en España.

Yo he seguido la serie británica durante años y, aunque el tono mediterráneo puede parecer cercano a la costa española, la verdad es que «Vera» se rueda principalmente en el noreste de Inglaterra. La producción aprovecha los paisajes de Northumberland y áreas cercanas: costas escarpadas, pueblos pequeños y carreteras rurales que encajan con el carácter gris y ventoso de las historias. Verás localizaciones frecuentes por toda la comarca —pueblos costeros, caseríos y calles antiguas— que contribuyen al ambiente crudo de la serie. La propia protagonista y el equipo suelen desplazarse por esa región para captar la luz y el clima tan característicos.

Ahora bien, entiendo por qué puede surgir la duda: hay un municipio español llamado Vera, en la provincia de Almería, y además la geografía española (playas, desiertos y pueblos blancos) ha servido de plató para muchas producciones internacionales. Si la pregunta partía de creer que la serie televisiva se filmó en España, lo más preciso es decir que no: «Vera» es, en esencia, un rodaje británico con localizaciones inglesas. Si en cambio te refieres a alguna película o proyecto distinto titulado «Vera» que se rodó en España, es habitual que esos trabajos aprovechen las provincias de Almería y Málaga por su luz y parajes; pero eso sería otro caso distinto al de la serie.

En mi experiencia, confusiones como esta salen mucho cuando una localización europea recuerda a otra: el mejor consejo es mirar los créditos y las notas de producción de cada episodio si buscas confirmación exacta. Personalmente me encanta comprobar mapas mientras veo los créditos para ubicar las escenas: es un hobby tonto pero revelador, y así no me llevo sorpresas sobre dónde se rodó realmente cada pieza.