¿Cómo Enseña El Profesor El Lenguaje Figurado En Clase?

Me gusta plantear los textos literarios como máquinas de relojería: cada engranaje (palabra, imagen, silencio) tiene su función y merece que lo toquemos con cuidado. Empiezo la clase proponiendo una lectura en voz alta breve de un fragmento —puede ser de «Cien años de soledad» o de «Don Quijote»— y pido que cada quien subraye lo que le llamó la atención. Luego hacemos una pausa para comparar anotaciones y construir una lista colectiva de preguntas: vocabulario, metáforas, contradicciones. A partir de ahí, reparto actividades distintas: algunos trabajan el contexto histórico en parejas, otros analizan la voz narrativa y otros preparan una micro-dramatización de dos minutos. Al final, cerramos con una tarea creativa: escribir una carta desde la perspectiva de un personaje o reescribir el final cambiando un detalle. Esa mezcla de lectura atenta, diálogo compartido y ejercicio creativo ayuda a que el texto deje de ser un objeto lejano y pase a ser algo que los estudiantes pueden tocar y transformar; siempre me sorprende lo que aparece cuando les das espacio para jugar con la obra.

Me encanta cómo una poetisa transforma lo ordinario en algo que late con sentido: usa metáforas que no son solo guías, sino motores del poema. Yo veo metáforas que convierten la noche en una tela, la memoria en una ciudad; esas imágenes cruzan el verso y abren puertas a sensaciones que no siempre se nombran directamente. Además, las comparaciones explícitas —símiles— sirven para apuntalar la emoción con algo reconocible, como decir que una mirada es 'como lluvia fina' para dar textura y movimiento. También me llama la atención la personificación y la sinestesia; hacer hablar a objetos o mezclar sentidos (oír colores, saborear nostalgias) multiplica la experiencia sensorial. En lo formal, el uso de anáforas y aliteraciones crea ritmo y refuerza ideas; una repetición bien puesta hace que una línea se quede pegada en la memoria. La antítesis y el oxímoron, por otra parte, son juegos de tensión: juntan opuestos para destacar contradicciones del sentir. Al final, yo valoro cómo la poetisa junta figura y sonido para que el lector no solo entienda, sino que sienta. Esa mezcla de imagen, ritmo y voz es lo que convierte un poema en algo vivo y personal para mí.

Me encanta fijarme en cómo los escritores juegan con las palabras para que una frase vibre. Yo suelo fijarme primero en las herramientas obvias: metáforas, símiles, personificación y sinestesia. Veo cómo una metáfora compacta puede condensar una emoción entera —por ejemplo, comparar la ciudad con un corazón palpitante crea ritmo y urgencia— y cómo los símiles ayudan a conectar lo desconocido con lo familiar. También observo el sonido: aliteraciones, asonancias y una buena cadencia pueden transformar una línea plana en algo musical. Además, el autor usa dicción precisa; un verbo fuerte sustituye una frase larga y aporta energía inmediata. Más allá de las técnicas, me fijo en las fuentes que alimentan ese lenguaje figurado. Hay referencias culturales o mitológicas («Cien años de soledad», «La Odisea»), arquetipos, y hasta préstamos del habla popular o dialectos que le dan textura. A veces sirven la musicalidad de la frase con ritmo de oración o sintaxis fragmentada. Cuando encuentro esos recursos integrados, siento que el autor no solo describió, sino que me hizo sentir desde dentro la imagen; eso es lo que más me conmueve y me deja pensando días después.

Me encanta ver cómo las palabras en cadena convierten una clase en una pequeña aventura lingüística. Normalmente empiezo explicando reglas claras y simples: cada persona debe decir una palabra que comience con la sílaba o letra con la que terminó la anterior, sin repetir y manteniendo un tiempo límite corto. Para niños más pequeños uso tarjetas con dibujos y empiezo yo con ejemplos obvios para modelar el proceso; así se reduce la ansiedad y se trabaja simultáneamente vocabulario visual y pronunciación. Cuando hay grupos grandes, divido en equipos, asigno un moderador por equipo y llevo un marcador visible para que todos vean la progresión. Eso añade motivación y ritmo. Además me gusta introducir variaciones para mantener la actividad fresca: cadenas por categorías (animales, comida, profesiones), usar la última sílaba en lugar de la última letra, o limitar a palabras con determinada entonación para practicar fonética. Para estudiantes avanzados pido que expliquen el significado o formen una oración con la palabra que dijeron, así la actividad no solo mide rapidez sino profundidad léxica. También uso tecnología ocasionalmente: una pizarra interactiva para registrar palabras o un cronómetro para rondas relámpago. Al final hago una mini-reflexión sobre las palabras nuevas y apunto las que deben repasarse, cerrando con una sensación de logro y ganas de seguir jugando con el idioma.

Recuerdo una clase en la que la frase «Lo esencial es invisible a los ojos» abrió una conversación que duró más de una hora. En ese momento yo llevaba gafas, un bloc lleno de anotaciones y la costumbre de hacer preguntas que parecían simples pero tiraban de hilos profundos. Los profesores suelen usar esa frase de «El Principito» como un puente: la colocan frente a los alumnos para que comparen lo literal y lo simbólico, para que miren más allá de lo evidente. Algunos llevan ejemplos cotidianos —una amistad que no se nota en redes, una canción que cambiará tu día— y piden que los estudiantes expliquen por qué algo valioso a menudo no se ve. Me gusta cuando, tras esa reflexión, proponen actividades prácticas: leer pasajes, dramatizarlos o escribir cartas a la rosa. Así la frase deja de ser un lema y se convierte en ejercicio de empatía. Personalmente, cada vez que la retomo tengo la sensación de que el aula se transforma en un lugar donde la mirada se afina y las palabras cobran peso propio.

Me encanta arrancar con un ejemplo simple y cotidiano para que la idea no suene a teoría abstracta. Primero desgloso la figura en palabras llanas: qué es y qué no es. Por ejemplo, explico la metáfora como una manera de decir que una cosa «es» otra para crear imagen, mientras que el símil usa «como» o «parece». Después traigo ejemplos de la calle: «la tarde era una sábana gris» frente a «corrió como un rayo». Eso ayuda a que nadie se pierda en definiciones rimbombantes. Luego subo el nivel con textos: señalo una metáfora en «Cien años de soledad» o una anáfora en un poema y pregunto qué efecto tiene en el ritmo y la emoción. Termino pidiendo que reescriban una frase literal en figura literaria; verlos experimentar es la mejor prueba de que lo entendieron. Al final me quedo con la sensación de que aprender figuras es, sobre todo, hacerse sensible al lenguaje.

Me fijo mucho en la energía que trae el «libro de lengua» al aula y cómo el profesor lo convierte en algo más que páginas. A menudo lo usa como guía principal: selecciona textos para lectura en voz alta, elige ejercicios de comprensión y plantea preguntas abiertas que animan a la clase a debatir. No se queda en la parte formal; complementa los pasajes con vídeos cortos, canciones y ejemplos contemporáneos para que el tema conecte con la vida real. En varias sesiones lo transforma en herramienta de taller: hace dictados interactivos, actividades de corrección entre pares y mini proyectos de escritura creativa. Me gusta que no trate el libro como receta fija, sino como columna vertebral que admite estiramientos: trabaja la gramática en contextos reales, usa los textos para practicar la expresión oral y adapta ejercicios según el ritmo del grupo. Al final de cada unidad suele pedir una pieza de producción propia (un cuento, una carta o un podcast) que muestra cuánto han integrado los contenidos; eso me deja con la sensación de que el «libro de lengua» no manda, sino que invita.

Me encanta abrir la conversación sobre un poema con algo que suene inmediato y cercano: leerlo en voz alta como si fuera una conversación entre amigos. En mis experiencias observando clases, esa primera lectura en voz alta suele romper la vergüenza y permite que el ritmo y la musicalidad aparezcan sin filtros. Luego, invito a la gente a marcar con colores las imágenes, las palabras repetidas y las metáforas; hacerlo con rotuladores convierte el análisis en un mapa visual que cualquiera puede seguir. Después paso a ejercicios prácticos: detectamos el hablante, preguntamos quién narra y desde qué lugar emocional, y trabajamos el tono comparando dos estrofas distintas. Para el ritmo uso palmadas o caminar por la clase para marcar el compás; cuando se siente, la métrica deja de ser abstracta. También pido que paren el poema en distintos puntos para ver cómo cambian las pausas y el sentido con los encabalgamientos. Al terminar, suelo proponer una actividad creativa breve: reescribir un verso en lenguaje actual, convertir una estrofa en diálogo o grabar una recitación. Estas microtareas solidifican lo aprendido porque obligan a aplicar imágenes, ritmo y tono en algo propio. Me voy siempre con la sensación de que el poema dejó de ser un objeto raro y pasó a ser una herramienta para sentir y decir, y eso me parece lo más valioso.

Me encanta convertir mis clases en talleres donde el lenguaje literario deja de ser una lista de términos y se vuelve una paleta práctica que los chicos usan para pintar historias. Arranco con frases potentes o con una canción que todos conocen y pido que subrayen lo que les suena raro o bello: metáforas, imágenes, repeticiones. A partir de ahí les explico con claridad cada recurso —metáfora, símil, personificación, anáfora, ironía, símbolo, tono, punto de vista— pero siempre acompañado de ejemplos mínimos y palpables. Uso fragmentos de «El Principito» para hablar de símbolo, de «Cien años de soledad» para el realismo mágico y de canciones contemporáneas para mostrar metáforas en contexto. La idea es que identifiquen patrones, no que memoricen definiciones: que asocien 'esto suena así porque...' y puedan reproducir esa sensación en su propio lenguaje. En la práctica trabajo por ciclos cortos: mini-lección de 10-12 minutos, actividad guiada y cierre con reflexión breve. En la mini-lección modelo el proceso de lectura en voz alta y el pensamiento en voz alta —por ejemplo, cómo detectar un cambio de tono o un narrador poco fiable— y enseño signos de anotación sencillos (estrella para idea clave, signo de interrogación para dudas, subrayado para lenguaje figurado). Después los dejo trabajar en parejas con textos cortos: micro cuentos, sonetos, letras de canciones o extractos de novelas. Las actividades varían: ejercicios de reescritura (transformar una oración literal en una metáfora), dramatización de un monólogo para explorar voz y tono, concursos rápidos de identificar recursos en 60 segundos, y proyectos más largos como crear un blog de reseñas en el que analicen el uso del lenguaje en una obra. Uso herramientas digitales como audiolibros para mostrar prosodia, Hypothesis para anotaciones colectivas y Padlet para compartir hallazgos, lo que también ayuda a los estudiantes que necesitan más tiempo o prefieren formatos visuales. La evaluación es formativa y auténtica: prefiero rúbricas claras que enfaticen evidencia y análisis por encima de definir términos. Por ejemplo, una rúbrica para un comentario literario pide una tesis breve, una cita relevante, y un análisis que explique cómo el recurso contribuye al tema o al tono. Complemento con 'tickets de salida' donde respetan una idea aprendida y una pregunta abierta; esos datos guían la siguiente clase. Para diferenciar ofrezco textos de distintos niveles, andamiaje con marcos de escritura y pilotos de lectura en voz baja para los que aprenden el idioma más lentamente. Me gusta concluir cada unidad pidiendo que recreén un pasaje en otro género (poema a cuento, canción a monólogo), porque ver la misma idea resignificada demuestra dominio real. Ver a un estudiante decir que ahora 'escucha' las historias con otros oídos siempre me recuerda por qué disfruto tanto enseñar el lenguaje literario, y con esa chispa cierro cada sesión con ganas de la siguiente lectura.

Me encanta cuando un texto te sorprende con una imagen que se queda pegada; por eso suelo recomendar empezar por las figuras más visuales y frecuentes. La metáfora transforma una cosa en otra para crear sentido nuevo (ejemplo: «la ciudad es una selva»), y el símil la compara con conectores como «como» o «parece» (ejemplo: «rápido como un rayo»). La personificación atribuye rasgos humanos a lo inanimado («la luna sonreía»), mientras que la hipérbole exagera para enfatizar («te dije un millón de veces»). Para profundizar, apunto a recursos que se notan en el ritmo: la anáfora repite palabras al inicio de versos o frases para dar fuerza («No perdona, no olvida, no cesa»), el paralelismo equilibra estructuras y la aliteración juega con sonidos («tres tristes tigres»). En textos clásicos y contemporáneos se encuentran a montones: por ejemplo, en «Cien años de soledad» la sinestesia y la metáfora abundan, y en «Don Quijote» la ironía y la perífrasis aparecen con gracia. Mi truco final es siempre práctico: subrayar, nombrar la figura y escribir por qué está ahí. Eso convierte el análisis en un pequeño descubrimiento personal y hace que las clases o lecturas sean mucho más entretenidas y memorables para cualquiera que lea conmigo.