¿Dónde Se Inspira Saenz De Urturi Para Sus Tramas?

Me encanta la manera en que Eva García Sáenz de Urturi puebla «Trilogía de la Ciudad Blanca» con personajes que respiran la ciudad: el protagonista central es Unai López de Ayala, conocido por su apodo 'Kraken', un policía con una mente analítica y pasados personales que lo persiguen. A su alrededor giran compañeros de la brigada, forenses, y agentes que aportan cada uno una voz distinta al relato; no son meros decorados, tienen ambiciones, miedos y rutinas que los hacen creíbles. El antagonista, o mejor dicho los antagonistas a lo largo de la saga, no se limitan a ser villanos planos: hay asesinos que actúan con ritualidad e historias personales complejas que explican (sin justificar) sus actos. También están las víctimas y sus familias, retratadas con cuidado, y personajes civiles—periodistas, historiadores locales, políticos—que en ocasiones complican la investigación o la hacen más humana. Lo que más me atrapa es cómo la autora convierte a la ciudad en un personaje más y cómo cada secundario amplifica la atmósfera: hay héroes cansados, colegas leales, voces morales encontradas y sombras que emergen del pasado. Al cerrar cada libro siempre me quedo pensando en alguna de esas vidas secundarias tanto como en el caso principal, y eso para mí es uno de los grandes aciertos de la trilogía.

No puedo evitar sonreír al recordar cómo la primera novela de la trilogía dio el salto al cine y provocó debates entre lectores y espectadores. La novela «El silencio de la ciudad blanca» fue adaptada a película y estrenó en 2019; la versión cinematográfica condensó muchos hilos del libro para ajustarse al formato, así que varias subtramas y matices quedaron más comprimidos. Recuerdo haber leído ambas versiones casi a la vez y notar que el ritmo cambia: el libro respira más, la película acelera escenas para mantener la tensión visual. Más allá de esa película, no hay una adaptación cinematográfica firme y estrenada de los siguientes títulos de la trilogía —aunque sí existen interés y conversaciones sobre trasladar «Los ritos del agua» y «Los señores del tiempo» a pantalla. Personalmente echo de menos ciertas atmósferas del libro que la película no pudo explorar del todo, pero celebré ver la ambientación de Vitoria en imagen y la oportunidad de que más gente descubriera la saga.

Me entusiasma siempre recomendar lecturas y con Eva García Sáenz de Urturi hay material para devorar. Si quiero poner sus novelas en orden lógico para quien las descubra hoy, yo las dividiría así: primero vienen sus novelas autopublicadas y trabajos previos, que la fueron formando como escritora; después la famosa Trilogía de la Ciudad Blanca: «El silencio de la ciudad blanca», seguido de «Los ritos del agua» y cerrando con «Los señores del tiempo». Tras esa saga, vino la novela histórica «Aquitania», que la mostró en otro registro y reforzó su popularidad. No todas sus obras han sido igual de visibles desde el principio, pero para muchos lectores su trayectoria queda marcada por ese salto de autopublicación a bestseller con la trilogía y el posterior giro a la novela histórica en «Aquitania». Personalmente, disfruto ver cómo evoluciona su pulso narrativo libro a libro y cómo cambia el foco temático sin perder la tensión y el oficio.

Me resulta fascinante ver cómo la voz de Sáenz de Urturi se ensancha libro a libro; lo percibo como quien pasa de grabar un podcast corto a dirigir una serie con temporadas distintas. En sus primeros títulos, sobre todo en «El silencio de la ciudad blanca», la narración tiene un pulso eléctrico: ritmos cortos, escenas muy visuales y una necesidad clara de avanzar, como si cada capítulo fuera una pequeña cápsula de adrenalina. Ese estilo directo encaja perfecto con el thriller urbano y la investigación policial, y funciona porque mantiene la tensión y te obliga a leer una página más. Con «Los ritos del agua» y «Los señores del tiempo» se empieza a notar un gusto por las capas: múltiples planos temporales, mitos locales que se entrelazan con la investigación y personajes con heridas más explícitas. La prosa se permite respirar más, hay descripciones más trabajadas del paisaje y una sensación de ritualidad que antes sólo asomaba. Esto hace que la atmósfera sea más densa y los temas, como la memoria y el tiempo, cobren mayor importancia. Al saltar a «Aquitania» la autora da un giro evidente hacia la novela histórica, y con él llegan frases más largas, escenarios amplios y una ambición distinta: ya no es solo resolver un misterio, sino sostener mundos enteros y voces de época. En conjunto, noto una evolución de autora con más confianza narrativa, que arriesga en formas y géneros sin perder ese instinto por la trama que la hizo famosa. Me deja la sensación de que sigue probando fronteras y mejorando su capacidad para atrapar al lector desde ángulos distintos.

Siempre me ha llamado la atención cómo se asoman los gustos de un autor entre las páginas; en el caso de Salazar, sí, hay pistas claras de a quiénes admiró y citó durante la construcción de la saga. He leído varias entrevistas, notas de edición y comentarios sueltos en las reediciones donde él mismo reconoce de forma bastante abierta influencias muy diversas. Por un lado, trae mucho del gran épico clásico: se nota la huella de «El señor de los anillos» en la manera de crear genealogías, mapas y lenguas menores que dan verosimilitud al mundo. Por otro lado, admite también lecturas de realismo mágico y de tradición latinoamericana —es fácil ver ecos de «Cien años de soledad» en ciertas escenas familiares y en el modo en que lo fantástico se inserta con naturalidad—. Además, Salazar ha comentado en ocasiones su interés por la narrativa breve y laberíntica de «Ficciones», cuyo espíritu aparece en pasajes de misterio y en algunos juegos metanarrativos dentro de la saga. No faltan las referencias a la fantasía contemporánea y a autores de horror cósmico, donde toma el tono ominoso que recuerda a «La llamada de Cthulhu». En conjunto, esas menciones no son citas literales todo el tiempo, sino guiños: estructuras, atmósferas y recursos que él adapta a su voz. Personalmente me encanta cómo esa mezcla de voces crea algo reconocible pero propio; da la sensación de estar leyendo un homenaje bien condimentado, no un calco.

Recuerdo la primera vez que me topé con «Saeta del ruiseñor»: sentí que había algo más que una historia, un eco de canciones y pasos de procesión. En varias entrevistas y en el propio prólogo que acompaña algunas ediciones, el autor explica con bastante claridad de dónde surge la inspiración. Dice que tomó la saeta —esa canción breve, sentida y profundamente religiosa de las procesiones andaluzas— como punto de partida porque le fascinaba cómo una voz podía romper el silencio de la calle y llevar consigo dolor y consuelo a la vez. También menciona el simbolismo del ruiseñor: el pájaro como portavoz de lo íntimo, lo nocturno y lo artístico, una imagen que le permitía jugar entre lo sagrado y lo profano en la narración. Desde mi lectura, el autor no solo habla de fuentes musicales o folclóricas; se percibe que la obra nace de recuerdos personales y de una amistad con la tradición oral. En entrevistas más largas cuenta anécdotas de su infancia, noches en las que escuchó saetas y cómo esos sonidos se mezclaron con lecturas de poesía —menciona poetas clásicos y el flamenco como influencias— hasta formar una especie de imaginería propia. Esa explicación aparece en fragmentos: en el prólogo, en charlas con periodistas culturales y en notas de ciertas reediciones, así que si buscas entender el origen del libro conviene revisar esas fuentes porque ahí articula sus motivos con ejemplos concretos. Lo que más me gustó es cómo la explicación del autor se refleja en la escritura: la prosa se hace casi canto, hay versos internos, repeticiones que imitan el lamento y escenas que parecen iluminadas por faroles de Semana Santa. Todo eso confirma que su inspiración no fue un accidente creativo, sino una mezcla deliberada de memoria, música y poesía. Personalmente, esa mezcla me dejó una sensación de haber escuchado algo íntimo y antiguo al mismo tiempo, y me recuerda por qué me atrapan las obras que nacen de raíces culturales tan vivas.

Me fascina cómo el valle oscuro actúa casi como un personaje propio dentro de la historia. Para mí no es solo un escenario: es el lugar donde se condensan miedos, memorias y decisiones que empujan la trama hacia adelante. En muchos pasajes sirve de catalizador para el cambio de los personajes; obliga a confrontar historias personales que antes quedaban ocultas en la vida cotidiana. Esa sensación de territorio inescrutable permite que los giros argumentales se sientan orgánicos, porque el entorno ya ha preparado al lector para la sorpresa y la tensión. Además, el valle oscuro aporta una estética y una simbología que enriquecen el texto. Los juegos de luz y sombra, la niebla insistente, los senderos que se bifurcan: todo eso funciona como metáfora de elecciones morales y zonas grises. Cuando los personajes atraviesan ese paisaje, no solo avanzan físicamente, sino que atraviesan capas de su propia historia. También me encanta cómo el lugar invita a que se desvelen secretos familiares o leyendas locales; esos descubrimientos son semillas ideales para subtramas que refuerzan la narrativa central. Por último, el valle oscuro condiciona el ritmo y la atmósfera. Las escenas en su interior suelen ser más lentas, cargadas, intensas; fuera de él, la historia puede respirar y mostrar contraste. Esa alternancia no solo mantiene el interés, sino que profundiza el tono emocional, dejando una impresión duradera cuando el lector cierra la última página.

Me enganchó desde la primera página y creo que esa es la mejor forma de recomendar la saga: dejándote llevar por la atmósfera y la ciudad. Eva García Sáenz de Urturi es la autora detrás de la conocida «Trilogía de la Ciudad Blanca» —a menudo llamada también «la saga de la Ciudad Blanca»—, ambientada en Vitoria-Gasteiz y firmemente situada en el terreno del thriller criminal con destellos de novela psicológica y un pulso narrativo que atrapa. El orden correcto para leerla es importante, porque cada libro recoge hilos y personajes que evolucionan de forma continua: 1) «El silencio de la ciudad blanca», 2) «Los ritos del agua», 3) «Los señores del tiempo». Si quieres seguir la trama central y la progresión de los personajes, ese es el camino a seguir. «El silencio de la ciudad blanca» abre la trilogía con una mezcla de misterio histórico y crímenes contemporáneos; introduce el tono oscuro y la investigación que marca el ritmo del resto. En «Los ritos del agua» la autora amplía el mapa de la conspiración y profundiza en motivos que conectan rituales y secretos enterrados, mientras la investigación gana en complejidad y tensión. Finalmente, «Los señores del tiempo» cierra tramas, acelera revelaciones y ofrece un cierre que intenta atar cabos sueltos y dar resolución a los personajes principales. A lo largo de los tres libros, el protagonista principal es el inspector Unai López de Ayala y su equipo, y la ciudad se vuelve casi un personaje más: sus tradiciones, su historia y sus rincones sirven como telón de fondo que enriquece el suspense. Si te atraen los thrillers bien construidos y con anclaje local, esta trilogía funciona genial porque combina investigación forense y psicológica con un ritmo que no decae. Además, conviene saber que «El silencio de la ciudad blanca» tuvo adaptación cinematográfica, lo que ayudó a que mucha más gente descubriera la saga, aunque leer los libros te da mucha más profundidad sobre personajes y subtramas. Fuera de esta trilogía, Eva García Sáenz de Urturi ha escrito otras novelas con tonos distintos —desde histórica hasta más intimista—, pero si la pregunta es sobre la saga concreta y el orden, la lista que te di es la forma ideal de disfrutarla. Te quedas con ganas de más; esa es la magia de una buena trilogía, y esta no decepciona.

Hay días en que una melodía me empuja a escribir y siento que todo encaja: los recuerdos, las voces en la cocina y esas frases que se clavan en la cabeza. Crecí entre conversaciones largas y recetas escrita a mano, y esas imágenes simples siempre vuelven a aparecer en mis historias. Me inspiran las pequeñas rutinas familiares, los olores que disparan un recuerdo y las historias que la gente cuenta en voz baja. También me atrapan los personajes que se resisten a ser lo que la sociedad espera de ellos; me fascina explorar cómo reaccionan ante pérdidas, milagros o decisiones pequeñas que en el fondo lo cambian todo. Además, la música y el cine me sirven de mapa: una canción antigua puede definir el ritmo de una escena, y una película que vi a los quince me da el pulso visual de un capítulo. Investigo, leo artículos, y sobre todo escucho a la gente en la calle y en redes; esas conversaciones reales alimentan diálogos creíbles. Al final escribo para dar voz a lo que me conmueve y, si tengo suerte, para que otro lector se vea reflejado en esas contradicciones.

Me apasiona cómo las historias de Eva García Sáenz de Urturi funcionan tan bien en papel y, al mismo tiempo, sufren transformaciones inevitables cuando saltan a la pantalla. La trilogía conocida como la «Trilogía de la Ciudad Blanca» —con títulos como «El silencio de la ciudad blanca», «Los ritos del agua» y «Los señores del tiempo»— está construida para envolver al lector en capas de suspense, contexto histórico, y una ciudad (Vitoria-Gasteiz) que casi actúa como personaje. En el libro todo eso se despliega con calma: capítulos que intercalan investigación, retrospecciones, fichas forenses y un trabajo gradual sobre los personajes. La versión audiovisual (la adaptación cinematográfica de «El silencio de la ciudad blanca» y cualquier intención de serie que se haga) tiene que tomar decisiones radicales sobre ritmo y enfoque para funcionar en imágenes y minutos de pantalla, y ahí aparecen las diferencias más notorias. En el formato literario la voz narrativa y las digresiones permiten entrar en la cabeza del inspector Unai, entender sus métodos, sus obsesiones y el trasfondo emocional de los secundarios. Los libros pueden permitirse subtramas extensas, explicaciones técnicas y pausas para contextualizar leyendas locales o arqueología emocional; eso crea una experiencia inmersiva y detallada. La pantalla, por el contrario, prioriza lo inmediato: escenas visuales, diálogos que avanzan la trama y momentos de tensión palpables. Por eso muchas subtramas se recortan o se condensan, personajes se mezclan y algunas motivaciones quedan más implícitas que explícitas. También cambia el tiempo: cronologías se simplifican para que el público no se pierda y los giros se colocan en puntos de impacto audiovisual, lo que puede hacer que el desenlace parezca más acelerado o distinto al del libro. Si hablamos de una serie frente a una película, hay matices. Una serie bien planteada tiene el espacio para devolver parte de la complejidad de los libros: episodios que desarrollan secundarios, flashbacks más extensos y cliffhangers que respetan el diseño por entregas de la novela. Sin embargo, incluso en una serie la adaptación introduce cambios: se priorizan escenas visualmente potentes, se ajusta el tono para atraer audiencias amplias y la necesidad de ritmo televisivo puede modernizar aspectos de la trama. La dirección, el casting, la música y la fotografía aportan sobre todo una nueva identidad emocional; ver a los personajes encarnados añade presencia física y matices interpretativos que no están en el texto, y eso puede encantar o chocar según el espectador. Al final disfruto ambos formatos: los libros por la profundidad y la cuidadosa arquitectura del misterio, y la pantalla por la inmediatez y la intensidad sensorial. Recomiendo leer la trilogía para entender todas las capas y luego ver la adaptación con la mente abierta: entender qué se cambió y por qué, y disfrutar de cómo una ciudad y una historia pueden transformarse al pasar de la página al plano visual.