¿La Banda De Jared Leto Cambió Su Formación Tras 2018?

Tengo que confesar que sigo a «30 Seconds to Mars» desde hace años y su enfoque hacia las colaboraciones siempre me ha parecido interesante y un poco distinto al de otras bandas de rock. En términos de estudio, la banda suele mantener la composición y las voces dentro del núcleo del grupo, pero eso no significa que trabajen aislados: han contado con productores, ingenieros y músicos invitados para pulir sus discos. Por ejemplo, en etapas como las grabaciones de «This Is War» recurrieron a voces colectivas y recursos de producción masiva que implicaron la participación de fans y coros, algo más cercano a una colaboración comunitaria que a un feature tradicional. En directo es donde se nota más esa apertura: Jared y compañía han invitado a músicos y artistas a subir al escenario en festivales o en conciertos especiales, y también han lanzado remixes y ediciones alternativas que involucran a otros creadores. Además, fuera de la banda, Jared ha tenido contactos y proyectos que lo conectan con gente de otros ámbitos, lo que a la larga influye en la música del grupo. En resumen, «30 Seconds to Mars» no vive de hacer colaboraciones con estrellas pop en cada tema, pero sí integra colaboraciones puntuales con productores, músicos invitados, coros y remixes; hay un espíritu colaborativo, aunque la mayoría de las canciones siguen siendo obra del núcleo del grupo y su visión artística personal.

Me emocionó ver que «Thirty Seconds to Mars» volvió a publicar material en 2023; el álbum se llama «It's the End of the World but It's a Beautiful Day» y salió durante ese año. Lo seguí con la misma curiosidad que tenía en mis veintes: ese sonido grande y cinematográfico que siempre los ha caracterizado sigue presente, pero ahora hay más texturas electrónicas y momentos íntimos. Sentí que el disco busca mezclar alarma y consuelo, con letras que juegan entre la urgencia y la esperanza, y una producción que suena moderna sin perder el dramatismo clásico de la banda. He visto reacciones muy variadas entre fans: unos lo aman por la evolución sonora y la ambición temática; otros lo critican por alejarse de guitarras más crudas. Personalmente disfruté esa dualidad, porque me recordó por qué me enganché con ellos. También noté que en vivo muchas canciones ganan otra dimensión, así que si te gustan los himnos emotivos y la puesta en escena, este álbum funciona bien. En definitiva, sí, publicaron un álbum en 2023 y me pareció un lanzamiento que confirma que la banda no tiene miedo de arriesgar. Me dejó con ganas de volver a escucharlo en una sala con subidón de volumen y luces a todo dar.

He he estado pegado a sus redes estos últimos meses y te cuento lo que he visto: hasta mediados de 2024 «Thirty Seconds to Mars» no había lanzado un anuncio oficial de una gira mundial completa. Han ido apareciendo fechas sueltas y participaciones en festivales, pero nada que se lea como una gira extensa y organizada por continentes. Lo más habitual con ellos es que suelten primero un par de conciertos especiales o festivales y luego, si la respuesta es buena, expandan a una gira más grande. Por mi parte sigo su web oficial y el newsletter porque Jared y la banda suelen avisar ahí antes que en cualquier otro sitio. También recomiendo estar atento a sus cuentas en Instagram y X, y a las preventas de las plataformas habituales; muchas veces las giras aparecen primero en plataformas de venta de entradas con preventa para fans registrados. Me encantaría verlos en una gira larga, así que sigo atento a cada pista o anuncio oficial que publiquen. Siento que si hay una gira la veremos anunciada con bastante bombo en sus canales en cuanto decidan lanzarla.

El otro día me puse a buscar los videoclips de la banda en YouTube y me encontré con un catálogo bastante completo y oficial. La banda de Jared Leto, «Thirty Seconds to Mars», sí tiene videoclips oficiales en YouTube: están en el canal verificado del grupo y también en los canales vinculados como VEVO en algunos casos. Encontrarás desde los clásicos como «The Kill (Bury Me)» y «Closer to the Edge» hasta producciones más recientes como «Walk on Water» o «Up in the Air», todos en alta calidad y con descripciones que enlazan a las redes y la web oficial. Me llamó la atención la variedad: hay versiones de estudio, videos en directo, cortes de director y hasta material detrás de cámaras. Muchos de esos clips son piezas cinematográficas claras, con estética muy cuidada, así que es normal que tengan millones de reproducciones y títulos destacados en las playlists oficiales. Si disfrutas tanto de la música como de la puesta en escena visual, vas a pasar un buen rato revisando esos videos. En lo personal me encanta cómo combinan imagen y sonido; ver «Kings and Queens» o «This Is War» en su canal oficial me recuerda por qué empecé a seguirlos. Son vídeos que funcionan como pequeñas películas musicales y que, además, la banda mantiene actualizados en YouTube, así que los recomiendo sin dudar.

Me emociono cada vez que veo una marca de concierto en Europa y me pongo a buscar entradas, así que te cuento lo que sé sobre la banda de Jared Leto: cuando «Thirty Seconds to Mars» programa fechas en España, sí, se ponen a la venta entradas para esos conciertos. No es que tengan un stock permanente para España, sino que venden entradas para las ciudades y festivales donde anuncian conciertos. Por eso lo clave es estar atento a los anuncios oficiales: la web de la banda, sus redes sociales y la lista de correo suelen ser las primeras fuentes. En mi experiencia, las entradas normalmente se venden a través de plataformas oficiales en España como Ticketmaster España, Entradas.com o la web del promotor local, y también pueden aparecer en la web de Live Nation si ellos están detrás de la gira. Además, los miembros del fanclub histórico —«The Echelon»— a menudo tienen acceso a presales y paquetes VIP antes de la venta general, así que merece la pena registrarse si quieres asegurarte asiento. Ten cuidado con reventas no oficiales: compro siempre en canales verificados para evitar problemas con entradas duplicadas o inválidas. Si te interesa un concierto en particular, mi consejo práctico es activar alertas, seguir las cuentas oficiales y comprar en la preventa si puedes; cuando he conseguido entradas así, la logística fue mucho más tranquila y el concierto valió totalmente la pena.

Esta noticia me dejó con el corazón en un puño y la cabeza llena de conjeturas sobre el futuro del trio. He seguido a ese grupo desde antes de que fueran noticia, y siento que cualquier cambio en la formación no es solo un dato: reconfigura el sonido, la química en el escenario y la narrativa que los fans llevamos puesta. Si la última noticia apunta a una salida voluntaria por parte de uno de los miembros, creo que es bastante probable que veamos una sustitución definitiva o una reestructuración en la que otro músico pase a ser miembro fijo. Si en cambio la noticia apunta a algo temporal —salud, proyecto alterno, obligaciones familiares—, lo más lógico para ellos sería traer un apoyo de gira o un sustituto temporal para mantener la continuidad. Personalmente, pienso que hay dos rutas plausibles y ninguna es necesariamente catastrófica: conservar la esencia y adaptar arreglos para que la música funcione con la nueva dinámica, o aprovechar el cambio para experimentar y darle un giro fresco al proyecto. En cualquier caso, confío en que tomarán decisiones pensando en la viabilidad a largo plazo, y yo me quedo expectante, con la esperanza de que el núcleo artístico sobreviva aunque cambie la fotografía del cuarteto en la portada de su próximo sencillo.

Recuerdo el impacto que tuvo «Slash» cuando la escuché por primera vez: era un proyecto lleno de colaboraciones, estilos distintos y una sensación de álbum solista donde Slash invitaba a voces dispares para construir cada canción como una historia aparte. Tras ese lanzamiento, el cambio más notable fue hacia la coherencia: con «Apocalyptic Love» y la formación fija, las canciones dejaron de ser piezas sueltas y pasaron a sonar como un bloque unido. La voz constante le dio identidad a las melodías y las composiciones se orientaron más al hard rock clásico, con riffs que respiraban juntos y solos que ya no competían con el cantante sino que lo complementaban. Además, noté que la producción se volvió más directa y enfocada en la banda: la guitarra tiene más presencia en el centro del mix, la batería y el bajo empujan con más groove y las canciones están pensadas para el directo. En resumen, el sonido cambió de un experimento coral a una máquina de rock compacta y coherente, y eso hizo que las canciones conectaran más en vivo y en mi lista de reproducción.

Recuerdo el día en que escuché la noticia y cómo se sintió como un pequeño terremoto en mi colección de vinilos: «Michael Learns to Rock» no era exactamente la misma banda después de que Søren Madsen se marchara en 2000. En mi recuerdo, la trama es sencilla pero humana: después de más de una década tocando juntos, Søren buscó hacer música por su cuenta y dedicar más tiempo a su vida personal. Había cansancio de giras, ganas de explorar otros estilos y la tentación de la libertad creativa que no siempre encaja en una banda con un sonido consolidado. Eso llevó a que la formación se transformara de cuarteto a trío en el día a día, aunque siguieron colaborando con músicos de sesión. Lo interesante es que la esencia de la banda —las melodías suaves y el pop romántico— se mantuvo gracias a Jascha y Mikkel, y eso permitió que los fans siguieran conectando con sus canciones. Para mí, la salida de Søren fue triste pero comprensible: a veces las carreras musicales piden cambios para que todos puedan crecer a su manera.

No puedo dejar de pensar en los conciertos de «Linkin Park» cuando recuerdo la formación sobre el escenario: yo siempre los vi como un sexteto muy compacto y polivalente. En vivo, la alineación estándar era Chester Bennington en la voz principal, Mike Shinoda repartiendo voces, rap y teclados (además de tocar guitarra rítmica en muchas canciones), Brad Delson como guitarrista principal, Dave «Phoenix» Farrell al bajo, Joe Hahn manejando los samplers y los platos como DJ, y Rob Bourdon en la batería. Esa configuración fue la columna vertebral de giras enormes —desde la era de «Hybrid Theory» y «Meteora» hasta «Minutes to Midnight» y los tours posteriores— y funcionaba porque cada miembro tenía un papel muy definido pero flexible según la canción. En los conciertos, la dinámica a veces se expandía: podían añadirse coristas, músicos de apoyo o arreglos extra en canciones más orquestadas para giras especiales, y en ocasiones Mike y Chester se turnaban para llevar el protagonismo vocal según el tema. Joe Hahn no sólo pinchaba; en directo su papel como fuente de texturas electrónicas y samples era clave para reproducir el sonido de estudio sin perder energía rockera. Brad y Dave se comunicaban mucho en el escenario para sostener la base rítmica mientras Rob imprimía el pulso; todo eso permitía que Chester se moviera y experimentara con matices vocales —desde gritos intensos hasta tonos más melódicos— sin que la banda perdiera cohesión. Más allá de «Linkin Park», Chester también llevó su voz a otros proyectos en directo. Con «Dead by Sunrise» presentaba un sonido más alternativo/industrial y compartía escenario con músicos provenientes de grupos como «Julien-K» u «Orgy», por ejemplo Ryan Shuck y Amir Derakh en guitarras, lo que le daba otro color en conciertos más íntimos o de festival. Además, durante un periodo fue el vocalista en gira de «Stone Temple Pilots», apareciendo junto a Dean DeLeo, Robert DeLeo y Eric Kretz; ahí la formación era la clásica del cuarteto de STP y Chester se adaptó a su catálogo con muy buena respuesta del público. En conjunto, su presencia en directo siempre iba acompañada de formaciones sólidas y profesionales que sabían potenciar su voz y energía, algo que todavía me emociona cada vez que repaso vídeos de sus shows.

Me fascinó ver cómo, paso a paso, la banda se transformó en algo que apenas reconocía. Al principio mantenían esa energía cruda, guitarras con mucha distorsión y baterías al frente, casi punk en actitud. Con el tiempo empezaron a jugar más con el silencio y las texturas: introdujeron sintetizadores sutiles, capas de coros y arreglos de cuerdas que antes no se atrevían a usar. Las canciones largas salieron a la luz; donde antes había tres minutos directos, ahora hay pasajes instrumentales, cambios de tempo y momentos contemplativos que dejan respirar la canción. También noté una maduración lírica: las letras dejaron de ser inmediatas y se volvieron más narrativas, con metáforas menos obvias y una mirada más amplia sobre temas como el paso del tiempo, la identidad y la escena que los vio nacer. Técnicamente, la voz principal ganó control dinámico: ahora juegan con falsete, armonías y capas vocales que enriquecen el mensaje. En vivo la diferencia fue igual de evidente: canciones antiguas re-arregladas, momentos electrónicos que reemplazan riffs de guitarra y una producción más ambiciosa. No todos los fans se subieron al tren, pero la sensación de evolución fue clara: dejaron la urgencia del primer disco y abrazaron la complejidad sin perder su ADN. Me encanta cómo ese riesgo les dio nuevas fronteras para explorar, y aun así sigo cantando los himnos de sus comienzos con la misma rabia contenida.