¿Los Músicos Explican Cómo Tocar Riffs De Motor Head Fácilmente?

Poner «Ace of Spades» a todo volumen cambió mi forma de entender el rock. He sido fan desde hace décadas y recuerdo cómo ese primer golpe de batería y ese bajo rasposo de Lemmy me atraparon: es directo, crudo y tiene una actitud imposible de fingir. Para alguien que empieza, recomiendo precisamente esos temas que condensan la esencia: «Ace of Spades», «Overkill» y «Stay Clean». Son canciones cortas, con riffs pegajosos y coros fáciles de seguir, perfectas para engancharse sin sentirse abrumado. Además, sugiero escuchar una buena versión en vivo como «No Sleep 'til Hammersmith» después de las pistas de estudio. La energía en vivo te muestra por qué la banda conecta tanto con público nuevo: la producción es más sucia, el tempo más voraz y la experiencia más directa. Si buscas algo menos acelerado para ir subiendo el ritmo, «Bomber» tiene un pulso más marcado. Al final, creo que Motörhead es un buen puente entre el rock clásico y el punk, y para empezar con ellos no hace falta saber técnica: solo dejarse llevar por la actitud y el groove.

Me encanta debatir esto porque la discusión sobre si el álbum de Motörhead es "el mejor" nunca está resuelta en mi grupo de amigos. Personalmente, considero que «Ace of Spades» suele aparecer como la bandera de la banda: tiene la canción que todos reconocen, un sonido directo y crudo que influyó a miles de bandas y además una producción que aún suena vigorosa. Muchos críticos lo colocan en lo alto de las listas de discos imprescindibles del rock y del metal por su impacto cultural más que por una pulcritud técnica. Para los que valoran la energía y la actitud, «Ace of Spades» es difícil de superar. Dicho eso, hay críticos que prefieren otros trabajos o incluso su directo «No Sleep 'til Hammersmith», porque en vivo Motörhead alcanzaba otra dimensión. En definitiva, sí: muchos críticos valoran «Ace of Spades» como el punto más emblemático de la banda, pero no hay consenso absoluto; depende de qué criterio priorices—innovación, influencia o ejecución en estudio—y eso me sigue pareciendo fascinante.

Llevo años siguiendo noticias de bandas clásicas y puedo decir sin rodeos lo que veo sobre «Motörhead» para 2026. La realidad es contundente: tras la muerte de Lemmy en 2015 la banda se disolvió oficialmente, así que no hay ni ha habido giras “oficiales” del grupo original desde entonces. Los promotores serios normalmente dejan claro cuando se trata de un tributo, una gira con exmiembros o un espectáculo con licencia; en lo que llevo mirando para 2026 no hay anuncios de una gira genuina de «Motörhead» como tal. Lo que sí aparece constantemente son homenajes, giras de bandas tributo y conciertos donde miembros antiguos o proyectos derivados tocan material de la banda. Eso no es lo mismo, pero para muchos fans funciona como catarsis y celebración. Personalmente, me emociona ver cómo la música sigue viva en esos shows, aunque echo de menos la energía original del grupo y prefiero reconocer la diferencia entre homenaje y banda histórica.

Me encanta cómo una progresión sencilla puede sostener toda una canción romántica y pegajosa como «El Perdón». Yo la toco casi siempre con cuatro acordes muy accesibles: Em, C, G y D. Aquí tienes las posiciones básicas (siempre en cuerda al aire hacia abajo): Em (022000), C (x32010), G (320003) y D (xx0232). Para la mayoría de versiones fáciles puedes tocar los versos y el coro con la misma secuencia repetida: Em - C - G - D. Eso te permite concentrarte en el ritmo y la voz en lugar de cambiar acordes complicados. Si te cuesta el rasgueo, prueba primero con un patrón lento y marcado: down, down-up, up-down-up (D - D U - U D U), contando 1 & 2 & 3 & 4 &. Otra opción todavía más sencilla para arrancar es rasguear solo en los tiempos 1 y 3, o hacer arpegios básicos (pulgar en las cuerdas graves y dedos en las agudas) para acompañar la melodía. Si quieres acercarte al tono original sin aprender cejillas, pon un capo en el traste 2 y usa las mismas formas; así te saldrá más cómoda la voz. Mi consejo práctico: memoriza la progresión Em-C-G-D, practícala a tempo lento cambiando acordes sin mirar y luego súbele gradualmente la velocidad. Marca con la mano derecha los acentos (por ejemplo acentuar el 1 y el 3) y prueba mutear ligeramente las cuerdas con la palma para dar ese pulso urbano que tiene la canción. Al final, lo que más importa es que la progresión suene natural y acompañe la letra; con estos acordes fáciles consigues una versión muy reconocible y divertida de «El Perdón» para tocar con amigos o en reuniones.

Recuerdo perfectamente la primera vez que escuché a Motorhead en una cinta que trajo un colega de intercambio: era un ruido salvaje, inmediato y extraño para el panorama rockero español de entonces. En España, la historia de Motorhead no suele ocupar páginas enteras en los libros de historia general —la narrativa académica popular tiende a centrarse en la Transición, la Movida madrileña o en géneros con mayor arraigo local— pero eso no quiere decir que esté ausente. Hay investigaciones, artículos de revistas musicales, tesis y capítulos que abordan la llegada del metal británico y cómo bandas como Motorhead calaron en colectivos punks y metaleros. Además, la memoria viva de la banda se mantiene en fanzines, grabaciones de conciertos, y la bibliografía de la prensa especializada. Personalmente creo que la mejor forma de “contar” esa historia en España ha sido siempre comunitaria: aficionados, promotores y periodistas han ido tejiendo el relato paralelo al académico, y es ahí donde encuentro más verdad sobre lo que Motorhead significó aquí.

Me priva la energía cruda de «School of Rock» y por eso usé sus canciones para armar mi propio camino con la guitarra. Primero elegí cuatro temas del estilo del film (versos sencillos, riffs potentes, solos cortos) y los descompuse: aprendo primero las partes de ritmo, luego los riffs y por último los licks. Uso tablaturas y vídeos lentos para capturar cada matiz; si hay un solo que me intimida lo simplifico a pentatónicas hasta que suene natural. Practico con metrónomo, empezando a 60-70% del tempo real y subiendo gradualmente. Además fui grabándome con el móvil para detectar errores de timing y de dinámica. Tocar con pistas de acompañamiento o con amigos acelera el aprendizaje: te obliga a mantener el tempo y a soltarte. Al final, lo que más me motivó fue preparar una mini-presentación, aunque fuera para dos amigos: esa presión sana es milagrosa para consolidar lo aprendido y disfrutar del proceso.

Siempre me divierte tomar una canción que me gusta y recortarla hasta dejarla cómoda para tocar con amigos en la sala: con «A veces miento» puedes lograrlo sin complicarte la vida si te concentras en tres o cuatro acordes básicos. Yo empezaría probando esta versión simplificada en Em (mi menor), que suele funcionar muy bien para voces medias y suena cálida en guitarra acústica. Usa estos acordes abiertos: Em (022000), C (x32010), G (320003) y D (xx0232). Una progresión segura para los versos es Em - C - G - D; para el estribillo puedes alternar G - D - Em - C. Si la voz te queda muy grave o muy aguda, pon un capo en el segundo o tercer traste y toca las mismas formas: el capo te regala una solución rápida para adaptar la tonalidad sin aprender acordes nuevos. En cuanto al ritmo, yo practico primero un rasgueo básico: down, down, up, up, down, up (D D U U D U), bastante neutro y funcional para acompañar la canción. Si te apetece algo más íntimo, prueba arpegiar las cuerdas con el pulgar marcando el bajo y los dedos rasgueando suavemente: pulgar, índice, medio, anular en una secuencia 1-2-3-2. Para las transiciones, concéntrate en llevar el dedo índice de C a G o a D lo más suave posible; practicar cambios lentos y con metrónomo ayuda mucho. Si quieres darle color sin subir la dificultad, añade pequeños adornos: un hammer-on en el segundo traste de la tercera cuerda cuando estás en Em, o un bajo alternado (tocar la sexta o la quinta cuerda antes del rasgueo) para empujar la dinámica. Escucha la canción original y marca con el pulgar los tiempos fuertes; tocar junto al tema varias veces te pondrá en ritmo. Al final, lo que más importa es que te sientas cómodo cantando y tocando a la vez: con estos acordes y un rasgueo constante ya tendrás el 80% de la canción y podrás improvisar desde ahí.

Me sigue emocionando la melodía de «Fácil fue amarla, difícil fue dejarla» cada vez que la toco; tiene ese aire de balada ranchera que se siente en el pecho. Empiezo con una versión sencilla en La menor (Am) para que cualquiera pueda arrancar: Am - G - F - E7. Para acompañar, uso un rasgueo básico: abajo, abajo-arriba, arriba-abajo-arriba (D D-U U-D-U) marcando el pulso en los graves al cambiar de acorde. Si te cuesta el E7, prueba tocar E en posición abierta o agregar solo la tercera del acorde para suavizar la transición. Si quieres darle otro color para cantar más cómodo, coloco un capo en el segundo traste y toco con formas de G - F# - E - D (es decir, suena en A mayor y facilita los cambios con acordes familiares). Un truco mío para que suene más rico: en el paso de Am a G, arrastra el dedo índice hacia notas abiertas para crear una pequeña melodía de acompañamiento. Me encanta cómo una cosa simple puede sonar tan llena, y con práctica corta tienes la canción lista para cantarla con sentimiento.

Siempre disfruto el reto de dividir la música y la letra entre dos guitarras; tiene algo de magia colaborativa que convierte una canción conocida en algo nuevo. Primero me gusta acordar claramente los roles: una persona se encarga de la parte rítmica/armónica (los acordes y la base), y la otra de la melodía o de adornos que complementen la voz. Empiezo por escoger una canción sencilla, preferiblemente con progresiones de acordes limpias (por ejemplo I–V–vi–IV), y la tocamos despacio. La persona que lleva los acordes puede simplificarlos con posiciones abiertas o con cejilla para mantener un pulso constante; la otra persona localiza la melodía vocal en el diapasón y decide si la toca como notas sueltas, como líneas punteadas o como arpegios que se entrelazan con los acordes. Después trabajamos el arreglo: marcamos dónde entran los versos, el estribillo y los puentes, y definimos transiciones claras. Para que no se pisen, practicamos con metrónomo y con compás marcado por la persona que hace la base. La persona del acompañamiento puede variar dinámica y rasgueo para dejar espacio a la melodía; la persona que hace la melodía cuida de no saturar el registro tonal y usa silencios como recurso. Si la melodía resulta muy alta o baja, probamos un capo o transponemos para que ambas guitarras y la voz queden cómodas. Un ejercicio que me funciona: grabamos una práctica corta y la escuchamos juntos, señalando qué momentos chirrían o qué arreglos enriquecen. También alternamos roles cada cierto tiempo para entender mejor la interacción. Con paciencia, la técnica de tocar la letra en una guitarra (acompañar) mientras la otra reproduce la música (melodía/ornamentos) empieza a fluir; lo más bonito es que se convierte en conversación musical, y cada pequeño ajuste en ritmo, dinámica o espacio cambia totalmente la sensación de la canción. Termino siempre con la sensación de haber aprendido algo nuevo sobre la canción y sobre la otra persona con la que toco.

Me emociona ver cómo un instrumento puede cambiar tu día a día, así que te cuento mi plan paso a paso. Empecé con poco presupuesto y muchas ganas, así que mi primer consejo práctico es buscar opciones locales: escuelas municipales de música, conservatorios municipales y academias suelen tener plazas económicas o grupos iniciación, y además te ponen en círculo con otros aprendices, que es donde se acelera el aprendizaje. Si el bolsillo aprieta, rastrea Wallapop o «Mil Anuncios» para un instrumento de segunda mano en buen estado; compré una guitarra así y fue decidir tocar todos los días. Complementa con tutoriales en YouTube en español y una app para practicar (afinador, metrónomo y una como Yousician o Simply Piano para guiarte). Mi rutina fue simple y sostenible: 25 minutos diarios enfocados (calentamiento, técnica corta, una canción que me guste) y una sesión semanal más larga para experimentar. También busqué un profesor para clases puntuales cada dos semanas: no necesitas pagar clases semanales si aprovechas bien las herramientas online y el feedback presencial ocasional. Tocar con gente —amigos, grupos de intercambio, jam sessions locales— te obliga a aplicar lo aprendido y es lo mejor para ganar oído y confianza. Al final, lo que más marca la diferencia es la constancia y elegir canciones que disfrutes; así no se hace pesado y aprendes de verdad.