¿Quién Coreografió 'Que Rico' Para El Challenge?

Me atrapó el ritmo y la voz en cuanto empezó el videoclip, y al instante supe quién estaba al frente: es Marc Anthony quien canta «que rico». Su timbre le da a la canción ese sabor salsero y caliente que esperaba, la producción del video realza ese carisma con planos cercanos y mucha energía en las escenas de baile. Se nota que la interpretación es de alguien con trayectoria: la frase «que rico» suena juguetona y poderosa al mismo tiempo, y él la lleva con naturalidad. No solo es la voz, sino cómo la cámara y la puesta en escena acompañan cada nota; por eso, cuando veo ese videoclip me quedo con la sensación de fiesta y nostalgia tropical, algo que Marc Anthony domina sin esfuerzo.

Esta noche la coreografía que enseñan en la fiesta mezcla pasos de reguetón con toques de salsa y funk, y te atrapa de inmediato. Yo me encontré guiando a un grupo variado: hay quien viene con dos pies izquierdos y quien ya trae ritmo incorporado, pero la rutina está pensada para que todos se enganchen. Empieza con un conteo de ocho sencillo —paso lateral, toque, paso atrás con cadera, y un giro pequeño— que luego se encadena con un movimiento de brazos muy marcado para dar esa sensación de energía. Los bailarines usan palmadas y chasquidos para marcar los compases y ayudan con indicaciones verbales para los cambios. Lo que más me gustó es cómo alternan momentos de libertad con secciones sincronizadas; hay un bloque de “todos iguales” que hace que la pista se vea compacta, y luego se suelta en una especie de freestyle donde cada quien añade su sello. Al final, la coreografía cierra con una pose grupal que funciona como remate, y yo salí con ganas de repetirla en la próxima reunión.

Me flipa ver cómo una expresión tan sencilla como «qué rico» se ramifica por toda España en formas que suenan distintas según la mesa, la ciudad o la generación. En mi casa se usan un montón de versiones afectuosas: «está para chuparse los dedos», «de rechupete» o «está buenísimo». Cuando quiero exagerarlo en plan festivo digo «pa' morirse» o «de muerte», que son hiperbólicas pero comunes en encuentros de familia. En platos más formales tiro de «delicioso» o «exquisito», que suenan más de restaurante pero funcionan. También noto el uso en sentido no solo gastronómico: «qué rico» sirve para decir que algo o alguien resulta muy atractivo o placentero, y ahí aparecen variantes como «qué bueno» o «qué sabroso». Al final, lo que me encanta es cómo una misma idea se adapta al contexto y al tono: una expresión simple, mil matices, y siempre con ganas de repetir plato.

Me llamó la atención desde el primer beat cómo abren con los puños extendidos y lo mantienen como motivo visual a lo largo de todo el videoclip de «Puños Fuera». La coreografía en sí mezcla golpes sincronizados de brazo con pasos cortos y contundentes: los bailarines hacen series de punches hacia adelante y hacia arriba marcados en los tiempos fuertes, seguidos de islas de desplazamiento donde el grupo rota en formaciones en V. Hay momentos de contacto visual directo con la cámara, lo que hace que el gesto de sacar los puños se sienta casi como un reto compartido con el espectador. Además incorporan pequeñas secuencias de hip hop callejero, con popping sutil y acentos de torso que contrastan con los golpes de brazo. El clímax viene con una ruptura rítmica donde la percusión baja y los puños se amplifican en cámara lenta para terminar en una pose congelada. Me quedé con la sensación de que cada puño no solo es un movimiento, sino una firma del tema y de la actitud del grupo.

Me encanta ver cómo una coreografía se vuelve viral y cómo todos queremos aprenderla exactamente igual; por eso siempre empiezo por observar con calma. Primero, veo el vídeo completo unas cuantas veces sin intentar copiar nada; me fijo en los acentos rítmicos, en qué parte del cuerpo lidera cada movimiento y en los cambios de nivel (cuando el movimiento sube o baja). Luego, paso a dividir la canción en bloques de 8 tiempos y trabajo cada bloque por separado. Hago repeticiones lentas, primero solo con el torso, luego solo con las piernas, y finalmente uno los dos. Practicar frente al espejo me ayuda a corregir la postura y a asegurarme de que los gestos lleguen con intención. Cuando ya lo tengo en cámara lenta, subo la velocidad poco a poco hasta el tempo original y grabo varias veces desde distintos ángulos. Para el formato vertical, cuido que el encuadre muestre los pies y las manos en los momentos clave. Al final, suelo añadir un pequeño sello personal: un gesto o un paso extra que encaje con la canción. Me divierte ver cómo, con paciencia y repeticiones, aquello que parecía imposible termina saliendo natural y con ganas.

Me resulta fácil imaginarla repitiendo pasos en estudios de madera y espejos; según lo que he leído y oído en entrevistas, Miranda Garrison se formó sobre todo en estudios de danza y en el ambiente de los rodajes, donde pulió sus coreografías combinando técnica clásica y baile popular. Pasó horas practicando ballet y jazz para tener una base sólida, y complementó eso con entrenamiento en ritmos latinos y sociales, lo que explica la mezcla de elegancia y calor en sus piezas. Además, aprendió muchísimo trabajando codo a codo con otros coreógrafos en set, y esa experiencia práctica —hacer las coreografías para cámara, adaptar movimientos a planos y actores— fue clave para su estilo. Si piensas en películas como «Dirty Dancing», verás esa convergencia entre estudio y set: técnica formal trasladada al lenguaje cinematográfico. En mi opinión, su formación no fue solo una escuela, sino una suma de estudios, maestros y mucha práctica en contacto directo con la industria, y eso se nota en la precisión y el sentido dramático de sus coreografías.

Me encanta recordar cómo la danza en «West Side Story» llegó a ser casi otro personaje dentro de la película: el responsable principal de esas coreografías inolvidables fue Jerome Robbins. Él no solo imaginó los pasos; creó todo un lenguaje corporal para las pandillas, mezclando ballet, jazz y movimientos callejeros que comunicaban tensión, deseo y territorialidad sin casi necesidad de diálogo. Las escenas del gimnasio y números como «America» o el famoso enfrentamiento en la calle llevan su sello: precisión, dramatismo y un sentido cinematográfico del espacio que todavía corta el aliento. Recuerdo la primera vez que vi cómo los cuerpos ocupaban el escenario en bloque, con entradas y salidas casi arquitectónicas; eso es Robbins. Su formación en ballet y su experiencia en Broadway le permitieron construir secuencias teatrales que, al filmarlas, se transforman en piezas visuales perfectas para cámara. Además, la cooperación con el director y con la orquesta permitió que la música de Leonard Bernstein y la coreografía se miraran de frente, generando momentos que ya forman parte de la historia del cine musical. En mi opinión, decir que Robbins solo puso pasos sería quedarse corto: reinventó la manera de contar una pelea, una fiesta o un cortejo a través del movimiento. Por eso, cuando veo esas escenas, siempre termino maravillado por la claridad dramática que aportó, y por cómo su trabajo sigue inspirando a coreógrafos y cineastas hoy en día.

Me flipa la energía que tiene esa coreografía; cuando la escucho se me acelera el pulso y quiero moverme ya. Lo primero que hago es conseguir el mejor video posible: busco la versión más clara en YouTube o TikTok, y la pongo en mi teléfono para poder repetirla sin líos. Luego la divido en secciones cortas, de 8 tiempos o incluso de 4, y trabajo una sección por sesión. Así no me saturan los movimientos y puedo memorizar el patrón rítmico. Después practico en espejo y a cámara: el espejo me ayuda con la simetría y la postura, y grabarme me muestra detalles que no noto en el momento. Uso apps para ralentizar el clip al 75% o al 50% cuando hay pasos rápidos o transiciones complicadas. También hago drills de pies y brazos aislados para solidificar cada parte antes de juntarlas. Por último, cuido el cuerpo: caliento antes, hago ejercicios de core y estiramientos, y descanso si noto fatiga. Si es una coreografía con otra persona (tu "daddy" o pareja), coordina tiempos y espacios con él, practiquen lento y suban la velocidad juntos. Con paciencia y repetición, todo encaja; a mí me funciona y me divierto cada sesión.

Me interesa mucho cómo se resuelven esas escenas delicadas en las series, y en mi experiencia la respuesta suele sorprender a quienes piensan que es un simple capricho del director. En la mayoría de las producciones profesionales, la persona que «coreografía» una escena íntima no es necesariamente un coreógrafo tradicional de baile, sino un coordinador de intimidad: alguien especializado en establecer límites, movimientos y el consentimiento de las partes involucradas. Nombres que he visto mencionados en entrevistas y créditos son, por ejemplo, Ita O'Brien o Alicia Rodis, aunque depende mucho de la producción y del país. En la práctica, ese coordinador trabaja en conjunto con el director, el director de fotografía y los actores para marcar cada gesto, cada mirada y la colocación en la cámara. Se planifica todo con antelación: ensayos en un set controlado, acuerdos claros sobre lo que se aceptará y qué no, y un equipo reducido durante la grabación. Si la escena incluye elementos de movimiento más complejos, también puede intervenir un coreógrafo de movimiento corporal o un experto en lucha, pero siempre bajo la guía del coordinador de intimidad. Personalmente valoro mucho cuando el resultado se siente natural y seguro; eso me dice que detrás hubo profesionales que respetaron a los intérpretes y a la audiencia. Al final, la coreografía de una escena íntima es tanto técnica como humana, y cuando funciona bien, eleva la historia sin dejar de proteger a la gente que la interpreta.