¿Qué Instrumentos Suele Tocar Ethan Kath En Estudio?

Mi oído quedó prendado del pulso crudo y sintético que Ethan Kath empezó a moldear en la escena independiente de Toronto a mediados de los 2000. Empezó con una actitud de bricolaje absoluto: pistas hechas con cajas de ritmos, sintetizadores baratos, samples recortados y mucha distorsión, lo que le dio ese sonido tan inmediato y sucio que explotó con el single «Alice Practice». Fue el tipo de proyecto donde la producción era también declaración estética, no solo técnica. A partir de ese motor lo llevó directo a formar el dúo conocido como «Crystal Castles», y allí su papel fue claro: productor, compositor y cerebro sonoro. Las primeras entregas, recopiladas en el álbum «Crystal Castles», y las siguientes «Crystal Castles (II)» y «Crystal Castles (III)», muestran una evolución desde lo lo-fi y punk electrónico hacia estructuras más pulidas sin perder la violencia sonora. Tras la salida de la vocalista original, el proyecto continuó con otra cantante y quedó reflejado en «Amnesty (I)», una vuelta a texturas menos abrasivas pero aún intensas. En lo personal, me interesa cómo su trayectoria musical mezcla innovación y contradicción: era influenciador en la electrónica de club alternativo y, al mismo tiempo, nunca abandonó el rastro DIY de sus inicios. Esa mezcla es lo que más me cautivó y, pese a todo lo que vino después, su contribución sonora permanece en listas y sesiones que sigo poniendo hoy.

He estado rastreando entrevistas de Ethan Kath últimamente y la verdad es que no siempre aparecen en los sitios más obvios. Por experiencia, lo primero que reviso es YouTube: busca su nombre entre comillas y usa el filtro de fecha para ver lo más reciente. También es útil mirar canales de prensa musical y playlists de entrevistas en Spotify o Apple Podcasts, porque muchos programas suben versiones audio-only. Ten en cuenta que, por la controversia que lo rodeó, algunas entrevistas antiguas pueden haber sido retiradas o archivadas; por eso reviso también el Internet Archive y blogs musicales independientes donde a veces quedan copias o transcripciones. Finalmente, no descarto redes sociales: a veces un clip corto aparece en TikTok o en hilos de Reddit y ahí aparecen enlaces a la entrevista completa. Pongo alertas en Google News con su nombre y miro las secciones de entrevistas en medios como «Pitchfork», «NME» o «The Guardian» para confirmar fechas y contexto. Personalmente, prefiero contrastar varias fuentes antes de compartir una entrevista, porque así puedo juzgar si es realmente reciente y completa.

No puedo sacarme de la cabeza el choque que supuso todo aquello para la escena indie que seguía a «Crystal Castles». Cuando Alice Glass publicó su declaración, muchas cosas cambiaron de golpe: lo que antes era misterio de backstage se volvió tema público y doloroso. Como fan que descubrió el grupo por una mezcla de curiosidad y noches en clubs, sentí cómo la música se empañaba. Las giras se volvieron imposibles de mirar igual, y la credibilidad de Ethan Kath quedó gravemente tocada por las acusaciones de abuso y manipulación. Él negó esas acusaciones, y hasta donde sé no hubo una condena penal que las confirmara, pero el impacto reputacional fue inmediato: medios, festivales y promotores se alejaron o tuvieron que explicar sus decisiones. Al final, lo que me queda es una mezcla de rabia y tristeza: revivir canciones que me marcaron ahora implica pensar en víctimas y en la responsabilidad del público. Sigo escuchando algunos temas por nostalgia, pero ya no puedo separar por completo la obra del contexto humano que la rodeó.

Esta temporada he estado pendiente de las noticias musicales y, honestamente, no he visto anuncios de colaboraciones oficiales de Ethan Kath durante este año. He buscado en listas de créditos, redes de fans y plataformas de streaming y lo que predomina es más bien silencio: no hay singles conjuntos ni remixes acreditados bajo su nombre que se hayan difundido masivamente. En los rincones de SoundCloud y en some sellos independientes circulan rumores sobre producciones no acreditadas y posibles alias, pero nada que aparezca en bases de datos de derechos de autor o en notas de prensa formales. Considero que su baja visibilidad pública, sumada al historial de controversias, ha complicado que haya asociaciones claras y abiertas con otros artistas. Al final, me queda la impresión de que Ethan Kath ha tenido un año prácticamente ausente en cuanto a colaboraciones visibles; para los fans curiosos, esto se siente extraño pero también comprensible dadas las circunstancias.

Me encanta recordar cómo los discos de Ethan Kath con «Crystal Castles» marcaron una era en la electrónica caótica y melódica. Si llevo la cuenta, los más famosos son: el álbum debut «Crystal Castles» (2008), que condensó su estética lo-fi y experimental; «Crystal Castles (II)» (2010), más oscuro y maduro; «III» (2012), con una atmósfera más sombría y letras más directas; y «Amnesty (I)» (2016), el primero con la nueva vocalista tras la salida de Alice Glass. Cada uno tiene personalidad propia: el primero explotó con tracks como «Crimewave» y «Alice Practice», el segundo refinó el sonido con temas como «Celestica», el tercero reforzó el tono melancólico y el cuarto buscó renovarse sin perder la esencia. He vuelto a esos discos varias veces y siempre encuentro detalles nuevos en las programaciones, los pads y esos glitches que eran marca de la casa. Escuchar esa evolución me sigue pareciendo fascinante, incluso si hoy suenan distintos según el estado de ánimo.

Voy a contarte lo que veo cada vez que Taylor Hanson sube al escenario: él es básicamente el corazón melódico de la banda y eso se nota en los instrumentos que toma. En la mayoría de los conciertos lo verás frente a un piano o varios teclados; ahí es donde saca esa voz tan clara y también ejecuta los arreglos que le dan cuerpo a las baladas y a las partes más atmosféricas de las canciones. No es raro que cambie entre piano acústico y sintetizadores/órgano según la canción, y en momentos íntimos se queda solo al piano para dar peso emocional al tema. En otras canciones más desenfadadas o en sets acústicos, Taylor coge la guitarra acústica para darle una textura distinta al conjunto; su forma de tocar no es la más técnica del mundo, pero aporta mucha calidez y hace que los temas suenen más cercanos. Además, en varios shows le he visto usar una armónica en pasajes cortos y agarrar una pandereta o tambor de mano cuando la canción pide algo de ritmo extra, así que su papel no es sólo voz y teclas, sino completar la paleta sonora del grupo. Lo que más me flipa es cómo cambia de rol según la canción: a veces es pianista-protagonista, otras veces es guitarrista acompañante o el que añade color con la percusión pequeña. Ese versátil equilibrio en vivo le da a las presentaciones una dinámica única y hace que cada concierto tenga momentos distintos que disfruto muchísimo.

Siempre me ha fascinado cómo un baterista puede definir el sonido entero de una banda, y Sean Kinney es un ejemplo perfecto de eso. Sean es principalmente conocido por tocar la batería y la percusión; es el pulso de «Alice in Chains» desde sus inicios. Su toque combina contundencia y sutileza: golpes pesados cuando la canción lo pide, golpes más contenidos y detalles de hi-hat o toms para construir atmósferas. En estudio y en vivo se nota que su trabajo no es solo mantener el tempo, sino aportar color y dinámica a las canciones. Además de la batería, en alguna ocasión ha participado con partes de percusión adicionales y ha colaborado en arreglos que implican teclados básicos o elementos de producción. No es raro verlo aportar ideas melódicas o rítmicas fuera del kit cuando la banda está componiendo. Personalmente, admiro cómo su técnica se siente poderosa sin ser ostentosa: sientes la canción primero, la batería después, y eso es un oficio poco frecuente. Al terminar un concierto o una escucha atenta de un disco, su presencia te queda grabada por la sensación rítmica que deja, y para mí eso lo convierte en un músico imprescindible.

Me llama la atención cómo la vida privada de los músicos suele despertar tanta curiosidad; en el caso de Nacho Cano hay interés, pero también bastante discreción por parte de su familia. La información pública sobre qué instrumentos tocan sus hijos no está muy extendida en medios fiables, y muchas veces lo que circula son imágenes o pequeños clips en redes sociales que muestran afinidad por la música más que un listado formal de habilidades. Por eso conviene distinguir entre lo que se ha visto esporádicamente y lo que existe como dato confirmado por entrevistas o biografías autorizadas. En varias apariciones y publicaciones informales se aprecia que algunos de sus hijos tienen contacto habitual con el piano y la guitarra, y que participan en ambientes musicales familiares: ensayos caseros, interpretaciones en reuniones y covers en vídeo. También hay material que sugiere interés por el canto y por otros instrumentos de acompañamiento, aunque no hay una nota oficial que detalle estudios, grado profesional o instrumento principal de cada uno. En la prensa española suelen respetar esa privacidad, así que lo más frecuente es hallar referencias superficiales en reportajes sociales o posts personales más que listados técnicos sobre su formación musical. Es importante señalar que pertenecer a una familia de músicos no implica automáticamente una carrera profesional; muchos hijos de artistas practican varios instrumentos por afición. En escenarios íntimos he visto gente de familias parecidas tantear el piano y la guitarra, probar secuencias en sintetizador o hacer percusiones caseras, y esa misma diversidad parece reflejarse en las pequeñas muestras públicas relacionadas con los Cano. Por tanto, lo más verosímil es que toquen instrumentos versátiles para el entorno doméstico y creativo: piano, guitarra y quizá labores de voz o percusión ligera, sin que exista confirmación pública de que alguno se dedique exclusivamente a uno en concreto. Si te interesa una confirmación más sólida, las fuentes más fiables suelen ser entrevistas directas con Nacho o cobertura en revistas culturales que mencionen a su familia por nombre, además de sus perfiles oficiales en redes, donde a veces comparten momentos musicales. A nivel personal, me encanta pensar en esa herencia sonora transmitida en casa: ver a los hijos de músicos experimentar con teclas, cuerdas y la voz forma parte de la continuidad creativa y es un placer para cualquier fan que disfrute tanto del legado como de las pequeñas sorpresas familiares.

Me fascina el sonido del son cuando lo imagino cercano al mar: tiene una cadencia que parece mecerse como las olas. En los conjuntos tradicionales que tocan son se suelen escuchar varios instrumentos que marcan tanto la melodía como el pulso: el «tres» cubano (con sus acordes punteados y rasgueos), la guitarra o requinto para acompañar, el contrabajo o el bajo para la línea grave que empuja el ritmo, y los bongós junto con las claves y las maracas que fijan el patrón rítmico. En formaciones más grandes aparecen la trompeta o trombones para los llamados y respuestas melódicos, y a veces el piano para rellenar armónicamente y solistas. Si el toque es más costero o con aire marinero, no es raro que el güiro, las congas o incluso percusiones improvisadas con objetos del barco añadan textura, y que la voz principal y los coros jueguen con arreglos que recuerdan llamados del puerto. Me encanta cómo cada instrumento tiene su papel: marcar, colorear, y empujar la alegría del baile, y siempre me deja con ganas de mover los pies.

En una sala pequeña donde lo vi por primera vez, me sorprendió lo versátil que suena cuando está solo en el escenario. He visto a Javier Zamora en varios formatos, pero en sus directos en solitario lo que predomina es la guitarra acústica: suele entrar con una guitarra de cuerdas de acero, a rasgueo y arpegio, acompañando su voz y moviéndose con una naturalidad que engancha. Además, en muchas ocasiones lleva otra guitarra —a veces una nylon o una guitarra con una afinación distinta— para cambiar colores entre canciones sin perder el pulso del concierto. Lo que más me llama la atención es cómo alterna entre tocar de forma íntima, casi confesional, y usar recursos para llenar el espacio cuando está solo: un pedal loop que le permite superponer líneas de guitarra, percusión corporal y capas vocales, creando una sensación de conjunto incluso sin banda. En varios shows también le he visto incorporar percusión mínima: un cajón o golpes en la caja de la guitarra para marcar ritmos, y un tambor pequeño o un foot tambourine para añadir groove sin necesidad de músicos adicionales. En canciones más folk o de raíz, usa la armónica en algunas estrofas, lo que le da un toque más rústico y directo. No es raro que cambie de guitarra, ponga un capo para subir el tono y luego use el looper para repetir una base rítmica y cantar sobre ella; es una técnica que domina con soltura y que hace sus conciertos solistas más dinámicos. En resumen, lo que más se repite cuando lo veo tocar solo es guitarra acústica como pilar, apoyo de loop station para capas, percusión corporal o cajón para marcar ritmos y, de forma ocasional, armónica o ukulele según la canción. Todo eso unido a la manera en que controla la dinámica y la conexión con el público hace que un concierto en solitario de Javier Zamora no suene vacío: suena pensado y lleno de matices. Me quedo con la sensación de que cada cambio de instrumento o añadido tiene un propósito narrativo, más que ser un recurso técnico, y eso siempre me mueve como oyente.