¿Qué Saxofón Usaba John Coltrane En Sus Giras?

Me encanta recorrer tiendas de vinilos y salas antiguas en busca de cualquier rastro de John Coltrane. Tengo la costumbre de empezar por los clásicos: en Madrid suelo mirar la programación de «Café Central» y de la Sala Clamores, porque aunque no suelan traer a Coltrane —obviamente— programan noches de tributo y cuartetos que repasan su repertorio con muchísimo respeto y energía. Para experiencias más grandes miro los festivales: el Festival Internacional de Jazz de San Sebastián («Jazzaldia»), el Festival de Jazz de Vitoria-Gasteiz y Getxo Jazz suelen program homenajes, big bands o solistas que reinterpretan piezas como «A Love Supreme» en formatos variados. Si lo que quiero es ver imágenes o conciertos filmados de Coltrane, tiro de archivos: RTVE Play a veces rescata documentales y conciertos antiguos, y Filmoteca o ciclos de cine musical en salas independientes proyectan documentales como «Chasing Trane». Además, muchas grabaciones históricas y actuaciones en directo están en plataformas como YouTube (canales oficiales de sellos como Impulse! y cuentas de jazz), y en servicios de música en alta calidad como Qobuz o Tidal, donde suenan conciertos y cajas de edición remasterizada. Al final me gusta combinar ambas cosas: una noche en un club para sentir la atmósfera jazzística en directo y, cuando quiero la «experiencia Coltrane clásica», buscar conciertos filmados o emisiones de radio en archivos. Esa mezcla de lo vivo y lo grabado siempre me deja con ganas de volver a escuchar el mismo solo desde otra perspectiva.

Con el vinilo apoyado en la mesa y el surco aún brillando, diría que el álbum de John Coltrane que más se ha vendido en España es «A Love Supreme». Llevo décadas siguiendo el circuito de jazz aquí y he visto a ese disco reaparecer una y otra vez: ediciones en LP, reediciones en CD, versiones remasterizadas y, más recientemente, entradas constantes en listas de streaming y en compilaciones educativas. Tiene una presencia cultural que trasciende el público purista; músicos, profesores y oyentes ocasionales lo recomiendan como una introducción imprescindible al espíritu de Coltrane. No es solo cuestión de fama: «A Love Supreme» conecta con la sensibilidad española por su carga emocional y espiritual, lo que ayuda a que siga vendiéndose bien en tiendas físicas y digitales. Además, muchas reediciones vienen con material adicional y notas que atraen tanto a coleccionistas veteranos como a nuevos oyentes. Si miro las estanterías de las tiendas donde compro y las listas de streaming que sigo, el disco aparece con regularidad, mientras que otros grandes títulos de Coltrane como «Giant Steps» o «Blue Train» suelen quedar en un segundo plano, aunque también tienen su público fiel. En lo personal, cada vez que oigo «A Love Supreme» me recuerda por qué el jazz puede ser tan transformador: tiene una fuerza que sigue moviendo a la gente a comprar el disco, asistir a conciertos y recomendarlo entre amigos. Esa conexión es, creo, la razón principal por la que triunfa en España.

Me gusta pensar en las biografías como mapas sonoros que te llevan por cada curva de la vida de un músico, y para John Coltrane el mapa más detallado que conozco es «John Coltrane: Su vida y su música» de Lewis Porter. Este libro no es sólo cronología: es un análisis minucioso de la evolución estilística, de las grabaciones clave y de cómo su lenguaje armónico y rítmico fue cambiando con los años. Porter combina entrevistas, documentación y transcripciones musicales que ayudan a entender por qué cada periodo de Coltrane suena distinto, desde sus inicios hasta la fase más espiritual y experimental. Si buscas una biografía en español que te ofrezca profundidad académica sin perder el pulso humano, esta es mi recomendación principal. Eso sí: hay que estar dispuesto a leer algo con cierta densidad técnica en partes, pero también con muchas recompensas —te hará volver a los discos con oídos nuevos. Personalmente, releer las secciones sobre «Giant Steps» y las sesiones de Impulse! me cambió la forma en que escucho solos y estructuras; es de esas lecturas que te acompañan cada vez que pones un LP de Coltrane.

Me encanta cómo un solo de saxo puede cambiar la manera en que escuchas una ciudad. Recuerdo una noche en Barcelona, con una copa barata y un vinilo de «A Love Supreme» golpeando las paredes del local: la intensidad de Coltrane no era solo técnica, era una forma de sentir el tiempo y la melodía. Desde ese punto, guardé la idea de que su legado llegó a España sobre todo a través de discos, radios y músicos que trajeron aquellas revoluciones armónicas a nuestras jam sessions. Si tengo que concretar, diría que la influencia de Coltrane en el jazz español no fue siempre literal —no fue un visitante omnipresente ni un mentor institucional— pero sí fue seminal en la forma en que muchos saxofonistas y pianistas articularon ideas nuevas. Su exploración modal y su obsesión por la intensidad y la búsqueda espiritual encontraron eco en artistas que mezclaron jazz con flamenco y ritmos ibéricos: la libertad de «sheets of sound» se adaptó a los palos y a las afinaciones españolas. Al final, lo que más me impresiona es cómo su música funcionó como un puente. Le dio a varias generaciones de aquí un vocabulario para romper estructuras rígidas, y por eso, aunque no veas a Coltrane en cada esquina, su manera de entender el fraseo y la profundidad está en muchas grabaciones y en la actitud improvisadora de buena parte del jazz español actual. Esa huella me sigue pareciendo hermosa y viva.

Me gusta pensar en cómo la música nos encuentra en los sitios menos esperados, y con Coltrane pasa igual en España: no suele haber festivales permanentes dedicados únicamente a John Coltrane, pero su voz y su saxofón aparecen muchas veces en el calendario jazzístico del país. He asistido a varias noches en las que bandas tributaban «A Love Supreme» o recreaban piezas de su etapa modal, sobre todo dentro de festivales más grandes como «Jazzaldia» (San Sebastián), el festival de Vitoria y el Festival de Jazz de Barcelona. Allí suelen programarse conciertos temáticos, sesiones de homenaje o montajes de bandas que revisitan su legado; incluso pequeñas salas y ciclos locales organizan noches tributo con músicos locales que beben directamente de su lenguaje. Es fácil encontrar en ciudades como Madrid, Barcelona o San Sebastián conciertos puntuales dedicados a Coltrane, más que un festival anual exclusivamente suyo. En lo personal, disfruto mucho cuando un festival mezcla homenajes con conversaciones y talleres: esas veladas me parecen la forma más viva de mantener presente a Coltrane, porque no sólo suenan sus temas, sino que se explican, se estudian y se reinterpretan. Con el centenario de su nacimiento en 2026, no me sorprendería ver más programaciones y eventos especiales en España; la música de Coltrane sigue convocando y renovando a generaciones, y eso se siente muy vivo aquí.

Recuerdo la primera vez que vi a Ellar Coltrane en pantalla y pensé cuánto pesaba esa naturalidad: nada falso, todo orgánico. En «Boyhood» esa naturalidad no fue solo actuación, fue crecer frente a la cámara, y eso marcó su sello inicial. Al principio su estilo se basaba en la mirada observadora, en reacciones contenidas que decían más que cualquier diálogo; parecía que la cámara solo estaba captando momentos de verdad, y él respondía desde el instinto más que desde la técnica consciente. Con el tiempo he notado que esa reacción instintiva se ha ido moldeando en algo más complejo. No ha perdido la autenticidad, pero ahora hay intención: gestos más medidos, silencios que saben a decisión y una economía emocional que evidencia aprendizaje. Ha explorado roles que requieren no solo ser, sino construir personaje; eso obliga a controlar la voz, la postura y la manera de ocupar el espacio. También creo que colaborar con directores distintos le ha enseñado a adaptar su estilo sin renunciar a la frescura que lo hizo reconocible. Al mirar su evolución siento que está transitando de ser un rostro que crece a convertirse en un actor que decide. Mantiene la transparencia de sus comienzos, pero suma herramientas: técnica, elección de proyectos y riesgos en personajes menos complacientes. Personalmente, me emociona ver cómo equilibra esa inocencia original con una madurez interpretativa que promete variedad y profundidad en su filmografía futura.

Me fascina la relación casi íntima que tiene cada saxofonista con su saxo tenor: no es tanto el modelo en sí, sino la combinación de instrumento, boquilla, caña y boca que define el sonido. No existe un único “modelo de jazz” obligatorio; aun así, hay familias de saxos y bocas que históricamente han atraído a solistas porque facilitan el tipo de proyección, mezcla armónica y flexibilidad que el jazz demanda. Entre los cuerpos, los Selmer vintage (especialmente el legendario Mark VI) suelen aparecer en la conversación por su sensibilidad y color, mientras que marcas modernas como Yamaha, Yanagisawa, Keilwerth, Conn, King o P. Mauriat ofrecen perfiles distintos que muchos jazzistas usan con gusto dependiendo del carácter que busquen: cálido, nasal, oscuro o muy brillante y directo. Lo que realmente transforma el tono de un solista con más rapidez que el propio cuerpo del saxo es la boquilla y la caña. En el mundo del jazz hay preferencias claras: boquillas de metal tienden a proyectar y cortar la mezcla, algo valorado en big bands y en solos potentes; boquillas de ebonita o caucho dan matices más redondos y flexibles, ideales para tonos más redondos y “blandos”. Modelos como Otto Link (en sus distintas variantes), Meyer, Dukoff, JodyJazz y Vandoren aparecen mucho entre los solistas por sus diferentes caras sonoras. La apertura de la boquilla y la curvatura del facing influyen en la resistencia y el color, y la elección de la caña (marca, corte, fuerza) remata la ecuación: muchos solistas de jazz trabajan entre 2½ y 4 en fuerza según la boquilla, el repertorio y el estado físico del día. Otro elemento clave es la caña o boquilla metálica del cuello (bocal/neck): un cuello diferente puede cambiar respuesta y afinación casi tanto como una boquilla distinta. Al final, recomiendo pensar en esto como un laboratorio personal: no hay una receta única que garantice “sonar a jazz”. Los factores prácticos también pesan: un saxofón vintage muy buscado puede costar una fortuna y requerir mantenimiento, mientras que modelos actuales ofrecen consistencia y ajuste moderno. El estilo musical condiciona la elección: un tenor para bebop y líneas rápidas puede necesitar una respuesta distinta a la de un tenor enfocado en ballads o en tonos más oscuros. Personalmente he probado combinaciones muy distintas y siempre vuelvo a la idea de que la boquilla y la caña cambian la voz más radicalmente que el cuerpo; sin embargo, el confort del instrumento, cómo encaja en tu embocadura y la relación emocional con su sonido son decisivos. Si lo que te interesa es experimentar, probar distintas bocas y cañas sobre un saxo que te guste es el camino para encontrar ese timbre propio que define a cada solista.

Me encanta hablar de música y giras, especialmente cuando se trata de leyendas como Elton John. Si hay algo que aprendí siguiendo su carrera es que sus movimientos siempre generan expectación, pero en este caso, tengo que ser honesto: Elton John anunció su retiro de los escenarios después de su gira «Farewell Yellow Brick Road», que concluyó en 2023. Esta gira fue precisamente su despedida, un tour monumental que duró años y recorrió el mundo entero, incluyendo varias fechas en España. Dicho esto, aunque no hay planes oficiales de que regrese a los escenarios en 2024 —ni en España ni en otro lugar—, nunca se puede descartar completamente que un artista de su talla decida hacer algo especial. Elton es conocido por su energía y su amor por la música, así que aunque no hay nada confirmado, siempre queda la esperanza de que algún día sorprenda con un concierto único. Mientras tanto, los fans podemos disfrutar de su vasta discografía y de las grabaciones de sus conciertos pasados, que son verdaderas joyas. Si te interesa verlo en vivo, te recomendaría estar atento a sus redes sociales o páginas oficiales por si hay algún anuncio inesperado, pero por ahora, parece que su etapa de giras ha llegado a su fin. Qué privilegio haber vivido en la misma época que un icono como él, ¿no crees?

Recuerdo perfectamente las fotos en las que la banda aparecía en blanco y negro, y allí estaba John McVie: firme, con el bajo siempre al fondo sosteniendo el pulso de la música. Durante la etapa que muchos llaman la época clásica de «Fleetwood Mac» —la que incluye los discos «Fleetwood Mac» (1975) y «Rumours» (1977), y las giras que siguieron— John fue parte integral del grupo y prácticamente estuvo en todas esas giras como miembro del quinteto clásico. Su papel no era el de frontman, pero sin su línea de bajo muchas de esas canciones no habrían tenido la misma fuerza ni groove. He leído y visto setlists y material de archivo de aquellos años: John aparece en los conciertos, en la promo y en las grabaciones en vivo. Incluso en las giras posteriores de la banda, cuando hubo reuniones puntuales como la de «The Dance» en 1997, John volvió a estar en el escenario con el resto. A nivel emocional, siempre me parece lógico: él forma parte del núcleo rítmico con Mick y durante esas giras clásicas su presencia era constante y fundamental para el sonido que todos asociamos con esa época.

En el mundillo de los ensayos y los bares, afinar un saxo tenor suele ser un ritual casi tan importante como la primera nota del solo. Yo empiezo siempre con un largo: un tono sostenido para escuchar si la nota está cerca del 'A' de referencia. Si suena demasiado agudo tiro un poco el cuerpo del boquillero hacia fuera; si está grave, lo meto más. También ajusto la embocadura y la caña, porque la tensión y la humedad cambian el diámetro sonoro y, con ello, la afinación. Antes de salir al escenario muchas veces comprobamos con un teclado o un afinador electrónico y hacemos un pequeño ajuste de grupo: el piano marca el concierto y nosotros, como saxo tenor en si bemol que suena una novena por debajo de lo escrito, nos adaptamos a esa referencia. Para mí es una mezcla de oído, memoria muscular y sentido común; no hay nada como ese primer tono largo para sentir dentro del conjunto si todo está en su sitio.