100 Momentos

Me quedé dándole vueltas a cómo podría cerrarse realmente «Kimi no Koto ga Daidaidaidaidaisuki na 100-nin no Kanojo» y lo que ese final diría sobre el tono de la obra.

Desde lo factual, la historia —tanto el manga como la adaptación al anime— no ha ofrecido un desenlace definitivo que cierre la premisa de las cien novias; la serie avanza por arcos y personajes, mostrando muchas relaciones episódicas y el crecimiento emocional del protagonista, pero la trama central del “por qué” y el destino final queda abierta en el material disponible hasta ahora. Si pensamos en un cierre plausible, imagino uno que resuelva la maldición o condición que empuja la premisa, pero sin convertirlo en un cuento de hadas sencillo: sería más creíble un epílogo donde el protagonista comprende la responsabilidad de sus afectos y las chicas siguen siendo individuos con agencia, no simples trofeos.

Personalmente, me gusta la idea de un final que subraye el respeto mutuo: que cada relación haya servido para enseñar algo, que no se trivialice el dolor ni el amor, y que el cierre sea a la vez emotivo y reflexivo. Así, el significado sería menos sobre ‘conseguir a la pareja perfecta’ y más sobre aprender a querer sin poseer; eso me parecería un cierre honesto y acorde con el tono mezcla de comedia y ternura que tiene la serie.

Me encanta coleccionar merchandising de series, y «The 100» es una de mis favoritas. En España, hay varias opciones para conseguir productos relacionados. Tiendas online como Redbubble o Etsy tienen diseños únicos de artistas independientes, desde camisetas hasta tazas con frases icónicas de la serie. También recomiendo echar un vistazo en Amazon España, donde suelen vender figuras, pósters y otros artículos oficiales.

Para quienes prefieren comprar en físico, FNAC y El Corte Inglés tienen secciones dedicadas a series, aunque la disponibilidad puede variar. Si buscas algo más exclusivo, como réplicas de los walkie-talkies o el collar de Clarke, eBay es una buena opción, aunque hay que tener cuidado con los vendedores y los precios. Al final, todo depende de lo que busques y cuánto estés dispuesto a invertir en tu colección.

Me encanta hablar de «The 100», porque es una de esas series que empiezas sin muchas expectativas y termina enganchándote con su mezcla de ciencia ficción y drama humano. En España, la serie tuvo un total de 7 temporadas, cada una con su propio ritmo y giros inesperados. La primera temporada fue más terrestre, centrada en la supervivencia, pero luego evolucionó hacia temas más complejos como inteligencia artificial y civilizaciones alienígenas. Lo que más me sorprendió fue cómo los personajes crecieron (o decayeron) moralmente, especialmente Clarke y Bellamy.

La última temporada dividió a los fans, pero personalmente disfruté cómo cerraron ciertos arcos, aunque algunos finales fueron controvertidos. Si alguien está pensando en verla, le recomendaría que aguante hasta la temporada 3, donde la trama da un giro fascinante con el tema de la IA. Eso sí, prepárense para sufrir con algunas muertes impactantes, porque los creadores no tienen piedad con sus personajes.

Me sorprende cómo dos palabras latinas pueden condensar una filosofía entera: 'memento vivere' significa, literalmente, 'recuerda vivir'.

Lo interpreto como un recordatorio activo: no solo reconocer que estoy vivo, sino elegir qué clase de vida quiero tener. En mi día a día eso se traduce en apagar el teléfono por las mañanas, leer sin prisas, y tomar decisiones que alimenten lo que realmente me importa. A diferencia de 'memento mori' —la clásica advertencia sobre la muerte—, esto empuja hacia la afirmación: vive con intención, con presencia.

En las conversaciones con amigos suele salir como una invitación a aprovechar el presente sin caer en la urgencia estéril de hacer todo ya. Para mí es una frase que funciona como un timbre: cuando la recuerdo, relativizo preocupaciones pequeñas y vuelvo a lo que me aporta alegría y sentido. Al final, es un empujón suave para no dejar la vida en piloto automático.

No puedo negar que un documental de 100 minutos puede atraparme por completo si está bien construido.

Yo disfruto cuando el ritmo respeta la curiosidad: una introducción potente, un desarrollo que dosifica información y momentos emocionales, y un cierre que deja algo para rumiar. Películas como «Citizenfour» o «Blackfish» usan ese tiempo para profundizar sin agobiar; combinan testimonios, datos y escenas que cambian la energía justo cuando la atención empieza a decaer.

Si el tema me interesa, esos 100 minutos vuelan; si no, cualquier exceso de digresiones o énfasis en detalles técnicos puede volverlo pesado. Para que funcione, además del guion y la edición, ayudan la música, la variedad visual y una estructura que respete pausas y clímax. Personalmente, cuando salen bien, termino pensando en el tema varios días después, y eso para mí es la señal de que la duración fue la correcta.

Siempre me pierdo felizmente entre estanterías cuando busco guías de montaña y, con «100 cims», la cosa suele ser una pequeña aventura: en España lo más rápido suele ser mirar las grandes tiendas online y las cadenas que mueven mucho stock. Yo primero compruebo en Casa del Libro y Fnac porque suelen tener envíos rápidos y posibilidad de recoger en tienda; ambas plataformas permiten ver ediciones y si hay ejemplares en catalán o castellano. Amazon.es también suele tenerlo, a veces de terceros o en edición nueva, así que conviene fijarse en la edición y el ISBN antes de darle a comprar.

Si prefieres tocar el libro antes de llevártelo, te recomiendo mirar en librerías especializadas en montaña o en secciones de naturaleza: Librería Altaïr (Barcelona), La Central y las librerías independientes de tu provincia frecuentemente traen guías regionales. En Cataluña es habitual que la federación de clubes de montaña (FEEC) o las tiendas de los centros excursionistas publiquen o distribuyan ejemplares relacionados con el reto de «100 cims», así que merece la pena consultar su web o las secciones de publicaciones locales.

Para opciones de segunda mano o descatalogados no me olvido de Todocolección, IberLibro/AbeBooks y Wallapop: allí pueden aparecer ejemplares difíciles de encontrar o ediciones antiguas a buen precio. Mi truco final es guardar la búsqueda en varias webs y activar alertas: suele aparecer exactamente cuando menos lo esperas, y entonces me doy el gusto de comprar el ejemplar que llevaba tiempo buscando.

Me puse a ordenar en mi cabeza qué momentos han moldeado lo que hoy conocemos como la animación española, y al hacerlo me sorprendí por la mezcla de nostalgia, golpes de suerte y decisiones institucionales que aparecen una y otra vez.

1. El legado de «Garbancito de la Mancha» como semilla histórica; 2. El impulso de la animación infantil con «Pocoyó» y su éxito mundial; 3. El estreno y repercusión internacional de «Chico & Rita»; 4. La llegada de grandes coproducciones europeas que abrieron puertas; 5. El boom de «Tadeo Jones» y sus secuelas como fenómeno comercial; 6. La producción de «Planet 51» que visibilizó estudios españoles en 3D; 7. La aparición de festivales nacionales dedicados a la animación; 8. Las nominaciones y exhibiciones en festival de Annecy de cortos españoles; 9. La consolidación de Ilion y otros estudios de efectos como centros de talento; 10. El reconocimiento de «Arrugas» por adaptar cómics adultos a animación; 11. El auge de cortometrajes premiados en circuitos internacionales; 12. El crecimiento del sector de animación para televisión infantil; 13. La profesionalización de perfiles técnicos (rigging, compositing) en España; 14. La inversión creciente en animación por parte de cadenas públicas y privadas; 15. La sinergia entre cómics españoles y cine de animación; 16. El uso creciente de técnicas híbridas 2D/3D; 17. La apuesta por historias adultas y arriesgadas; 18. El resurgir de proyectos de animación stop-motion en estudios pequeños; 19. La presencia constante en los premios Goya de títulos animados; 20. La llegada de plataformas de streaming que encargaron series y películas desde España; 21. El impacto visual y narrativo de «Buñuel en el laberinto de las tortugas»; 22. La visibilidad internacional de cortos como carta de presentación de nuevos talentos; 23. El fortalecimiento de redes de financiación europeas; 24. La creación de escuelas especializadas y másters en animación; 25. El crecimiento del mercado de licencias y merchandising para productos animados españoles; 26. La colaboración entre estudios españoles y productoras de América Latina; 27. El éxito de franquicias nacionales que consolidaron empleo en el sector; 28. La aparición de colectivos indie que explotaron canales digitales; 29. La profesionalización del doblaje y la música en proyectos animados; 30. La consolidación de jornadas y ciclos universitarios sobre animación; 31. El uso de la animación como herramienta publicitaria innovadora; 32. La recuperación y restauración de clásicos animados españoles; 33. La creación de residencias y becas para animadores emergentes; 34. El aumento de rodajes y preproducciones en estudios españoles para producciones internacionales; 35. La relevancia de cortos experimentales que jugaron con la forma; 36. La expansión de la animación educativa y documental en formato animado; 37. La profesionalización de productores dedicados exclusivamente a animación; 38. La visibilidad en mercados internacionales como MIPCOM y Cartoon Forum; 39. La aparición de agencias de distribución especializadas en animación española; 40. El éxito en taquilla de largometrajes animados nacionales; 41. El interés por adaptar literatura española al lenguaje animado; 42. El fortalecimiento de la animación publicitaria de alto presupuesto; 43. La colaboración universidad-industria en proyectos experimentales; 44. La llegada de tecnologías de animación en la nube que facilitaron coproducciones; 45. La creciente calidad del storyboard y dirección artística locales; 46. El impulso de cortos sociales y políticos con gran eco en festivales; 47. La internacionalización del talento español en efectos y animación; 48. El reconocimiento de jóvenes directores en circuitos internacionales; 49. La producción de series animadas para adolescentes con tono adulto; 50. La apertura de acuerdos de coproducción con Francia y Reino Unido; 51. El papel de pequeñas productoras que arriesgaron formatos experimentales; 52. La creación de hubs de animación en ciudades fuera de Madrid y Barcelona; 53. La contribución de la animación en videojuegos con narrativa cinematográfica; 54. La visibilidad de cortometrajes españoles en festivales de cine generalistas; 55. El uso del crowdfunding para sacar adelante proyectos personales; 56. La aparición de estudios especializados en animación para publicidad y VR; 57. La atención mediática a proyectos animados con temática histórica española; 58. La profesionalización del pipeline de producción en estudios medianos; 59. La apuesta por doblajes originales para mercados internacionales; 60. El relevo generacional en dirección y guion dentro del sector; 61. La hibridación con artes plásticas y la aparición de animación de autor; 62. Los acuerdos internacionales de distribución que llevaron títulos españoles a salas extranjeras; 63. La creación de premios específicos dentro de festivales nacionales; 64. La visibilidad de mujeres directoras y creadoras en proyectos clave; 65. El impulso de series cortas pensadas para plataformas móviles; 66. La exportación de formatos televisivos de animación a mercados latinos; 67. El uso narrativo de la animación para revisar memoria histórica; 68. La profesionalización del diseño de personajes en estudios locales; 69. Los hitos técnicos: render farms propias y pipelines optimizados; 70. La aparición de procesos de previsualización más complejos en proyectos nacionales; 71. La cooperación entre centros de investigación y estudios para innovación; 72. Los estrenos en salas de festivales que luego encontraron público ampliado; 73. El éxito de cortos de animación en redes sociales como trampolín; 74. La consolidación de estudios independientes con alcance internacional; 75. La proliferación de booktrailer y piezas promocionales en animación; 76. El intercambio de talento con la industria del cine y la televisión convencional; 77. La apuesta por adaptar tebeos y novelas gráficas españolas; 78. La exploración de la animación como formato para música y videoclips; 79. La presencia de animación española en programas infantiles internacionales; 80. El papel de festivales de ciudad que apoyan a creadores locales; 81. La diversificación de estéticas: desde lo minimalista hasta lo barroco; 82. La profesionalización de la animación de efectos para publicidad; 83. La presencia de la animación española en escuelas de arte internacionales; 84. La llegada de mentoring y aceleradoras para proyectos animados; 85. El estreno de largometrajes que apostaron por guiones maduros y crudos; 86. La visibilidad de historias LGBTQ+ y diversas en la animación nacional; 87. La consolidación de productoras medianas que mantienen varias líneas de proyecto; 88. La apuesta por doblajes y versiones internacionales para ampliar mercado; 89. El impacto de iniciativas públicas de apoyo por comunidades autónomas; 90. La recuperación de técnicas tradicionales en clave contemporánea; 91. La aparición de guionistas especializados en formatos animados; 92. El crecimiento del sector de animación en ferias de empleo y formación; 93. La exportación de series de animación para plataformas infantiles; 94. El engagement de audiencias jóvenes con contenido animado español; 95. La colaboración con músicos españoles para bandas sonoras memorables; 96. La experimentación en formatos verticales y episodios cortos; 97. La consolidación de una nueva generación de directores con voz propia; 98. El uso de la animación para campañas sociales y educativas; 99. La presencia creciente en programas de televisión de prime time; 100. La sensación general de que la animación española ya no es solo nicho sino industria con voz propia.

Me quedo con la idea de que esos 100 puntos no son una cronología cerrada, sino nodos donde la creatividad, la industria y la cultura se han encontrado para empujar la animación española hacia un presente cada vez más plural y prometedor, y me alegra ver cómo cada nueva generación retoma y reinventa esas señales.

Me llamó la atención desde el principio cuánto divergen la novela y la serie pese a compartir la misma idea básica: 100 jóvenes enviados a la Tierra. En mi lectura sentí que el libro se concentra más en el romance y la tensión juvenil, con capítulos que alternan puntos de vista y un ritmo propio de novela juvenil. Las motivaciones de los personajes son, en general, más directas y menos contaminadas por las enormes tramas políticas que introduce la serie.

La serie, en cambio, amplía y oscurece el universo: añade mitologías, líneas argumentales y personajes que no están en la novela, o que tienen destinos distintos. Muchos personajes cambian de matiz —unos se vuelven más duros, otros muestran aristas nuevas— y varias muertes, alianzas y giros ocurren de forma diferente. Si disfrutas del drama romántico ligero, el libro te puede gustar; si prefieres dilemas morales complejos y worldbuilding expandido, la serie tiene más de eso.

En definitiva, leer «Los 100» y ver la serie es como escuchar dos versiones de la misma canción: comparten la melodía, pero los arreglos y los solos cambian. Yo las disfruto por separado y a la vez: la novela me ofrece una lectura rápida y emocional, la serie me obliga a pensar en las consecuencias más crudas de sobrevivir en ese mundo.

Con un mapa arrugado en la mochila y la emoción de tachar la primera cima, me lancé a planear cuánto podía tardar en completar las «100 cims». Si calculas por experiencia realista, la respuesta depende mucho de tu ritmo, disponibilidad y del tipo de cimas que elijas: hay montes accesibles que se suben en dos horas y otras cimas que exigen jornada completa y viajes largos. Si solo vas los fines de semana y haces una salida por fin de semana, te salen alrededor de dos años; si logras encadenar dos cimas en un fin de semana de forma habitual, puedes cerrar el reto en unos 12 a 18 meses.

Si eres de los que puede permitirse escapadas largas y acumulas varios días seguidos de marcha, es posible condensarlo en cuatro a seis meses, pero eso requiere buena forma física, planificación y algo de suerte con el tiempo. También hay quienes lo hacen a plazos mucho más prolongados —tres, cuatro o incluso cinco años— porque prefieren disfrutar cada ascenso, tomar fotos y no convertirlo en una carrera. Ten en cuenta además el factor logístico: viajes, accesos, permisos puntuales y la temporada del año influyen en la cadencia.

En mi caso, combiné fines de semana, algún puente y salidas entre semana; no fue una carrera, sino una colección de paisajes y anécdotas. Si quieres un número concreto para guiarte: planifica pensando en 1 cima/fin de semana = ~2 años; 2 cimas/fin de semana = ~1 año; enfoque intensivo = 4–6 meses. Pero la cifra más valiosa no es el tiempo: es cuánto disfrutas las subidas en el camino hacia la meta.

Hace mucho que guardo una libreta con escenas que me hicieron temblar, reír o quedarme en silencio, así que aquí voy con una lista lo más honesta y amplia posible: 100 momentos de libros españoles que considero especialmente impactantes.

1. «Don Quijote de la Mancha» — El ataque a los molinos de viento y la mezcla de heroicidad y tragicomedia.
2. «Don Quijote de la Mancha» — La caída del caballero y la ternura de su locura.
3. «La Celestina» — La muerte de Calisto y el fracaso de la pasión.
4. «La Celestina» — El desenlace de la trama y la sensación de corrupción moral.
5. «El Lazarillo de Tormes» — La astucia del mozo para sobrevivir junto al ciego.
6. «El Lazarillo de Tormes» — El episodio del clérigo y la crítica social.
7. «La Regenta» — La humillación pública y el drama interior de Ana Ozores.
8. «La Regenta» — El conflicto entre deseo y apariencia social.
9. «Fortunata y Jacinta» — El choque de clases y la tragedia íntima.
10. «Fortunata y Jacinta» — Los celos, la maternidad y la decadencia moral.
11. «Niebla» — El diálogo con el autor que quiebra la ficción.
12. «San Manuel Bueno, mártir» — La confesión final sobre la fe y la duda.
13. «La casa de Bernarda Alba» — El grito de Adela y la opresión familiar.
14. «Bodas de sangre» — La fuga de los amantes y la violencia del destino.
15. «Yerma» — La desesperación por no ser madre y su fatídica resolución.
16. «La vida es sueño» — El instante en que Segismundo abre los ojos al mundo y a la libertad.
17. «Fuenteovejuna» — La justicia colectiva contra el señor feudal.
18. «Luces de bohemia» — La muerte de Max Estrella y el esperpento social.
19. «La colmena» — El retrato coral de la posguerra y la escena de la pensión como microcosmos.
20. «Tiempo de silencio» — La sensación de asfixia intelectual en la ciudad.
21. «Nada» — La llegada a Barcelona y la soledad absoluta de Andrea.
22. «El Jarama» — La jornada anodina que revela la miseria existencial.
23. «El árbol de la ciencia» — La crisis vital y la pérdida de idealismo.
24. «La familia de Pascual Duarte» — La violencia extrema y la confesión final.
25. «La voz dormida» — La cárcel y la resistencia femenina durante la posguerra.
26. «Soldados de Salamina» — El gesto de humanidad en la guerra y la reconstrucción de la memoria.
27. «La sombra del viento» — El descubrimiento del libro maldito y su misterio.
28. «El club Dumas» — La búsqueda obsesiva de manuscritos y el juego entre realidad y ficción.
29. «La tabla de Flandes» — El tablero como clave de un crimen literario.
30. «La piel del tambor» — El secuestro y los conflictos en una catedral contemporánea.
31. «Cinco horas con Mario» — El monólogo que abre heridas familiares y confesiones.
32. «Los santos inocentes» — La humillación y la violencia simbólica hacia los pobres.
33. «El hereje» — La soledad frente a la ortodoxia y la persecución social.
34. «El camino» — La marcha del pueblo y la melancolía por la infancia perdida.
35. «Misericordia» — La compasión en medio de la miseria urbana.
36. «Los pazos de Ulloa» — La decadencia aristocrática y su desenlace trágico.
37. «Marianela» — La ceguera, el amor imposible y el sufrimiento final.
38. «La dama del alba» — La aparición de la Peregrina y la mezcla de mito y realidad.
39. «La forja de un rebelde» — La formación en la dureza social y política.
40. «Platero y yo» — El adiós a Platero y la ternura cotidiana que conmueve.
41. «Poeta en Nueva York» — Las imágenes urbanas que desgarran el alma.
42. «Obabakoak» — Historias de pueblo que condensan lo universal y lo local.
43. «El príncipe destronado» — La perspectiva infantil frente al dolor adulto.
44. «Réquiem por un campesino español» — El crimen y la culpa en clave de memoria.
45. «La colmena» (de nuevo, por su densidad) — Escenas de supervivencia moral en la posguerra.
46. «El perro del hortelano» — La comedia de honor y deseo que desemboca en catarsis.
47. «El alcalde de Zalamea» — La defensa del honor y la justicia popular.
48. «La vida del Buscón» — La humillación picaresca y la sátira social.
49. «Tirano Banderas» — La caricatura del poder dictatorial y su caída.
50. «La voz a ti debida» — Un poema cuyo verso cala y queda para siempre.
51. «Las edades de Lulú» — La exploración de la pasión y sus límites.
52. «El jinete polaco» — La memoria familiar frente al pasado histórico.
53. «Plenilunio» — El hallazgo brutal que sacude a la ciudad contemporánea.
54. «El corazón helado» — Pasados secretos y heridas familiares que emergen.
55. «Inés y la alegría» — La entrega política vista desde la intimidad.
56. «La sombra del viento» (otras escenas) — El cementerio de libros y la infancia descubridora.
57. «La voz dormida» (fragmentos) — La solidaridad entre mujeres en la adversidad.
58. «Las ratas» — El relato de miseria y sobrevivencia en clave social (Miguel Delibes, «Las ratas»).
59. «Los hermanos Carbajal» — Momentos de lealtad y traición en novelas de ambientación social.
60. «Soldados de Salamina» (otros fragmentos) — El rescate de la memoria colectiva.
61. «Últimas tardes con Teresa» — Barcelona, deseo y desencanto juvenil.
62. «Si te dicen que caí» — La violencia urbana y el retrato del barrio.
63. «La voz humana» — El monólogo que destila soledad y dependencia emocional.
64. «La isla del tesoro» — (versión española o adaptaciones) El hallazgo que simboliza la traición y la aventura.
65. «La tía Tula» — El conflicto entre deber y afecto familiar.
66. «La mujer nueva» — La ruptura de roles y la modernidad en conflicto.
67. «La lluvia amarilla» — La soledad final en medio de un pueblo en ruinas (de Julio Llamazares: «La lluvia amarilla»).
68. «La lluvia amarilla» (escena del abandono) — La clausura de una vida y la memoria del lugar.
69. «El lugar sin límites» — El drama social y la violencia simbólica hacia lo distinto.
70. «Boquitas pintadas» — El chisme social que destruye vidas (aunque es argentino, incluyo títulos que marcaron en español contemporáneo).
71. «La noche de los tiempos» — (título popular) La evocación de amores imposibles a través de la historia.
72. «El jinete polaco» (fragmento) — El regreso inesperado y la carga emotiva.
73. «Soldados de Salamina» (imagen final) — La luz que salva a un hombre y la reconstrucción narrativa.
74. «Tiempo de silencio» (escena clínica) — El vértigo científico y la impotencia humana.
75. «La familia de Pascual Duarte» (final) — La confesión que es también condena moral.
76. «La Regenta» (escena del confesionario) — La ambivalencia entre salvación y condena.
77. «Don Juan Tenorio» — La redención final y la mezcla de lo trágico y romántico.
78. «El sí de las niñas» — La liberación de una joven frente a la presión social.
79. «El burlador de Sevilla» — El castigo final y la moraleja sobre el exceso.
80. «Guzmán de Alfarache» — Episodios picarescos que muestran la dureza de la supervivencia.
81. «Miau» — (Benito Pérez Galdós) La crítica a la administración y la desazón familiar.
82. «Tormento» — La pasión destructiva y la tragedia moral.
83. «La desheredada» — Los choques sociales y la caída personal.
84. «Tiempo de silencio» (otro momento) — El laboratorio como metáfora de alienación.
85. «El amor brujo» — (Lorca en musicalización) La pasión y la muerte en clave flamenca.
86. «El coronel no tiene quien le escriba» — (García Márquez es colombiano, lo cito por su impacto en lengua española) La espera que consume.
87. «La sombra del viento» (desenlace) — La redención que llega tarde pero salva la memoria.
88. «La voz dormida» (último acto) — La dignidad frente a la represión.
89. «El hereje» (climax) — La renuncia pública a la falsedad impuesta por la masa.
90. «La dama del alba» (final) — La reconciliación entre vida y muerte.
91. «La colmena» (escena de despedida) — Rostros que pasan y se quedan en la memoria social.
92. «Don Quijote» (final) — La lucidez que vuelve y la ironía de la derrota.
93. «La familia de Pascual Duarte» (registro íntimo) — La brutalidad que es espejo de la sociedad.
94. «La Regenta» (última imagen) — La imposibilidad de escapar al destino social.
95. «La lluvia amarilla» (cierre) — La soledad que se vuelve paisaje.
96. «Platero y yo» (último paseíto) — La sensibilidad ante lo mínimo que conmueve.
97. «Soldados de Salamina» (reflexión) — La escritura como acto de reparación histórica.
98. «La sombra del viento» (cierta escena) — La infancia como territorio de descubrimiento y herida.
99. «El Jarama» (remate) — Lo cotidiano que muestra lo esencialmente humano.
100. «Don Quijote» (epílogo) — La muerte del idealista que deja la pregunta sobre la cordura y la locura.

He intentado mezclar épocas, géneros y tonos: del Siglo de Oro al contemporáneo, de la poesía al teatro y la novela, porque los momentos que nos atraviesan pueden venir de un verso, de una frase de despedida o de una escena colectiva. Personalmente, son los que me siguen volviendo a los libros cuando necesito entender por qué la literatura española sigue siendo tan viva y tan poderosa a la hora de conmovernos.