¿Brian May Toca Qué Guitarra En Sus Conciertos?

Me encanta fijarme en los detalles de los directos, y con Ed O'Brien pasa que sí, lleva guitarras y pedales bastante concretos, aunque siempre con margen para la experimentación. En directo suele alternar guitarras Fender —Stratocasters y Telecasters— y algunas hollowbody como las Gibson de tipo ES para tonos más cálidos. También he visto acústicas cuando el set lo pide; no es alguien que dependa de una única guitarra todo el concierto. Lo importante es que busca guitarras que respondan bien a efectos y sustain, porque gran parte de su voz guitarrera es ambiental. En cuanto a pedales, su arsenal está orientado a texturas: delays, reverbs generosas, modulaciones y looping. Pedales que aparecen con frecuencia en fotos y rig rundowns son el Line 6 DL4 (por su función de looper/sampler), pitch shifters tipo Digitech Whammy, delays analógicos y digitales como Electro-Harmonix Memory Man o unidades modernas tipo Strymon Timeline/BigSky, y cajas de reverb tipo Eventide o Strymon. También usa controladores y racks para orquestar los cambios en vivo. Al final, lo que más destaca es cómo mezcla gadgets concretos para conseguir ese mar de sonido tan suyo.

Me encanta repasar la carrera en solitario de Brian May porque muestra otra cara de su creatividad fuera de Queen. En estudio, publicó «Back to the Light» en 1992, un disco muy personal que incluye canciones como «Too Much Love Will Kill You» y «Driven by You». Después vino «Another World» en 1998, donde se nota una mezcla de rock clásico y arreglos más modernos para la época. Entre esos dos álbumes lanzó también un registro en vivo llamado «Live at the Brixton Academy» (publicado a mediados de los 90), que captura la energía de sus conciertos tras el tour de «Back to the Light». Además trabajó en bandas sonoras y proyectos puntuales; por ejemplo compuso la música para la película «Furia» a finales de los 90, que suele mencionarse cuando se repasa su discografía fuera de Queen. En conjunto, esos lanzamientos muestran cómo explora temas personales y guitarras muy características: melódicas, técnicas y con mucho corazón. Me gusta cómo cada álbum tiene su propio tono, como capítulos distintos en su trayectoria musical.

Fui al concierto y puedo decir con alegría que Pablo Benegas sí tocó la guitarra durante buena parte del show. Estuve en la grada relativamente cerca y su presencia fue notoria: arrancó con los acordes rítmicos característicos que uno espera en canciones como «La Muralla Verde» y mantuvo el pulso en los temas más coreados. No se escondió, pero tampoco estuvo buscando lucirse en cada solo; su enfoque fue más de sostén y de conectar con la banda y el público. Me llamó la atención cómo alternó entre partes limpias y rasgueos más agresivos, cuidando el sonido para que las voces y los teclados no se perdieran. Hubo dos momentos, uno en la parte central del concierto y otro en el final, donde se marcó un solo más extenso que hizo vibrar a todo el recinto; en esos pasajes sí se notó que tomó el liderazgo guitarrístico. La interacción con el público fue cercana, saludos y sonrisas, y en el encore la gente lo vitoreó porque su guitarra fue pieza clave para que el cierre fuera emotivo. En definitiva, vi a Pablo tocar y como fan me pareció que eligió bien su rol: ni siempre al frente ni escondido, sino como el pegamento que mantiene las canciones sólidas. Salí del concierto con la sensación de que su aporte fue clave para que el set funcionara armoniosamente.

Me encanta hablar de las canciones que Brian May escribió; muchas de ellas siguen siendo himnos que reconozco al instante. Entre las más famosas está «We Will Rock You», un tema que él compuso y que se volvió un golpe de estadio imprescindible por su ritmo literal de palmas y zapateo. Luego está «Tie Your Mother Down», con ese riff roquero tan directo y potente que define la actitud de Queen en los primeros discos. No puedo dejar de mencionar «Fat Bottomed Girls», una pieza con esa mezcla de humor y guitarra que siempre anima cualquier playlist. También escribió baladas y piezas más complejas como «Who Wants to Live Forever», que escribió para la película «Highlander» y demuestra su lado melancólico y orquestal. «Save Me» y «Too Much Love Will Kill You» son ejemplos de su habilidad para las melodías emotivas. Y para los fans de los solos, «Brighton Rock» y «39» muestran su técnica y sensibilidad a la hora de componer. Al final, su sello es el equilibrio entre riff memorable y melodía emocional, y eso es lo que me sigue fascinando de su legado.

Me encanta recordar cómo la carrera de Brian May no solo cambió el sonido del rock, sino que también se tradujo en reconocimientos muy variados a lo largo de los años. Además de los elogios inmediatos por su trabajo con Queen, Brian ha recibido honores oficiales como el título de CBE (Comandante de la Orden del Imperio Británico), un reconocimiento estatal que valora su aporte a la música; también acumula doctorados honoris causa por su trayectoria y su vuelta a la ciencia. Como parte de Queen ha sido ingresado en el Rock and Roll Hall of Fame, y la banda consiguió el BRIT Award por su Contribución Sobresaliente a la música. A nivel de catálogo, canciones icónicas como «Bohemian Rhapsody» han obtenido su lugar en recopilaciones y homenajes de la industria, incluyendo reconocimientos de los premios Grammy y el Grammy Hall of Fame. En resumen, su palmarés mezcla distinciones oficiales, premios de la industria y honores por su legado creativo, y eso es exactamente lo que uno espera de alguien que reinventó la guitarra en el rock clásico.

Me encanta observar cómo cambia su arsenal según la gira; la guitarra de Shaun Morgan en los conciertos no es un misterio de una sola pieza, sino más bien una colección de instrumentos que busca ese tono grave, saturado y algo rasposo que define a Seether. Normalmente lo verás con guitarras de cuerpo macizo equipadas con pastillas humbucker, porque su sonido se nutre mucho del grosor y la ganancia que ofrecen esas configuraciones. En la mayoría de los videos y fotos en directo aparece con Paul Reed Smith (PRS) y Gibson Les Paul, y de vez en cuando saca una Telecaster para canciones que piden más ataque y claridez en las armonías. Las PRS que suele usar tienden a ser Singlecut o Custom con acabado sobrio, y son perfectas para mantener nota y sustain cuando baja afinaciones (muchas canciones están en Drop D, Drop C o medio tono abajo). Las Gibson Les Paul también son muy habituales: su peso, el mástil y las humbuckers le dan esa mezcla de cuerpo y mordida que necesita para riffs gruesos y para sostener notas con mucha presencia. He visto además momentos en que usa Fender Telecaster en pasajes más limpios o para darle contraste tonal a ciertas canciones en el set; eso demuestra que su elección instrumental es práctica: busca la guitarra que mejor case con la afinación y el tipo de dinámica de cada tema. En cuanto al set-up, lo importante no es solo la marca, sino cómo las equipa: pastillas orientadas a alta salida (humbuckers), cuerdas algo gruesas para mantener tensión en afinaciones bajas, y una configuración de amplificación y pedales pensada para saturación dinámica. En directo suele apoyarse en pedales de overdrive/distorsión, compresión y efectos de modulación y delay para dar espacio a las partes más melódicas. Los amplificadores que acompañan ese montaje suelen ser marcas de alta ganancia como Mesa/Boogie o Marshall, que ayudan a proyectar ese sonido sucio pero definido que se escucha en canciones como «Broken» o «Remedy»; el resultado es un tono con cuerpo, con mucho sustain y presencia en el rango medio-bajo. Si te fijas en fotos de giras y en clips de conciertos recientes, notarás que su elección de instrumento cambia según la época y la canción, pero la coherencia tonal se mantiene: guitarras con humbuckers, afinaciones graves y una cadena de efectos pensada para que cada acorde golpee con intención. Personalmente, disfruto ver cómo adapta pequeñas variaciones de guitarra para lograr matices muy distintos en el setlist: es un recordatorio de que el sonido de un músico no depende solo del nombre de la guitarra, sino de cómo la usa y la configura en el contexto del directo.

Me encanta recordar cómo la carrera de Brian May se expande más allá de Queen: ha colaborado con un montón de artistas en distintos contextos, desde grabaciones en estudio hasta giras y conciertos benéficos. Por ejemplo, uno de los cruces más famosos es «Under Pressure», la colaboración entre Queen y David Bowie en la que la guitarra de Brian es parte esencial del tema. Más adelante, Brian formó parte de proyectos conjuntos con vocalistas de alto perfil: con Paul Rodgers se unió oficialmente en el proyecto «Queen + Paul Rodgers», grabando el álbum «The Cosmos Rocks» (2008) y girando por varios países. Después de eso llegó la fructífera etapa con Adam Lambert: «Queen + Adam Lambert» no produjo un disco de estudio conjunto, pero sí una serie de giras y actuaciones televisadas en las que Brian reinterpretó los clásicos de la banda junto a Lambert. Además de estos grandes nombres, Brian ha trabajado mucho en el mundo del teatro musical y la voz femenina contemporánea: su relación artística con Kerry Ellis es muy estrecha; produjeron y coescribieron canciones para su álbum «Anthems» y han hecho conciertos y presentaciones juntos. También ha participado en homenajes y conciertos tributo, tocando con artistas como George Michael durante el Freddie Mercury Tribute Concert, y apareciendo en distintos eventos benéficos o especiales. En lo personal, disfruto ver cómo su estilo de guitarra sigue siendo reconocible en contextos tan variados: es la mezcla perfecta entre virtuosismo y gusto por la colaboración.

Me encanta cómo un instrumento puede volverse tan personal que casi parece tener vida propia: en el caso de Keith Richards ese papel lo cumple su Telecaster apodada 'Micawber'. He visto cientos de videos y entrevistas, y lo que siempre vuelve es la imagen de Keith con esa Telecaster de los años 50 que ha modificado a su gusto. La afinación característica es la famosa afinación en sol abierto (open G), y suele tocarla como una guitarra de cinco cuerdas: elimina la primera cuerda (la mi aguda) para simplificar formas y conseguir ese ritmo crujiente y lleno de cuerpo. Ese arreglo—la guitarra vieja, las cuerdas faltantes y la afinación—es clave para el sonido de canciones como «Start Me Up» o «Brown Sugar». Además, Micawber tiene un carácter algo gastado, con la electrónica y la madera que han envejecido, lo que le da una resonancia única que no se obtiene con réplicas nuevas. No siempre usa solo esa Telecaster en concierto: a lo largo de los años ha alternado con guitarras Gibson y acústicas según la canción, pero la Telecaster de los años 50 es su sello. Personalmente, me encanta pensar que no es tanto la marca como la relación entre músico e instrumento: Keith ha hecho de esa Telecaster una extensión de su mano y su forma de tocar, y por eso suena exactamente como suena. Siempre me deja la impresión de que la guitarra se adapta a él, no al revés.

Me flipa cómo una cejilla bien puesta puede convertir una canción simple en algo con mucha presencia: de repente las progresiones suenan más llenas y puedes moverte por el mástil como si fuera un piano móvil. Si estás practicando cejillas, te recomiendo abordar canciones que te obliguen a usar las formas movibles (tipo mi mayor/mi menor y tipo la mayor/la menor) y que además te den variedad rítmica y de inversión. Por ejemplo, «Creep» de Radiohead es estupenda para comenzar: la secuencia G - B - C - Cm te hará fijarte en la B como un acorde de cejilla (forma tipo Mi), y el cambio a Cm es perfecto para practicar pasar de mayor a menor manteniendo la cejilla. Otro básico es «Hotel California» de «Eagles»: ahí aparecen F# y B que suelen tocarse con cejilla, y el trabajo de arpegio te obligará a mantener presión firme pero relajada. En otro nivel, canciones como «Black» de Pearl Jam y «Smells Like Teen Spirit» (Nirvana) te acostumbran a alternar power chords y cejillas completas; son geniales para fortalecer la mano izquierda y para trabajar ataques más agresivos. Si buscas algo más melódico y con cejillas sutiles, «Nothing Else Matters» de «Metallica» mezcla arpegios abiertos con posiciones de cejilla que requieren cambios limpios, así que te ayudará con la coordinación. Para los que quieren practicar cejillas en formas de La (A) en el mástil, «Wonderwall» de «Oasis» suele tocarse con cejilla parcial o con capo, pero tocarla sin capo usando formas movibles es un buen ejercicio para la muñeca y el control. Consejos prácticos: trabaja pausas cortas y repite transiciones problemáticas con metrónomo, no aprietes más de lo necesario (cuanto más relajas la mano, más rápido mejoras), y prueba variar el pulgar en la parte trasera del mástil para encontrar palanca. También me gusta transponer canciones con cejilla: toca una progresión en La con cejilla en quinto traste y luego súbela o bájala para sentir cómo cambia la tensión. Al final, domina un par de canciones de cada nivel (básico, intermedio, avanzado) y notarás cómo tu técnica de cejilla se vuelve natural. Me encanta ver cómo esa pequeña barra de metal o plástico te abre todo el mástil, y siempre me sorprende lo rápido que mejora la fluidez cuando te enfocas en canciones con propósito.