¿Cuál Es La Mejor Película De Luc Besson?

Siempre me ha gustado jugar al detective de catálogos cuando quiero ver una película de Luc Besson: lo primero que hago es pensar en dónde suelen caer sus títulos más míticos. En España, hay varias rutas seguras según el tipo de cinta que busques. Para sus filmes más comerciales como «El quinto elemento» o «Lucy» suelo mirar en plataformas grandes como Netflix (cuando entran en rotación), Prime Video y Movistar Plus+, que a menudo fichan estrenos y clásicos populares. Si busco algo más de culto o europeo —pienso en «El gran azul» o «Léon: El profesional»— recurro a Filmin o a MUBI, porque su catálogo curado trae obras que desaparecen de los grandes agregadores. Además, las Filmotecas y ciclos de cine (Cineteca o Filmoteca Española) reponen joyas en pantalla grande, así que merece la pena echar un ojo a su programación para recuperar películas en condiciones excelentes. Cuando todo falla, tiro de tiendas físicas o tiendas online de DVD/Blu-ray y de opciones de alquiler/compra digital en Apple TV, Google Play o Rakuten TV. En resumen, según el título y si quiero verlo en casa o en sala, combino suscripciones y alquileres digitales; al final siempre encuentro la forma de revisitar sus películas y disfrutar esos planos imposibles.

He estado revisando varias filmografías y notas de prensa para ver si Luc Besson estrenó algo como director en 2024, y lo que encontré fue bastante claro: no hay registros de una nueva película dirigida por él en ese año. Según las bases de datos públicas y los listados de festivales, el último largometraje que figura a su nombre como director es «Anna» (2019). Desde entonces se le ha asociado más con labores de producción, escritura o con proyectos en desarrollo, pero esas etapas no equivalen a un estreno como director en 2024. Personalmente me dejó un poco de nostalgia ver la ausencia de su firma en estrenos recientes: siempre he disfrutado su tono visual y su pulso para el espectáculo, así que lo que más espero es que esté planeando algo grande y que tarde o temprano lo veamos en pantalla.

Recuerdo perfectamente la sensación de ver «Léon: el profesional» por primera vez y reconocer enseguida a los actores que Besson suele reunir: Jean Reno, Gary Oldman y la joven Natalie Portman forman un núcleo inolvidable. A lo largo de su carrera he seguido esa costumbre suya de mezclar talentos franceses con estrellas internacionales; por ejemplo, en «El quinto elemento» trabajaron Bruce Willis, Milla Jovovich, Gary Oldman de nuevo, Ian Holm y Chris Tucker, lo que demuestra su ojo para el casting que combina carisma y rareza. También me gusta cómo en sus películas tempranas aparecen nombres como Isabelle Adjani y Christopher Lambert («Subway») o Jean-Marc Barr y Rosanna Arquette («El gran azul»). Y cuando pasa a producir, su influencia alcanza a Liam Neeson («Taken»), Jason Statham («The Transporter»), Jet Li («El beso del dragón») y hasta John Travolta en «From Paris with Love». Ver ese cruce entre cine francés y mainstream estadounidense siempre me ha resultado emocionante y un poco adictivo.

Siempre me ha gustado seguir a directores europeos cuando pisan tierras distintas, y con Luc Besson no es la excepción: hasta donde sé (mi último repaso fue a mediados de 2024), no hay un proyecto grande y oficialmente anunciado suyo que esté rodándose en España en este momento. Besson sigue activo como creador y productor —su nombre suele aparecer ligado a thrillers y películas de acción como «Taken», «Lucy» o «Valerian»— pero sus grandes noticias recientes han estado más centradas en coproducciones internacionales y relanzamientos, no en un rodaje netamente español. Dicho eso, no me sorprendería que trabajara aquí: España ofrece localizaciones versátiles y ventajas fiscales que atraen a cineastas de todo el mundo. Si alguien me preguntara a nivel personal, pienso que la posibilidad está abierta y que la ausencia de un anuncio público no quiere decir que no haya negociaciones o planes en marcha. Me quedo con la curiosidad de ver si pronto veremos su sello en alguna producción rodada en ciudades como Barcelona o en paisajes mediterráneos; sería una mezcla interesante con mi fascinación por los escenarios europeos.

Me encanta rastrear ediciones raras, así que siempre comparo varias tiendas antes de decidirme. Empiezo por las grandes plataformas online como Amazon.es, Casa del Libro y Fnac España: suelen tener tanto ediciones en español como traducciones o importaciones en francés. Si buscas algo concreto, como la versión infantil de «Arthur y los Minimoys» o ediciones ilustradas basadas en sus guiones, ahí aparecen rápido y con reseñas que ayudan a elegir. Luego miro los portales de segunda mano como IberLibro (AbeBooks), eBay o Todocolección: muchas piezas descatalogadas o importadas salen en esas webs. También reviso las secciones de novedades de librerías independientes y tiendas especializadas en cómic/novela gráfica en ciudades grandes; suelen poder pedir ejemplares o traerte traducciones desde Francia. Al final, combino lo práctico (envío rápido) con lo romántico (buscar en librerías físicas). Siempre acabo contento si encuentro una edición curiosa y me quedo con una sensación de pequeña victoria.

No puedo dejar de hablar de lo potente que fue su papel en «Manchester by the Sea»; para mí ahí quedó claro que Lucas Hedges no es solo un rostro agradable sino un intérprete capaz de contener un huracán emocional. En esa película su mirada comunica más que muchos diálogos, y las escenas donde enfrenta la culpa y el dolor con Casey Affleck son pequeñas lecciones de actuación sobria y efectiva. Su capacidad para resistir el melodrama y, en cambio, respirar con naturalidad los silencios, es lo que más me impresionó. Además, mirando hacia atrás, veo cómo esa nominación al Oscar por «Manchester by the Sea» no fue casualidad: fue el resultado de una mezcla de honestidad y técnica. Hedges sabe cuándo dejar que la emoción aparezca y cuándo contenerla, y ese control hace que sus escenas sean profundamente humanas. Esas mismas cualidades se repiten en otros trabajos, pero en «Manchester» se siente cristalizado, como si cada gesto tuviera peso. Me quedó la sensación de haber visto a alguien en el inicio de una carrera con mucha promesa y con una manera muy particular de conectar con el dolor ajeno y propio.

Hay algo mágico en cómo «Star Wars: Episodio IV - Una nueva esperanza» revolucionó el cine. Más allá de los efectos especiales pioneros, Lucas logró crear un universo tan rico que generó una mitología propia. La crítica destaca su narrativa clásica pero innovadora, combinando elementos de western, samuráis y ciencia ficción. Lo que más me impresiona es cómo equilibra personajes memorables (¡Han Solo es eterno!) con un mensaje atemporal sobre esperanza y rebelión. Comparada con sus secuelas o precuelas, esta película mantiene una pureza narrativa que sigue resonando décadas después.

Cuando pienso en la filmografía de Emmanuelle Béart, lo que más me sigue persiguiendo es «La Belle Noiseuse». Esa película me atrapó por completo: no es sólo una muestra de belleza visual, sino una disección lenta y brutal del proceso creativo, donde Béart tiene uno de sus papeles más complejos y maduros. Lo que me fascina es cómo su presencia ocupa la pantalla sin necesidad de grandes arrebatos; su actuación es de una precisión casi silenciosa, capaz de sostener largas escenas de tensión psicológica y corporal. La dirección de Jacques Rivette le da el espacio para respirar, y ella responde con una mezcla de vulnerabilidad y control que rara vez he visto en otras intérpretes. Recuerdo salir del cine sintiendo que había asistido a algo íntimo y serio: la película obliga al espectador a mirar el arte, el cuerpo y la verdad con la misma nitidez. Béart encarna a un personaje que es objeto y sujeto a la vez, y su química con los demás actores —sin necesidad de subrayados melodramáticos— construye una atmósfera de autenticidad. Además, la duración del filme no es caprichosa; esos minutos largos no son relleno, son espacio para que el lenguaje cinematográfico y la actuación desplieguen capas. Por eso, si alguien me pregunta por su mejor obra desde una perspectiva estrictamente artística, es difícil competir con la intensidad y la complejidad de «La Belle Noiseuse». Dicho esto, no quiero minimizar otras películas clave en su carrera: hay trabajos más populares y otros más contenidos que muestran facetas distintas de su talento. Pero lo que la distingue en «La Belle Noiseuse» es la valentía del proyecto y cómo ella se entrega a esa exigencia sin esconderse. Para mí, esa película revela a Béart como actriz completa: corporal, cerebral y emocional, capaz de transformar una premisa aparentemente simple en una experiencia cinematográfica que sigue resonando años después. Me quedo con la sensación de que allí se ve a la artista desafiándose a sí misma y, por ende, regalándonos una de sus mejores exhibiciones.

Me llevé un vuelco al ver la interpretación de Marion Cotillard en «La Vie en Rose», una de esas películas francesas que realmente se meten bajo la piel. La dirigió Olivier Dahan, un director que logró construir una biografía intensa y visualmente potente sobre Édith Piaf, cuidando tanto el detalle histórico como el pulso emocional de la historia. Recuerdo pensar que la visión de Dahan no era la típica película biográfica: se permite saltos temporales, recursos visuales dramáticos y una puesta en escena que realza la voz de Piaf sin convertirla en un simple ícono. Esa dirección fue clave para que la película llegara a los Oscar y para que Cotillard se llevara el premio a Mejor Actriz. Al final me quedó la impresión de haber visto algo valiente y doloroso a la vez; la mano de Dahan marcó el ritmo y el tono, y eso es lo que más atesoro cuando vuelvo a ver «La Vie en Rose».

Debatir sobre cuál es la mejor película de Almodóvar es como elegir un favorito entre tus hijos — cada una tiene su magia única. Pero si tengo que quedarme con una, sería «Todo sobre mi madre». Esta obra maestra no solo captura la esencia del cine almodovariano con su mezcla de melodrama, humor negro y personajes marginados llenos de humanidad, sino que también logra algo raro: convertir el dolor en belleza. La trama, centrada en Manuela y su búsqueda de redención después de una tragedia, te atraviesa como un relámpago. Cada escena está cargada de simbolismo, desde los guiños a «Un tranvía llamado Deseo» hasta las interpretaciones brutales de Cecilia Roth y Penélope Cruz. Lo que más me enamora es cómo Almodóvar juega con identidades y relaciones, creando un tapiz de emociones que oscila entre lo desgarrador y lo esperanzador. La película no solo ganó el Oscar a mejor película extranjera, sino que también redefinió lo que significa contar historias sobre mujeres complejas, sin caer en clichés. Comparada con «Hable con ella» o «Volver», «Todo sobre mi madre» tiene ese equilibrio perfecto entre caos controlado y poesía visual que hace que, incluso años después, sigas descubriendo capas nuevas. Es como ese libro que relees y siempre te sorprende.