¿Las Películas Recientes Tratan De Espiritus En España?

Me sorprendió lo mucho que circula la idea de que «La casa de los espíritus» se rodó en España, porque cuando investigas las fuentes de producción descubres que no fue así. Yo, que disfruto escudriñando los créditos y las notas de rodaje de películas antiguas, encontré que la filmación principal de la versión de 1993 se llevó a cabo fuera de España: buena parte se rodó en locaciones de México y también en países de la antigua Yugoslavia, además de interiores en estudios. Por eso muchos escenarios que parecen europeos o mediterráneos en realidad son decorados o localizaciones en el extranjero que reemplazan el Chile ficticio de la novela. Entiendo por qué hay confusión: la estética de ciertas haciendas y palacios usados en la película recuerda a monumentos españoles, y el parecido arquitectónico entre algunos enclaves coloniales mexicanos y el patrimonio hispánico hace que la memoria colectiva asocie el rodaje con España. Aun así, al revisar listados de filmación y notas de producción queda claro que no hay registros de localizaciones españolas relevantes en ese rodaje. Al final me quedó la impresión de que la película buscó lugares con atmósfera colonial y paisajes variados sin necesitar España como plató; eligieron donde les salía más conveniente y creíble para narrar esa saga familiar, y para mi gusto funcionó: la película transmite esa mezcla de lo íntimo y lo épico aunque no se filmara en suelo español.

Tengo clavada en la memoria la sensación de mirar una pantalla oscura y sentir que algo más respira detrás de la historia. Hace años que me fijo en cómo el cine español trata lo espiritual: no siempre es angelical, a menudo es triste, íntimo y muy humano. Para empezar, no puedo dejar de recomendar «El espíritu de la colmena», esa obra que convierte la curiosidad infantil en una búsqueda de lo invisible; su atmósfera es pura espiritualidad en imágenes. Le siguen títulos como «Cría cuervos», que mezcla duelo, memoria y presencias internas; y «Los Otros», que juega con el más allá desde una tensión psicológica perfecta. En clave más de terror y folclore están «El orfanato» y «El espinazo del diablo», ambas con fantasmas que luchan contra heridas históricas y personales. También hay películas que exploran religión y creencias con mirada crítica o simbólica: «Viridiana» plantea cuestiones morales y rituales, mientras que «Ágora» enfrenta ciencia y fe en un contexto antiguo. Para un toque satírico y corrosivo, «El día de la bestia» mezcla humor negro con ocultismo. Al final, lo que más me atrapa es cómo estas películas usan lo espiritual para hablar de la memoria, la culpa y la esperanza; siempre me dejan pensando en lo que no se ve.

Me encanta hablar de películas que tratan el amor sin filtros. Para mí, el ejemplo más contundente de los últimos años es «Marriage Story»: la forma en que describe la erosión cotidiana de una pareja, los malentendidos que se vuelven irreparables y la burocracia que añade dolor a algo ya frágil, se siente brutalmente verosímil. La escena del juzgado y las conversaciones a la hora de dormir muestran que el amor puede desmoronarse no por un solo gesto, sino por muchas pequeñas heridas acumuladas. Otra película que siempre recomiendo es «Portrait of a Lady on Fire», porque su dolor es silencioso y verdadero. Ahí no hay grandilocuencia; hay miradas, negaciones y la decisión de renunciar por respeto, y eso duele de otra manera, más íntima. También considero a «Drive My Car» como una mirada madura al duelo y a la complicidad rota: el cineasta utiliza el tiempo y la conversación para revelar cómo el amor persiste y cambia cuando alguien muere o se aleja. En resumen, estas películas no ofrecen consuelo fácil ni finales felices artificiales; muestran el dolor con paciencia y detalle, y por eso me remueven. Me quedo con la sensación de que el cine puede ayudarnos a entender mejor por qué amores tan valiosos acaban siendo dolorosos, y eso, aunque triste, es sanador a su modo.

Recuerdo que hace unos años me adentré en un maratón de cine de terror español y me topé con varias películas que incorporaban escenas de ouija. Una de las más impactantes fue «Verónica» (2017), dirigida por Paco Plaza. La trama gira alrededor de una adolescente que, junto a sus amigas, usa una ouija durante un eclipse solar, desencadenando eventos sobrenaturales aterradores. Lo que más me gustó fue cómo mezcla elementos reales (el caso basado en hechos reales de Estefanía Gutiérrez) con una atmósfera claustrofóbica y efectos prácticos que te hacen dudar de cada sombra. Otra joya es «Ouija» (2014), aunque esta es menos conocida. Aquí la ouija no es solo un juego, sino un portal que conecta a los personajes con fuerzas oscuras. La película juega con el suspense psicológico, haciendo que te preguntes si lo que ocurre es producto de la imaginación o algo más siniestro. Eso sí, no esperes efectos especiales al nivel de Hollywood; el terror aquí es más cerebral, y por eso mismo, más efectivo. Me encantó cómo retrata la vulnerabilidad humana frente a lo desconocido.

Tengo un recuerdo claro del impacto que tuvo «El Libro de los Espíritus» en mi manera de ver la vida: me abrió un mapa de preguntas y respuestas que conectan lo moral, lo filosófico y lo espiritual. El texto aborda primero las grandes causas: la existencia de Dios, la naturaleza del universo y el lugar del ser humano. Luego se adentra en la naturaleza de los espíritus: qué son, cómo se diferencian en grados de perfección, y cómo interactúan con el mundo material. Esa parte me pareció fascinante porque propone una jerarquía espiritual donde el progreso es continuo. Más adelante toca leyes morales y sociales —libre albedrío, responsabilidad, ley de causa y efecto— y explica la reencarnación como mecanismo de aprendizaje y reparación. También dedica capítulos a la mediumnidad, la comunicación con los espíritus y las manifestaciones que se producen entre ambos planos. En conjunto, el libro ofrece consuelo ante la muerte, criterios éticos para la vida y una visión de evolución espiritual que, personalmente, me dejó con una mezcla de inquietud y esperanza. Creo que su fuerza reside en combinar doctrina filosófica con casos prácticos y una invitación clara a mejorar como seres humanos.

Me encanta perderme en películas que te dejan la piel de gallina, y si hablamos de estrenos que se proyectaron en España hay varias que se me vienen a la cabeza por su atmósfera opresiva y momentos inquietantes. Entre las imprescindibles suelo mencionar «El orfanato», porque ese uso del silencio y la espera hasta el estallido emocional te cala hondo; la escena del muelle todavía me pone los pelos de punta. Otra que siempre recomiendo es «REC», que redefinió el found footage en España: esa sensación de claustrofobia en el edificio y el crescendo sonoro hacen que el miedo sea casi físico. No puedo olvidar «Verónica», que mezcla lo cotidiano con lo sobrenatural de un modo salvaje y triste al mismo tiempo. También hay títulos más psicológicos como «Los Otros», que juega con la luz y la idea del hogar como lugar inseguro. Si buscas algo más moderno y crudo, «Mientras duermes» te muestra el terror cotidiano desde la mirada del acosador; es menos sobrenatural y mucho más inquietante por lo cercano. Al final me rindo ante el cine que no te explica todo: esas películas me acompañan varios días después de verlas y me hacen repasar los pequeños ruidos de la casa.

Recuerdo haber quedado fascinado con «El día de la bestia» de Álex de la Iglesia, aunque no es exactamente una película de brujas, tiene ese ambiente oscuro y mágico que me encanta. España tiene una tradición cinematográfica rica en lo sobrenatural, pero si hablamos específicamente de brujas, «Akelarre» (2020) es una joya. Dirigida por Pablo Agüero, retrata los juicios de brujas en el País Vasco del siglo XVII con una mezcla brutal de realismo y fantasía. La fotografía es impresionante, y la forma en que aborda la persecución de mujeres acusadas de brujería es tan cruda como necesaria. Otra que me viene a la mente es «Las brujas de Zugarramurdi» (2013), también de Álex de la Iglesia. Es más cómica y exagerada, pero tiene ese estilo único del director: caótico, sangriento y divertido. La trama gira alrededor de un grupo de brujas vascas que secuestran niños, y aunque suena tétrica, está llena de momentos absurdos que te hacen reír. Si buscas algo más histórico, «Witchhammer» (1970) es una producción checo-eslovaca, pero se filmó parcialmente en España y aborda temas similares.

Me quedé pensando en cómo «La casa de los espíritus» entreteje lo íntimo con lo histórico y no pude evitar sentirme arrastrado por esa marea. La novela habla de la familia, claro, pero no como un árbol genealógico frío; es un tapiz donde el amor, la violencia y los secretos se repiten a lo largo de generaciones, como si los mismos fantasmas —literales y metafóricos— volvieran para ajustar cuentas. Además, hay una capa política muy potente: la historia personal choca con golpes de estado, abusos de poder y transformaciones sociales. Eso hace que la memoria sea un tema central; recordar es una forma de justicia y de resistencia frente al olvido impuesto. También aparece el tema de la clase y la tierra, cómo el poder económico moldea destinos y relaciones. Por último, me fascinó la mezcla de lo real y lo mágico; los espíritus y las visiones no están ahí solo por espectáculo, sino que funcionan como voz de los excluidos y como puente entre el pasado y el presente. Me fui con la sensación de que la novela no solo cuenta una historia, sino que intenta curar heridas colectivas.

Me parece fascinante cómo en el cine español la presión laboral y el desgaste mental se cuelan por las rendijas de historias que, a primera vista, no siempre parecen hablar de 'burnout' pero lo muestran con crudeza. Una película que suelo recomendar cuando sale este tema es «Los lunes al sol»: no habla del exceso de trabajo, sino del trauma que deja la pérdida del empleo y la humillación diaria, y para mí eso es parte del mismo lado oscuro del mundo laboral. La impotencia, la pérdida de rutina y la tensión constante por la dignidad y el dinero se ven en cada gesto, y eso resume muy bien cómo el trabajo puede destruir la salud mental, incluso cuando el drama no ocurre dentro de una oficina con horario fijo. Otra cinta que me marcó por su tratamiento de la ansiedad generacional es «AzulOscuroCasiNegro». No es un manual sobre estrés laboral, pero sí es una radiografía de la presión familiar, la frustración profesional y la falta de expectativas que terminan convirtiéndose en una fatiga psicológica. Me llamó la atención cómo los silencios y las decisiones pequeñas van sumando hasta una sensación de asfixia; es un ejemplo perfecto de que el surmenage no siempre viene por exceso de tareas, sino por la suma de microestresores que te dejan sin pilas. Si quieres ver algo que ponga la lupa en las dinámicas empresariales, «El método» es brutal: un grupo de candidatos en un proceso de selección sometido a pruebas psicológicas donde la competencia y la manipulación desatan tensiones extremas. Ahí se ve la parte más industrial del desgaste: cómo el sistema convierte a las personas en engranajes y las deja rotas. También menciono «La soledad» y «10.000 km» porque abordan el agotamiento emocional desde ángulos distintos —la urbanidad y el desencuentro, y las relaciones sometidas a prioridades laborales—; ambos me parecieron muy honestos en mostrar que el surmenage tiene muchas caras. En general, recomiendo ver estas películas no sólo por entretenimiento, sino como espejos: te obligan a reconocer señales, a sentir empatía por personajes que se están quemando y, si te pesa la vida laboral, a pensar en un cambio. Personalmente, me quedo con la mezcla de rabia y ternura que muestran estos filmes: duelen, pero ayudan a entender por qué hay que poner límites antes de llegar al punto de quiebre.

Nunca he visto al ocultismo retratado con tanto sarcasmo y energía como en «El día de la bestia»; esa película es un volcán de humor negro, crítica social y rituales satíricos que todavía me hace reír y estremecer a partes iguales. La forma en que Álex de la Iglesia mezcla la estética del heavy metal, la Iglesia y la búsqueda de un anticristo en la Madrid de los 90 convierte el ocultismo en algo tanto ridículo como peligrosamente real. Después de eso me gusta seguir con propuestas más sombrías: «Los sin nombre» te lleva al horror de sectas y rituales secretos, con una atmósfera opresiva que se siente íntima y perturbadora. «Verónica» explora la Ouija y la infancia invadida por fuerzas que no se comprenden, y lo hace con tensión creciente y algún susto que aún me pone la piel de gallina. Para los que disfrutan de fantasmas con trasfondo histórico, «El orfanato» y «El espinazo del diablo» usan el folclore y la memoria colectiva para convertir lo oculto en algo casi doméstico: los rituales, las supersticiones y el peso del pasado se filtran por las paredes de casas y colegios abandonados. Y si buscas posesiones y pánico en tiempo real, «REC» demuestra cómo lo oculto puede volverse contagioso y claustrofóbico. En fin, me encanta cómo estas películas manejan lo oculto desde tonos distintos: comedia negra, sectas, infancia y folclore; cada una me dejó con imágenes que se pegan a la mente.