¿Quién Actuó En 'El Hombre Que Mató A Liberty Valance'?

Tengo un recuerdo vívido del final de «El hombre que mató a Liberty Valance» que todavía me hace pensar en la distancia entre el mito y la verdad. En la película, Ransom Stoddard aparece como el hombre a quien todo el pueblo acredita el disparo que acabó con Liberty Valance; sin embargo, la verdad que se revela más tarde es otra: fue Tom Doniphon —un tipo rudo y silencioso— quien realmente disparó a Liberty en un callejón oscuro para proteger a Ransom, que había quedado herido. Ransom acepta esa versión pública porque la ciudad necesita creer en la ley y en la justicia representada por un defensor de la ley con toga, no en la violencia vigilante. Años después, cuando Ransom ya es una figura pública, la prensa pregunta por el episodio y se publica la verdad. Él pronuncia la frase que lo resume todo: «cuando la leyenda se convierte en hecho, imprime la leyenda». Doniphon, que no busca gloria, se marcha a caballo; la escena final lo muestra alejándose en la lluvia, solitario, subrayando el sacrificio y la idea de que las historias que contamos pueden valer más que los hechos. A mí me quedó la sensación de que el western no sólo habla de balas, sino de qué historias conservamos para que una comunidad funcione.

Una de las cosas que siempre me ha enganchado del cine clásico son los paisajes que parecen personajes, y por eso me fascinó investigar dónde rodaron «El hombre que mató a Liberty Valance». Viendo las imágenes, se nota la huella de John Ford: muchas de las secuencias exteriores fueron filmadas en Monument Valley, la inmensa llanura en la frontera entre Utah y Arizona que Ford convirtió en sinónimo del western. Ese terreno rojo y erosionado aporta la sensación de soledad y leyenda que tiene la película, y ayuda a entender por qué la estética del film sigue tan viva. Además de Monument Valley, parte del rodaje se llevó a cabo en localizaciones del sur de Utah, como Kanab, un lugar que apareció en un montón de westerns y que todavía conserva ese aire de «pueblo del oeste» tan cinematográfico. Las escenas interiores y algunas tomas controladas se hicieron en los estudios de Paramount en California; era habitual entonces alternar exteriores épicos con decorados de estudio para controlar luz y sonido. Esa mezcla entre exteriores naturales y sets cerrados es lo que le da al film su equilibrio entre épica visual y narrativa íntima. En mi cabeza, cada plano exterior me devuelve a la sensación de estar en un mapa antiguo: árido, enorme y con una historia a la vuelta de cada roca. Ver «El hombre que mató a Liberty Valance» sabiendo dónde se rodó ayuda a apreciar las decisiones de Ford y la manera en que eligió el paisaje para contar la leyenda.

Me pierdo en el cine clásico cada vez que pienso en «El hombre que mató a Liberty Valance», y la respuesta corta es: no, no existe una secuela oficial de la película. El film de John Ford (1962) se quedó como una obra cerrada que explora el choque entre leyenda y verdad, y esa misma naturaleza autocontenida hace que una continuación oficial nunca haya sido necesaria ni producida. La película adapta un relato corto de Dorothy M. Johnson, y tanto el cuento como la película funcionan como piezas completas, con un final que reflexiona sobre la memoria pública y la mentira que sostiene ciertos mitos del Oeste. Si me pongo más detallista, cuento que a lo largo de los años han surgido artículos, ensayos y conversaciones sobre cómo sería una secuela —muchos imaginan rutas alternativas: una que siga la vida de Ransom Stoddard después de la confesión, o una que explore el pasado de Tom Doniphon— pero nada de eso llegó a materializarse en cine o literatura canónica. Lo que sí existe son «hermanas» temáticas: otros westerns de Ford y de su época que juegan con la idea del mito, como «Centauros del desierto», o relatos del mismo tipo que Johnson escribió y que fueron adaptados por separado. Personalmente, prefiero que no haya secuela: la película brilla cuando obliga al espectador a preguntarse qué preferimos creer, y una continuación podría diluir ese misterio. Me encanta imaginar pequeñas historias alternativas, pero disfruto aún más la elegancia del final tal como quedó.

Tengo un cariño especial por los westerns clásicos y «El hombre que mató a Liberty Valance» es una de esas películas que siempre vuelvo a buscar cuando quiero desconectar. En España, lo más práctico suele ser empezar por plataformas de alquiler o compra digital: Apple TV (iTunes), Google Play Películas y Prime Video suelen ofrecerla en formato de alquiler o compra digital, depende de acuerdos temporales. A veces aparece en servicios de suscripción especializados en cine clásico o de autor, y otras veces sólo está para rentar; por eso conviene comprobar cada opción antes de decidir. También recorro tiendas físicas y mercados de segunda mano: tengo una edición en Blu-ray que pillé en una tienda de cine antiguo, y en lugares como Amazon España o tiendas especializadas se pueden encontrar copias nuevas o usadas. No hay que descartar la Filmoteca o ciclos de cine en salas pequeñas: cada cierto tiempo organizan retrospectivas de John Ford y esa es una ocasión perfecta para verla en buena pantalla y con buena compañía. En mi experiencia, combinar la búsqueda online con la posibilidad de una proyección local suele dar mejores resultados que esperar a que salga en una plataforma concreta, y siempre es un placer redescubrir el final y la moraleja del film en una sala oscura.

Tengo un recuerdo nítido de verla proyectada en una sala con cortinas rojas y un público mayor que susurraba cada vez que aparecía John Wayne en pantalla. Creo que «El hombre que mató a Liberty Valance» es, sin duda, un western clásico, pero de los que cuestionan al propio género. John Ford usa todos los recursos del western: planos amplios, pueblos polvorientos, héroes con moral ambigua y duelos que parecen inevitables. A la vez, desmonta esa mitología al poner en primer plano la tensión entre la leyenda y la verdad; eso le da una profundidad que trasciende el pastiche o la réplica de fórmulas. La estructura narrativa, con el uso del flashback y la voz de quien recuerda, lo aleja del simple western de aventuras y lo convierte en una reflexión sobre cómo se construye la historia. Conservo una sensación de melancolía cada vez que llega el final: no es sólo el paisaje, sino la derrota de la honestidad frente a la conveniencia de una buena historia. Por eso lo sigo recomendando a quienes creen que los westerns son sólo disparos y sombreros: aquí hay coronas rotas, decisiones morales y una ironía elegíaca que lo sitúa entre los clásicos indispensables.

Recuerdo perfectamente esa mezcla de sorpresa y diversión al ver «Licencia para matar» por primera vez: el villano que se roba la pantalla es Franz Sanchez, interpretado por Robert Davi. Yo todavía siento que su presencia le dio al filme un tono más duro y contemporáneo dentro de la serie Bond; no es el típico supervillano caricaturesco, sino un señor del crimen con ambición fría y método. Davi aporta una combinación de cara de pocos amigos, voz rasposa y gestos medidos que hacen creíble a un capo latinoamericano despiadado, y eso elevó muchas escenas tensas. Me gusta cómo su actuación funciona en contraste con el estilo de Timothy Dalton: mientras Bond está más humano y vulnerable, Davi encarna a alguien que parece siempre estar calculando el próximo golpe. Además, el nombre de su personaje, Franz Sanchez, se quedó en mi cabeza por la forma en que Davi lo hizo sonar peligroso sin grandes estridencias. Personalmente valoro esa interpretación porque me recuerda que un buen villano no necesita un lazo con la cara: basta con presencia, dirección y una interpretación convincente para dejar huella en la franquicia.

Me encanta recordar cómo Julie Andrews convirtió una idea tan arriesgada en algo totalmente irresistible en «Victor/Victoria». En la película de 1982 dirigida por Blake Edwards, ella interpreta a Victoria Grant, una cantante sin muchas oportunidades que acaba haciéndose pasar por un hombre que interpreta a una mujer: es decir, Victoria se transforma en 'Victor' sobre el escenario. La interpretación de Andrews mezcla comedia, canto y una sensibilidad muy sutil sobre identidad y espectáculo; verla asumir ese doble juego de género es fascinante porque nunca pierde la humanidad del personaje. La película también tiene un reparto que funciona de maravilla alrededor suyo —nombres como James Garner y Robert Preston aportan química y tensión—, pero es la voz, la elegancia y la precisión cómica de Andrews las que sostienen todo. Su capacidad para cambiar postura, mirada y matiz vocal sin caricaturizar hace que la trama funcione: el público cree en Victoria y acepta la trampa teatral que plantea la historia. Para mí, esa mezcla de musical clásico y comedia sofisticada es lo que mantiene viva a «Victor/Victoria» después de tantos años. Al final, la obra se siente como un homenaje al oficio del espectáculo y a la libertad para jugar con las apariencias. Personalmente, cada vez que la revisito me impresiona lo moderna que resulta la propuesta para su época y lo cálido que es el papel de Andrews; es una actuación que se ancla en el corazón y en la risa.

Recuerdo claramente la escena en la que el periodista se enfrenta a la montaña de pruebas en «Matar al mensajero», y aún hoy me sigue resonando la interpretación que sostiene todo el film. En esa película el protagonista es interpretado por Jeremy Renner, que da vida a Gary Webb, el reportero que destapó la conexión entre la CIA y la droga en los barrios de Los Ángeles. Renner se aleja de sus papeles más físicos para mostrar a un tipo agotado, obsesivo y humanamente vulnerable; su voz rasgada y su mirada cansada encajan con la historia real que adapta la cinta. La dirección no siempre ayuda, pero su actuación ancla la película y hace creíble el desgaste personal que trae una investigación así. Si te interesa el periodismo de investigación o las historias de whistleblowers, yo valoré mucho cómo Renner convierte a Webb en alguien creíble y fatigosamente tenaz, y me quedé con la sensación de haber visto a un actor que se comprometió con la verdad detrás del personaje.