كيف Yahya Hassan صوّر الصراع الثقافي في شعره؟

أتذكر شعور الدهشة والفضول عندما علِمتُ بخبر صدور الديوان الذي هز المجتمع الأدبي الدنماركي؛ نُشر أول ديوان شعري ليحيى حسن في عام 2013، وكان عنوانه ببساطة 'Yahya Hassan'. حين قرأت القصائد شعرت بأنني أمام صوت جريء لا يخشى مهاجمة التابوهات، والنتيجة كانت انفجارًا إعلاميًا وبيعًا واسع النطاق، إذ دخلت مجموعته القصائدية جدول المبيعات بسرعة. النصوص تناولت تجارب نشأته وحياته في أوساط المهاجرين وانتقادات لاذعة لبعض هياكل المجتمع، وهذا سبب جزءًا من الجدل الذي صاحب صدوره. من زاويتي كقارئ شغوف، أرى أن صدور هذا الديوان عام 2013 لم يكن حدثًا أدبيًا فحسب، بل لحظة ثقافية أثرت في طريقة نقاشنا عن الأدب والهويّة والحدود الاجتماعية، وكان بداية لمسيرة صاخبة لمبدع شبابي حافظ على إثارة الجدل والإعجاب معًا.

أتذكر قراءة ديوانه 'Yahya Hassan' جلسة كاملة، والصفحات تكاد تلهبني بصراحة الكلام. حين فتحت الكتاب لأول مرة شعرت بصوت يقاطع الصمت التقليدي عن العنف داخل البيوت؛ لم تكن قصائد مجرد وصف، بل كانت اتهامًا متصلًا ومعارك داخلية تترجم إلى صور عن ضرب وشتائم وخيبات أمل وذم للأم والأب والأعراف. أسلوبه مباشر وعنيف أحيانًا، وهذا ما يجعل موضوع العنف الأسري حاضرًا بقوة في نصوصه — ليس كمشهد واحد بل كسلسلة من الذاكرات والجروح التي يعيد فتحها. أستطيع القول إن هذا النوع من الشعر كاّن مهمًا لأنه كسر التابوهات، وفتح نقاشًا عامًّا في الدانمارك والعالم عن المسؤولية الأسرية والاجتماعية. القصائد لا تقدم حلولًا رومانسية، بل تظهر الألم بشجاعة، وأحيانًا بغضب محقّ. النهاية التي أتركها في ذهني هي أن صوته، رغم قسوته، منح صوتًا لمن لا صوت لهم داخل البيوت، وهذا أثر لا ينسى.

أعتقد أن الفضول حول من ترجم ديوانه إلى العربية طبيعي جدًا، لأن صوته كان مُزعجًا وصريحًا بطريقة تجعل القارئ يريد سماعه بلغته الخاصة. قرأت عن ديوانه الشهير الذي نُشر بالدنماركية تحت عنوان 'Yahya Hassan'، وهو العمل الذي شهّره على نطاق واسع. معظم المصادر الأدبية تشير إلى أن النص الأصلي كان بالدنماركية، وأن الترجمات العربية التي تصلنا عادةً هي لعمل مترجمين آخرين أو مقتطفات نُشرت في مجلات أدبية عربية. لم أعثر على دليل قوي يفيد بأنه قام بترجمة مجموعته الكاملة إلى العربية بنفسه ونشرها رسمياً. قد يكون من الممكن أن يكون قد ترجَم أجزاءً أو اقتباسات لأغراض مقابلات أو قراءات، لأن لغته العربية كانت حاضرة في حياته الشخصية، لكن النسخ المطبوعة الرسمية بالعربية عادةً ما تكون من أعمال مترجمين آخرين. في النهاية، يظل صوت النص الأصلي ودقته مترابطين مع لغة الكتابة الأساسية، وهذا ما يجعل كل ترجمة تجربة مستقلة بطريقتها الخاصة.

أذكر أن أول ما جذبني لقراءة شعره كان اندفاعه الخام والصادم — شعور لا يختفي بسهولة. لقد شاهدت أكثر من عرض قرأ فيه شبابٌ وشاباتٍ من قصائد 'Yahya Hassan' في مسارح صغيرة ومهرجانات شعرية، وكانت التجربة أقرب إلى أداء حيٍّ مسرحي منها إلى جلسة قراءة عادية. من تجربتي وما طالعته، لم تُحوّل مجموعته الشعرية كاملة إلى فيلم روائي طويل معروف على نطاق دولي، لكن القصائد نفسها تُعرض كثيرًا على خشبة المسرح ضمن أعمال مقتبسة أو عروض أحادية الصوت. كما صُوّرت بعض القراءات والعروض المسرحية وثائقيًا أو كفيديوهات بثها مؤدون ومخرجون في الدانمارك، فبقي تأثيره أقوى في المساحات الحية وفي مشهد الأداء الجماهيري أكثر من الشاشة الكبيرة. بالنسبة لي، يبقى شعره حيًا كلما سمعته يتردّد بصوتٍ على خشبة مسرح أو في تسجيلٍ مسرحي، وهذا نوع من الخلود لا يُقاس دائمًا بتحويل روائي تقليدي.

كنت متشوِّقًا لما سيقدمه صوت جديد حين فتحت مجموعته للمرة الأولى. عشت في بلدٍ مختلف لكن قصائد 'Yahya Hassan' شعرت بأنها معامل تجارب صادقة عن حياة الشوارع، عن بيوت الإيجار، عن علاقة الشاب بالمؤسسات والقبائل الصغيرة داخل المجتمع المهاجر في الدنمارك. هو نفسه عاش في الدنمارك، نشأ في أحياء العمل والإسكان الاجتماعي في مدينة آرهاوس، وكتابه يُروى من داخل تلك التجربة اليومية: عن الخلافات العائلية، عن العنف، عن إحساس بأنه خارج المنظومة. لذلك لا عجب أن تكون كتاباته متأثرة بقوة بالبيئة الدنماركية، بل أكثر من ذلك: اللغة الدنماركية التي اختارها لصياغة غضبه وتأملاته هي جزء من هويته الأدبية. ما أحببته شخصيًا هو كيف أن صوته لم يكتفِ بوصف الوجع، بل استدعاء نقاش عام حول الاندماج والاختلاف والقانون والحنان والإهمال. هذه الوثيقة الشعرية لم تكن مجرد سرد تجربة فردية، بل شرارة أثّرت في المشهد الأدبي والإعلامي في الدنمارك، وجعلت الناس يتكلمون عن قضايا لم تكن واضحة من قبل. بالنسبة لي، تأثير حياته في الدنمارك على كتاباته واضح وحاسم، سواء من حيث الموضوع أو اللغة أو الصدى العام.

أرى أنواع الشعر العربي كحكايات صوتية تكتب تاريخ الشعوب وتعيد تشكيله كل مرة تُتلى فيها أبيات جديدة. الشعر الجاهلي والقِصْدَة التقليدية، مثلاً، أو الموشحات والأغاني الشعبية، كل نوع يحمل معه مفردات، إيقاعات، وصورًا ذهنية محددة تُغذّي إحساس الناس بأصولهم ومكانهم في العالم. حين أستمع إلى قصيدة من التراث البدوي، أشعر بعواطف مرتبطة بالصحراء والكرم والرحيل، بينما قصائد المدينة الحديثة تلتقط أحاسيس الاختناق، الطموح، والحنين إلى زمان أبسط. هذا التباين يساعد المجتمعات على تعريف نفسها داخليًا وخارجيًا: البعض يعتز بالجذر البدوي أو القروي، وآخرون يعزفون على وتر الحداثة والتحديث، والشعر هنا يصبح أداة لتثبيت تلك الاختيارات الثقافية في الوعي الجمعي. أذكر مرة حضرت أمسية شعرية حيث وُلدت لحظات تفاهم بين أجيال مختلفة؛ الشاعر الكبير قرأ قصيدة مستوحاة من القوافي التقليدية، ثم شاب قدم قصيدة حُرّة استعمل فيها لغة الشارع والإنترنت. لم يكن الخلاف تصادمًا، بل حوارًا؛ كل نمط كشف عن رؤية أخرى للحياة والهوية. الشعر النبطي مثلاً يحمي مفردات ولهجة المنطقة، بينما الشعر الحر والسياسي أصبح صوتًا للاحتجاج والمطالبة بالحقوق، فأغلب الحركات الوطنية والطلابية استغلت الشعر لتعبئة الناس وإعادة صياغة فكرة الأمة والانتماء. في الشتات، يشتعل الشعر كجسر بين من رحلوا ومن بقيوا؛ أبيات بسيطة قد تُعيد إلى المهاجرين عنوان البيت الأول وتُعطيهم دليلاً على استمرار ثقافتهم رغم البُعد. لا أنسى أيضًا البُعد الطقوسي والاجتماعي: في الأعراس والمآتم والمجالس، يحدد اختيار نمط الشعر المكانة الاجتماعية والقيم المتداولة—أبيات المدح قد تقوي روابط القبيلة، والأشعار الصوفية تصنع حسًّا روحيًا يجمع الناس على مشتركات تتجاوز الانتماءات السياسية. لذلك، عندما أفكر في تأثير أنواع الشعر على الهوية، أرى شبكة متشابكة: لغوية، عاطفية، تاريخية وسياسية؛ كل نوع هو مرآة ومِرْجَع يُعاد تفسيره بحسب الزمن والمكان. تبقى القصيدة العربية أكثر من مجرد كلمات، هي طريقة لإخبار الذات عن نفسها وإسماع الآخرين قصة من نحن.

الصفحات الأولى من 'سلطة الثقافة الغالبة' أخبرتني أن الهوية هنا ليست حقيقة ثابتة بل ساحة اشتباك. الرواية تصف كيف تُسلَّم الأذواق والعادات واللغة كأنها قواعد طبيعية، بينما الواقع يكشف أنها أدوات قوة تُفرض تدريجيًا. أحببت كيف تُقسّم الحياة اليومية في النص بين ما يظهر في الأماكن العامة وما يُختزن في الداخل؛ الشخصيات تتلبس أقنعة صغيرة لتجنب الإقصاء أو السخرية، وتارة تتشبث بذاكرة عائلية قديمة كمصدر للصدق. في نهاية المطاف تؤكد الرواية أن صراع الهوية ليس فقط مع الخارج القاهر، بل مع رغبة داخلية في الانتماء والقبول. النهاية لا تُقدّم حلًا واحدًا بل تترك مساحة للهوية الهجينة، حيث أحيانًا يكون التوليف بين عناصر مختلفة هو أقرب شيء إلى الحرية. هذه النهاية شعرت بأنها واقعية ومؤثرة وتبقى معي بعد إغلاق الكتاب.

الخيبة تكتب بحروفٍ حادة أحيانًا، والشعر قادر على تحويل ذلك الألم إلى صورٍ تقطع نفسها وتبقى في الحلق. كثير من شعراء الحزن استخدموا صورًا تُشبه السكين أو الشتاء أو المرآة المكسورة ليعبروا عن خيبة الحب وخيانة الحبيب، لأن الصورة الحادة تمنح القارئ إحساسًا جسديًا بالخيانة لا ينجزه الوصف المباشر بنفس القوة. عندما أقرأ شعرًا حزينًا يُصور الخيانة بصورةٍ شعرية حادة، ألاحظ ثلاث وظائف رئيسية للصورة: أولًا، التمثيل النفسي — الصورة تُجسّد الشعور وتجعله ملموسًا، مثل استبدال كلمة 'خيانة' بصورةِ 'قبضة تقطع أوتار الكلام'. ثانيًا، الفاعلية البلاغية — الصورة الحادة تختزل تجربة طويلة في لحظة قصيرة، فتجعلك تفهم حجم الألم في بيتٍ واحد. وثالثًا، الجانب الطقوسي أو التطهيرِي: كتابة صورةٍ عن الخيانة تعمل كطريق لكاتِب القصيدة للتنفيس، وللقارئ لتجربة التعاطف أو المواساة. لكن هناك خط رفيع بين الصورة الحادة التي تكشف الواقع وتلك التي تتحول إلى ترفٍ بلاغي يجمّل الألم أكثر مما يوضحه. بعض الصور تصبح مبتذلة عندما تعيد نفس الاستعارات: 'السكين' و'المرآة المكسورة' و'الليلة الباردة' قد تفقد تأثيرها إذا استخدمت بدون تجديد أو تفصيل شخصي. الشعر القوي عن الخيانة هو الذي يخترع تفاصيل خاصة، لحظة صغيرة يرصدها الشاعر (كقهوةٍ تركها الحبيب على الطاولة فاترةً ولم يملأها، أو اسمٍ مكتوبٍ بخطّه على ظهر كتاب) — تلك التفاصيل تحوّل الخيانة من فكرة عامة إلى تجربة فريدة تُؤلمك وتذكرك بأن للنفس وجعًا مميزًا. من ناحية فنية، الصور الحادة تعمل أفضل عندما تدعمها أدوات إيقاعية ولغوية: كحروفٍ تقطع أو كلمات قصيرة تُخنق النبرة، أو فواصل تُكثّف الصمت. كما أن المزج بين الحواس — جعل الخيانة مذاقًا أو لونًا أو صوتًا — يخلق صدمةً شعرية تبقى مع القارئ. أخيرًا، هناك بعد أخلاقي وجمالي: تحويل خيانة إلى شعر يمكن أن يرسمها بشكلٍ بطولي أو ضارِبٍ في الجدل، فيجعل الشاعر بطلاً يعاني أو منفِّذًا لحكمٍ بلاغي على الحبيب. هنا يجب على الشاعر أن يكون حذرًا كي لا يستغل الألم لأجل لياقاتٍ فنية باردة، وإلا سيبدو الشعر مغتنى على جراح الآخرين. في تجاربي الشخصية، وجدت أن الصورة الحادة التي تعمل هي التي تأتي من تحديدٍ بسيط وصادق؛ صورة لا تحاول أن تكون عظيمة بقدر ما تحاول أن تكون واقعية ومكثفة. لذلك نعم، شعر الحزن يعكس خيانة الحبيب بصور شعرية حادة، لكن القيمة الحقيقية تأتي من الصدق والتفرد في الصورة، لا من حدّتها وحدها. انتهت الأفكار عند هذا الحد، وما تبقى هو أن ندع القصيدة تفعل ما لا تستطيع الكلمات العادية فعله: أن تجعل الألم يبدو كما لو أنه حدث الآن، أمامنا، بحافةٍ بصرها القلب.

أحمل في ذاكرتي صورة كلماتٍ تحترق وتعيد تشكيل مساحات الذاكرة لدى شعراء العراق الحديثين، ولا أستطيع فصل الحرب عن الهوية عندما أقرأ نصوصهم. في كتابات بدر شاكر السياب مثلاً، تتحول الطبيعة إلى مرجع للغربة والخراب؛ في 'أنشودة المطر' يتبدّى المطر كرمز للتجدد والحنين وسط مشروع شعري يربط بين الأسطورة والواقع المؤلم. هؤلاء الشعراء لم يعاملوا الحرب كمشهد عابر، بل كمكوّن وجودي: تهشّم اللغة، تفتّت السيرة، وتحوّل المدن إلى علاماتٍ على فقدان الأمان. أرى أيضاً أن الهوية لدى شعراء العراق لم تكن ثابتة؛ كانت سؤالاً دائماً. الناقدة والحسّاسة نحو الشكل شعراً كنازك الملايكة تغيّرت نظرتها للوزن والقافية لتستوعب أزمة العصر، والشعراء المناهضون للنظام مثل مُضحّي الذاكرة الجماعية أو مُناهضو الطغيان استخدموا اللهجة العامية والخطاب المباشر ليصنعوا هوية متفاعلة مع الناس. وفي زمن النفي والتهجير، أصبحت الكتابة شهادة؛ اللغة أداة مقاومة، والحقبة الحديثة حفرت في القصيدة شكلَ سردٍ جديد يَجمع بين التجريب والشهادة. من تجربتي القارئية، أجد أن التقاء التاريخ بالمأساة ينتج شعراً مكثفاً وغاضباً وحزيناً في آن، يروي الحكاية من الداخل ويعيد توظيف الأسطورة والرمز والتذكّر كأنما هو محاولة لإعادة بناء ذاتٍ مهدمة. هذه النصوص لا تمنح إجابات سهلة، لكنها تحفظ وجود الناس وتُثبت أن الشعر قادر على أن يكون ضميراً متعلّقاً بالهوية رغم كل الخراب.